19/4/11

El filme colombiano 'Porfirio' participará en el Festival de Cannes

La Quincena de Realizadores, sección paralela al festival de cine de Cannes, presentó su selección de filmes, entre los que figuran cuatro producciones con participación de países latinoamericanos y una suizo-portuguesa.

Se trata de "Porfirio", dirigido por Alejandro Landes, una coproducción entre Colombia, España, Uruguay, Argentina y Francia; "Mila Caos", germano-cubana dirigida por Simon Paetau, "Le veilleur de nuit", de Natalia Almada (EEUU-México-Francia) y "O abismo prateado", de Karim Aïnouz (Brasil).

También participará en esta Quincena la película suizo-portuguesa "Nuvem", dirigida por Basil da Cunha.

"Porfirio" y el filme brasileño forman parte de la selección de 21 largometrajes que este año presentará la Quincena de Realizadores y los otros tres son cortometrajes, precisaron los organizadores.

La Quincena de Realizadores es una sección paralela al festival de cine de Cannes que fue creada por la Société des réalisateurs de films (SRF) con el objetivo es "descubrir filmes de jóvenes autores y saludar las obras de directores reconocidos".

En la Quincena de Realizadores han participado directores como Werner Herzog, Rainer Werner Fassbinder, Nagisa Oshima, George Lucas, Martin Scorsese, Ken Loach y Jim Jarmusch.

La lista de realizadores que presentaron sus primeros filmes en esta sección incluye además a Michael Haneke, Spike Lee, Luc y Jean-Pierre Dardenne y Sofia Coppola.

La edición de este año, que coincide con el Festival de Cannes, se celebrará en esa ciudad de la Costa Azul francesa entre el 12 y el 22 de mayo próximos. fuente: EFE

15/4/11

"Carlos": El furor, la sangre y la impostura

Olivier Assayas retrata en cinco horas y media (dos y media para el cine) el paisaje devastado de un época entera. Una obra maestra

Edgar Ramírez como Carlos.Fotograma de la película.fuente:elmundo.es

¿Qué tiene un terrorista que no tenga, por decir algo, un bocadillo de mortadela? En los últimos años, hemos asistido a una especie de glorificación y algo más de aquella extraña receta que hizo del idealismo material inflamable. Hablamos de la década de los 70. Desde la hagiografía del 'Che' firmada por Steven Soderbergh al nervioso retrato de la 'Baader Meinhof' de Uli Edel pasando por el desasosegado 'Buenos días, noche', de Marco Bellocchio, o, ya metidos en faena, la convencional y arrolladora 'Munich', del siempre efectivo Spielberg; todas han hecho de la explosión, con perdón, una bella arte.

Por completar la lista cabría añadir la cinta, presentada en la última Berlinale, del alemán Andres Veiel 'Wer wenn nicht wir', de nuevo a vueltas con los años de plomo, o -y hemos llegado- el retrato del terrorista más buscado de todos los tiempos que Olivier Assayas presentó en Cannes y que, por fin, se estrena en España: 'Carlos'.

Para situarnos, lo que se verá en los cines es apenas un fragmento de una de las películas (llamémosla así) más arriesgadas, febriles y tensas de los últimos tiempos. Suena exagerado, pero no queda más remedio: el entusiasmo no deja rehenes. La cinta, pensada originalmente para esa televisión que ya nada tiene que envidiar al cine, se va por encima de las cinco horas (330 minutos de vellón) y ofrece antes que un retrato al uso, una fría disección de algo más que un sujeto enfermo de furia y ruido.

Lo que el director hace pasar por el escáner de su cámara es una época entera o, si se prefiere, la euforia que se vivió en aquel tiempo; un tiempo marcado por la posibilidad de todo, por la completa ceguera ante la realidad, por la fiebre de futuro. Tan cursi como devastador.

Narcisismo y repulsión

Apenas empieza la película, vemos al actor Edgar Ramírez en el papel de 'El chacal' desnudo frente al espejo después de una atentado fallido. En esa simple escena, entre el narcisismo y la repulsión, se resume el ideario de lo que vendrá después. No se trata simplemente de la crónica infectada del idealista que se convierte en mercenario, es algo más; es la perfecta y cuidadosa descripción de un estado del alma, cualquiera de ellas.

Carlos fue el nombre de guerra de un venezolano criado en la Unión Soviética y que vino al mundo con el rumboso nombre de Ilich Ramírez Sánchez. El convencimiento revolucionario de su progenitor fue el esponsable de su nombre y del de sus dos hermanos: uno se llamó Vladimir y el otro Lenin. La cinta obvia la formación espiritual del 'héroe' (atentos a la cursiva) para arrancar en los años calientes, cuando a finales de los 60 y principios de los 70 se involucró en el conflicto de Oriente Medio afiliándose Frente Popular para la Liberación de Palestina.

Lo que sigue aparece dividio en tres grandes bloques. Cada uno de ellos sigue paso a paso la evolución anímica y moral tanto de él como de la época de que le da cobijo. Desde las primeras escaramuzas por las calles de París al espectacular secuestro del avión con los líderes de la OPEP (Organización de Países Exportadores de Petróleo) para acabar consumido por la estupidez, el tedio y las proclamas más rancias en un extraño agujero entre Sudán y el simple desierto.

Se piensa mientras se actúa

Mientras Carlos formula su rosario de frases hechas, gestos aprendidos y ritos iluminados, el mundo gira a su alrededor. Desde la mala conciencia de Occidente, 'Carlos' es contemplando como un héroe (sin cursiva) tan molesto como necesario. Desde la otra parte del mundo (el explotado), Carlos es sencillamente una herramienta con la que coser y descoser alianzas, con la que chantajear a unos y castigar a otros.

El ideario antisionista, antiimperialista, anticapitalista de Carlos sirve igual para poner bombas en Egipto, en Libia (que claro se entiende ahora lo de Gadafi), en Siria o, ya puestos, en París. También aparece ETA. Y así, de la mano de la cámara siempre nerviosa de Assayas (se piensa mientras se actúa), emerge la imagen de un tiempo enfermo, tan enfermo que se declaró incapaz de entender que la sangre es sangre y un cuerpo mutilado un cuerpo mutilado. No hay retórica revolucionaria capaz de dar sentido a la barbarie.

El director, como ya hiciera en cada una de sus mejores películas (de 'Demonlover' a 'Boarding gate'), sigue fiel a su ideario de no permitir el reposo. Las cosas se resuelven mientras el objetivo de la cámara se desplaza entre la desesperación, el miedo, el poder, el sexo, la realidad y su imagen. Sobre el papel no hay más que un 'biopic' al ritmo de una música extraña y fuera de época. En la pantalla, sin embargo, es mucho más. Assayas evita un acercamiento glorificador a lo 'Scarface' y se esfuerza en mantener con su protagonista una distancia moral por la que se cuela la mirada del espectador; un espectador que es invitado a cuestionarse cada uno de los tranquilizadores lugares comunes que pueblan su doliente mala conciencia.

Carlos empieza desnudo, excitado, con el sexo hirviendo frente al espejo después de haber disparado a bocajarro a un policía. Cuando termina la película se pelea acomplejado contra la nada incipiente barriga mientras se duele de un problema en los testículos. Vanidad, dolor y huevos. Tan triste como, en efecto, un bocadillo de mortadela. De repente, todas las películas citadas en el primer párrafo se antojan perfecta y dolorosamente inncesarias. Duele. A veces, el cine, el de verdad, duele.

Nota: Increíble el actor Edgar Ramírez empeñado en una 'brandoniana' exaltación de sí mismo. Canonización ya

10/4/11

Queda la conciencia implacable

Sidney Lumet fallece a los 86 años tras una larga carrera - El realizador de Doce hombres sin piedad concebía el cine como una forma de analizar el mundo

Sidney Lumet, durante el rodaje de su filme Daniel en junio de 1996.foto.fuente:elpais.com

Sidney Lumet, fallecido ayer en Manhattan a los 86 años, fue un implacable retratista del lado oscuro de la sociedad estadounidense. Pocos directores han dado en la llaga tantas veces y de forma tan certera. A través de títulos como Doce hombres sin piedad, Sérpico, Tarde de perros o Network. Un mundo implacable, Lumet fue uno de esos artistas capaces de convertirse en la conciencia crítica de un país y nunca abandonó la garra combativa.

Sus películas, de factura clásica, eran muchas veces oscuras y siempre mostraban los recovecos menos amables de Estados Unidos. Nacido en Filadelfia, aunque pasó la mayor parte de su vida en Nueva York, una ciudad profundamente ligada a su cine, Lumet es autor de cerca de 40 películas (y de más de 70 títulos si se incluyen también sus trabajos para televisión). Recibió un Oscar honorífico por el conjunto de su obra en 2005: hicieron falta cincuenta años de cine para que Hollywood reconociese el trabajo de un director que había rodado muchas escenas que formaban parte de la memoria colectiva. Pero nunca se mudó a California, ni fue complaciente con la industria ni quiso adaptar su discurso a las modas.

Su carrera, en una industria que acorrala demasiadas veces a los veteranos, fue extraordinariamente larga: dirigió sus primeros capítulos para series a principios de los años cincuenta, realizó su primer filme en 1957 -Doce hombres sin piedad, su segundo fue Todos los hombres del rey, una versión para televisión de la implacable novela ganadora del Pulitzer de Robert Penn Warren- y el último en 2007, Antes que el diablo sepa que has muerto.

Lumet siempre concibió el cine como una forma de análisis del mundo en el que vivía y, desde sus primeros títulos, lanzó una mirada nada complaciente hacia el mundo contemporáneo. Con los años no se fue dulcificando, más bien todo lo contrario, porque pocas películas tan desangeladas y certeras ha ofrecido el cine contemporáneo como Antes que el diablo sepa que has muerto. Su título más conocido es Doce hombres sin piedad (1957), una versión de la obra de Reginald Rose con la que se estrenó en la gran pantalla, en la que despedaza el sistema judicial estadounidense. Este filme, convertido en un clásico, refleja su estilo: blanco y negro sin concesiones, una historia llena de suspense que esconde mucha crítica social y, a la vez, un canto a la solidaridad y el compromiso, encarnado en la figura de Henry Fonda, que decide no dejarse arrastrar por la rutina sino tratar de que se haga justicia.

En la última entrevista a este diario, Lumet explicaba que no tenía móvil ni ordenador. "La gente se pasa 10 horas frente a la pantalla y lo triste es que piensa que está comunicándose", dijo entonces. "Escribo a mano. Y no quiero que me impongan el estar siempre disponible. Si me buscan pueden llamarme por teléfono y dejar un mensaje en el contestador. Y en cuanto a Internet, creo que me queda poco tiempo de vida y prefiero invertirlo en aprender más sobre las personas que sobre las cosas". En aquella entrevista, que se desarrolló en su barrio, el Upper West Side de Manhattan, relataba también su forma de enfrentarse a las películas: "Hay muy buenas historias que contar relacionadas con el lado oscuro del ser humano. Y si creas razones que justifiquen las decisiones de los personajes, te sale una buena película".

En esa búsqueda constante del lado oscuro, no dejó títere con cabeza. Network. Un mundo implacable (1976), con Robert Duvall, Faye Dunaway y William Holden, es todavía uno de los retratos más devastadores que se han hecho del mundo de la televisión y se rodó antes de que la telerrealidad asaltase las pantallas. Tarde de perros (1975), con un Al Pacino para algunos sobreactuado, describe la historia de un perdedor que asalta un banco para que su pareja pueda hacerse una operación de cambio de sexo en una sociedad rota en medio de una enorme crisis económica. De nuevo, un tema totalmente contemporáneo.

Sérpico (1973), con Al Pacino otra vez, y La noche cae sobre Manhattan (1996), con Andy García, Ian Holm, James Gandolfini -Toni Soprano antes de entrar en la familia de Nueva Jersey- y Lena Olin son dos títulos impresendibles sobre la corrupción, sobre las grietas en el sistema, en las que personajes idealistas tratan de sobrevivir sin manchas en un mundo que no tiene piedad.

Incluso las películas alimenticias que dominaron sus últimos años (Negocios de familia, Una extraña entre nosotros, El abogado del diablo, A la mañana siguiente, hasta el remake de Gloria) tienen ritmo y suspense, una factura más que correcta y, sobre todo, siempre dejan escapar ese sentido social, ese compromiso que dominó todo su cine. En su obituario, The New York Times recuerda una frase de Lumet: "Aunque el objetivo de todas las películas es entretener, el tipo de cine en el que creo va más allá. Obliga al espectador a enfrentarse a su propia conciencia, a estimular su inteligencia".

Resulta difícil elegir un solo título de Lumet (más allá de Doce hombres sin piedad), pero quizás El prestamista (1964) sea su filme más completo y devastador. Relata la historia del dueño de una tienda de empeños, interpretado por Rod Steiger, en el barrio neoyorquino de Harlem. Es un superviviente del Holocausto, un hombre que ha perdido la confianza en los seres humanos, que se enfrenta a profundas contradicciones que le provoca su oficio. Es una película sobre la justicia y la injusticia, sobre la soledad, sobre la solidaridad y el egoísmo. Es, al final, un filme sobre los abismos de la humanidad. Como todo el cine de Lumet.


El gran Lumet menos conocido

9/4/11

"Carlos' es una anomalía en el cine"

Olivier Assayas narra los avatares del rodaje y exhibición de su filme sobre El Chacal

Edgar Ramírez (derecha) en una secuencia de Carlos, en la que se recrea el asalto a la sede de la OPEP en Viena, en 1975.

El cineasta Olivier Assayas, ayer en Valencia.- JORDI VICENT.fuente:elpais.com

Mientras engulle a empellones un sándwich de salmón y una taza de té bajo el sol de la primavera valenciana, Olivier Assayas (París, 1955) se sigue preguntando cómo demonios consiguió hacer una película como Carlos.

Contar la vida y milagros de Ilich Ramírez Sánchez, alias Carlos, alias El Chacal, bestia negra de las policías y servicios secretos de media Europa en los años setenta, enemigo público número 1 en Francia, heraldo negro del terrorismo internacional, el mercenario total, el rufián revestido de ideología marxista que secuestró en Viena a los ministros de la OPEP... y todo ello hacerlo en cinco horas y media de trepidante cine, con toda la libertad del mundo por parte de sus productores, 13 millones de euros en el bolsillo y la inestimable cooperación de un actor con toda la pinta de acabar convertido en superestrella en un día no muy lejano -el venezolano Edgar Ramírez- no parecía precisamente sencillo. "Es más, parecía una locura y yo estaba aterrado... Me considero una excepción dentro del cine europeo de hoy por haber podido estrenar algo así, una película fruto de circunstancias milagrosas", explica Assayas, quien ayer inauguró con Carlos la Mostra de Valencia.

La película llegará a siete salas españolas el próximo viernes 15, aunque no lo hará en su versión íntegra, como hubiera deseado su autor, sino únicamente en un montaje de dos horas y 40 minutos. El distribuidor y exhibidor Enrique González Macho -uno de los dos candidatos a la presidencia de la Academia de Cine que se dirimirá este domingo- compró lel largo el año pasado en el Festival de Cannes, donde fue proyectada (aquella vez sí, en versión íntegra) y donde provocó un agrio debate en torno a su naturaleza cinematográfica o televisiva, debate que acabó con la retirada de la película de la sección a concurso. Finalmente, el exhibidor español decidió estrenarla solo en la versión corta, contrariamente a lo que ha ocurrido en otros países como Estados Unidos, Reino Unido o Francia, donde salió en ambas versiones. Cosas del cine, de su financiación (en este caso, Canal Plus Francia) y de sus ventanas de exhibición. En la Mostra sí que podrá verse el montaje del director. Y en junio, Canal Plus la estrenará en forma de miniserie de tres capítulos, en su metraje íntegro.

En opinión del realizador de Finales de agosto, principios de septiembre, debates como aquel de Cannes son "totalmente arcaicos a día de hoy". Y lo argumenta así: "Cine, televisión, un montaje, el otro, qué más da... La forma en que vemos el cine evoluciona sin parar. Y no podemos hacer como si no estuviera pasando nada. Replegarse sobre actitudes dogmáticas no tiene sentido, va contra la modernidad del cine".

Se lo pensó mucho el director francés antes de lanzarse a algo tan peliagudo como contar la vida de Ilich Ramírez, quien por cierto cumple condena perpetua en la prisión de Clairvaux, desde donde interpuso una demanda judicial contra los productores de la película. "Es normal que no le gustara... él sigue negando casi todos los hechos que aquí se presentan", comenta Assayas, quien evoca así el origen de este proyecto: "Hay que decir que yo tenía mucho miedo de hacer esta película y pedí carta blanca al 100% para hacerla. Puso unas condiciones durísimas a los productores y pensé: 'Imposible que las acepten'. No quería estrellas, quería rodar en todas las lenguas originales y en cinemascope, no quería rodar en Marruecos sino en Líbano aunque fuera más complicado, y el guión lo escribía yo y no admitía un pero. Me dijeron 'sí' a todo. Hoy en día, en Europa, es imposible tener ese nivel de libertad para una película de 13 millones de euros. Carlos es una anomalía en el cine". Dos de aquellas estrellas que no quiso fueron Javier Bardem y Gael García Bernal. "Bardem es genial, pero no daba la edad, y Gael no era creíble en parecido físico".

Encontrar el sabio y deseable término medio entre el síndrome de Estocolmo y la manía cerval a un asesino como Ilich Ramírez fue lo que más preocupó a Olivier Assayas desde un punto de vista de aproximación al personaje: "Era una de las cuestiones que más me obsesionó mientras estaba preparando la película. Estamos ante un personaje violento y detestable, pero también apasionante. Y me dije: '¿De verdad tengo ganas de vivir durante dos años con este tipo o me acabará asfixiando?'. Y por extraño que parezca, creo que fue el actor Edgar Ramírez quien me dio la solución, porque fue él quien se apropió de Carlos. Digamos que yo dirigí Carlos desde fuera, y Edgar Ramírez lo hizo desde dentro".

La referencia literaria que Assayas tuvo siempre en mente a la hora de pensar cómo plasmar las correrías del gran criminal y su impacto en la sociedad de la época no fue cualquiera. Se llama, ni más ni menos, Shakespeare: "Mientras escribía el guión pensaba en Shakespeare, ¡salvando las distancias, evidentemente! Una dramaturgia donde se hace hablar a reyes y a ministros, y donde la acción transcurre lo mismo en Malta que en Londres que en Escocia, y que encierra por un lado como la cosmogonía de una época y algo relativo al concepto universal de poder. Bueno, es que nadie será nunca tan moderno como Shakespeare... Aún lo estamos estudiando, nunca se acaba".

Esos profesionales del terror

8/4/11

Fondo para el Desarrollo Cinematográfico

Las convocatorias del FDC buscan apoyar de manera integral y en forma no reembolsable mediante asignaciones directas y gratuitas de recursos cada año, proyectos cinematográficos colombianos en todas sus etapas pasando desde el desarrollo de guiones y proyectos, producción, posproducción, hasta las de promoción distribución y exhibición

También apoya el concepto integral de la cinematografía a través del auspicio a actividades de formación de técnicos, creativos, realizadores, así como la formación de públicos como manera de invitar a hacer cine y a entender con sentido crítico los contenidos audiovisuales, la lucha contra la piratería y, por supuesto, la conservación del patrimonio audiovisual colombiano en una amplia gama de mecanismos.

fuente:Direccion de cinematografía

'De aquí a la eternidad', un poco gay

Una editorial digital publicará la versión original de la novela

Montgomery Clift y Frank Sinatra, en un fotograma de 'De aquí a la eternidad'.foto.fuente:elmundo.es

La versión original de la novela 'De aquí a la eternidad', de James Jones, saldrá a la luz 60 años después de su primera edición con una nueva faceta: la de una novela, al menos parcialmente, homoerótica.

Las referencias a la homosexualidad de la obra (dos escenas, según informa la BBC), que fueron eludidas por lealtad al Ejército, se podrán leer gracias al acuerdo al que han llegado los herederos de Jones con la editorial digital Open Road.

'De aquí a la eternidad' narra la vida de varios soldados estadounidenses destinados en Hawaii en los meses previos al bombardeo de Pearl Harbor. Entre ellos, destaca el soldado raso Angelo Maggio, que, en la versión cinematográfica de la novela (dirigida por Fred Zinnemann en 1954) interpretó Frank Sinatra (ganador de un Oscar al mejor actor secundario). En la nueva versión de la novela, Maggio confiesa que ha pagado a un hombre por tener relaciones sexuales con él.

Otra trama censurada y ahora rescatada cuenta la investigación que el Ejército emprende para conocer las actividades homosexuales de sus tropas.

James Jones, que combatió con el Ejército de EE UU, se casó y tuvo dos hijos, también fue el autor de otras novelas bélicas adaptadas al cine con éxito. Por ejemplo, 'La delgada línea roja', adaptada por Terence Malick.

"Mi padre luchó duramente por conservar cada palabra de su manuscrito", ha dicho Kaylie, la hija de Jones, a 'The New York Times'. "Pero los editores estaban preocupados por pasar el filtro de la censura".

Open Road publicará otros seis títulos de Jones, incluido el inédito 'To the end of the war'.

«Caperucita Roja», sobrenatural y surrealista en la gran pantalla

En esta época en la que los romances sobrenaturales triunfan en el cine y la literatura, llega a España el 15 de abril Caperucita Roja, de la mano de Catherine Hardwicke, la directora

Amanda Seyfried, protagonista de Caperucita Roja.foto.fuente:larazon.es


La historia se desarrolla en una villa medieval asolada por un salvaje hombre lobo que aterroriza a los aldeanos cada luna llena, hasta el punto en el que le dejan ganado a modo de ofrenda para evitar que se cobre víctimas humanas. Este hombre lobo forma parte de la comunidad, factor que otorga suspense al filme al no conocerse su identidad, pero que a su vez lo aleja del argumento del famoso cuento de hadas.

"A los guionistas se les ocurrió volver a los orígenes de la historia, incluso antes del cuento de los hermanos Grimm" explicó Hardwcike en un encuentro con los medios, para luego hacer hincapié en que "Caperucita" es en realidad un relato "intrincado y plagado de simbolismo".

El filme cuenta la historia de la joven Valerie (Amanda Seyfried, "Mamma Mia"), que lleva toda la vida enamorada de Peter (Shiloh Fernandez, "Skateland"), un leñador de mirada intensa que cautivará por su aire de chico malo y por ser el amor prohibido de la chica.

"Lo que me gustó de Peter es que siempre intenta hacer lo correcto, que nada le importa excepto que su chica sea feliz" señaló Fernández, que reconoce que le gustaría parecerse más al personaje que ha interpretado.

Los padres de Valerie quieren casarla con el bondadoso Henry (Max Irons, "Dorian Grey"), hijo del hombre más acaudalado de la aldea, y tercer elemento de un triángulo amoroso en el que no falta la rivalidad entre ambos jóvenes y el instinto protector hacia Caperucita.

El papel de Irons es de los más convincentes de este romance adolescente, lo que no es de extrañar dado que es hijo de Jeremy Irons ("La misión") y Sinéad Cusack ("V de Vendetta"), por lo que forma parte de una familia de actores.

Educado en una de las escuelas de arte dramático más prestigiosas del Reino Unido, Irons admite que su linaje le ha abierto puertas, pero que "si no haces bien tu trabajo, no van a llamarte".

Hombre lobo
El personaje que interpreta en la película no tiene tanta suerte como él, ya que Valerie no le elige y decide huir con su amado para evitar tener que desposarle. Sin embargo, el hombre lobo comete un asesinato y trunca los planes de la chica inesperadamente, sumiendo a los aldeanos en la desesperación al no saber como deshacerse de la bestia.

Uno de los habitantes de la villa recurre al Padre Solomon (Gary Oldman, "Harry Potter"), una figura siniestra que, mezcla entre caballero y cura, se dedica a cazar a estas criaturas y ha convertido su trabajo en una obsesión.

La historia se complica cuando Valerie es acusada de brujería por Solomon, entre otras cosas por cubrirse con la capa que le regaló su abuela, que es "del color del diablo". "La capa simboliza poder, sexualidad, sensualidad, pérdida de la virginidad y sangre" afirmó Harwicke.

"Caperucita Roja" es uno más de esos filmes que suelen triunfar entre el público adolescente por mezclar lo romántico y lo sobrenatural con el toque medieval que caracteriza a algunos cuentos de hadas.

"Todos conocemos los cuentos de hadas, así que supongo que muchas productoras ven signos de dólar", explicó Amanda Seyfried para justificar el hecho de que hoy en día proliferen las versiones de este tipo de historias en el cine. "Lo sobrenatural inspira", añadió la actriz, que considera que estas historias retratan un mundo diferente en el que no hay peligro real y por eso gustan tanto.

7/4/11

Abiertos estímulos para el sector cinematográfico y audiovisual

El Ministerio de Cultura abre la Convocatoria de Estímulos 2011 dirigida a artistas, investigadores, entidades y gestores culturales de todas las regiones del país. Para los documentalistas y productores, realizadores, libretistas y promotores del cine, hay más de 400 millones de pesos en premios

Actualmente se encuentran abiertas las categorías que benefician el sector cinematográfico y audiovisual colombiano que ofrece el Ministerio de Cultura a través de la Convocatoria de Estímulos 2011. A continuación conozca las ofertas que cierran el 29 de abril.


Premio Nacional de Documental
Este estímulo se otorgará al mejor documental colombiano con duración superior a veinticinco minutos, realizado entre el 1 de agosto de 2009 y el cierre de la convocatoria -29 de abril-. El tema y soporte o medio técnico de realización es libre. El Premio será de $40 millones.


Premio Nacional de Cortometraje de ficción
El Ministerio de Cultura premiará el mejor cortometraje de ficción colombiano con duración entre 7 y 25 minutos, realizado entre el 1 de agosto de 2009 y el cierre de la convocatoria -29 de abril-. El tema y soporte o medio técnico de realización es libre. El Premio será de $40 millones de pesos.


Becas para la Formación de públicos - Maletas de Películas
Se apoyarán 50 proyectos de formación de públicos que sean realizados mediante la programación gratuita de las Maletas de Películas del Ministerio de Cultura, la cual contiene 118 títulos de distintos géneros y metrajes, nacionales e internacionales, y materiales pedagógicos de apreciación cinematográfica. El cierre es el 29 de abril.


Becas para la Formación en realización audiovisual en región - Imaginando Nuestra Imagen
Ofrece cinco programas de formación a colectivos audiovisuales para desarrollar con entidades que cuenten con infraestructura disponible, requisitos de esta convocatoria. El propósito es formar a jóvenes interesados en la creación de imágenes en movimiento. Los módulos de formación que constituyen el proceso son: guión, producción, rodaje, realización, dirección de actores, dirección de fotografía, sonido, dirección de arte y montaje. Se escogerán los dos mejores proyectos en cada programa de formación, para un total de 10 proyectos a nivel nacional. El cierre es el 29 de abril.


Becas para el Desarrollo de guiones de largometraje infantil
Con el propósito de fomentar producciones cinematográficas de calidad con temática infantil, el Ministerio de Cultura entregará dos estímulos de $20.000.000 para la creación de guiones de largometraje dirigidos al público infantil.


Becas de Coproducción regional para la creación de cortometrajes de ficción y documental
La Convocatoria de Estímulos 2011 ofrece cinco premios de $40.000.000 para apoyar procesos de producción regional, que requieren su cualificación a través del acompañamiento y asesoría de un tutor profesional que deberá estar presente en el proceso de diseño y realización del proyecto, hasta el corte final. Los estímulos se otorgarán únicamente a los proyectos que se realicen en departamentos y/o distritos que cuenten con un consejo de cine. Habrá máximo un estímulo por departamento y/o distrito.


Becas para el Fortalecimiento de iniciativas de organización del sector cinematográfico
Esta categoría ofrece tres estímulos de $15.000.000 cada uno para apoyar iniciativas de organización del sector cinematográfico adelantados por los gremios y asociaciones de profesionales y técnicos nacionales. Pueden premiarán proyectos como investigaciones, publicaciones, actividades académicas, para desarrollarse antes del 15 de diciembre del presente año.


Ver Aquí las bases de las convocatorias

Para mayores informes, comuníquese con el


Grupo de Divulgación y Prensa – MinCultura
Jaime Acuña Lezama
Teléfono: 3424100 exts. 1253 – 1251 – 1259, en Bogotá
Celular: 3015988079

Un documental sigue el primer año de vida de cuatro bebés en varios lugares de la Tierra

Niños de Namibia, Mongolia, Japón y Estados Unidos son los protagonistas del filme

Parte del afiche promocional del documental 'Babies' WWW.THOMASBALMES.COM.fuente:elperiodico.com

Un documental sobre el primer año de vida de cuatro bebés nacidos en cuatro lugares diferentes del mundo, a cargo del director francés Thomas Balmés, se estrenará el próximo 29 de abril, como una obra destinada a "capturar las primeras etapas de la humanidad, que son al mismo tiempo únicas y universales para todos".

Para ello, Balmés y su equipo han seguido de forma simultánea los primeros pasos de cuatro bebés que viven con sus familias en lugares dispares de la Tierra. Específicamente, los pequeños protagonistas son: Ponijao, de Opuwo (Namibia); Bayarjargal, de Bayanchandmani (Mongolia), Mari, de Tokio (Japón) y Hattie de San Francisco (Estados Unidos).

De esta forma, mientras a Mari la pasean por las calles de Tokio bajo una sombrilla, Bayar inspecciona las planicies Mongolia él solito; mientras Ponijao juega en Namibia sobre un charco de agua, Hattie aprende a andar en triciclo en un parque estadounidense. De la misma manera, así como unos niños deben ir al zoo para ver animales, otros los tienen en el patio de su casa.

A pesar de estas diferencias, el documental hace hincapié en la esencia universal del ser humano, y en las caracterísiticas comunes que comparten los niños recién nacidos, más allá de su lugar de origen y su genética.

6/4/11

Subastan el parche de John Wayne en "Temple de Acero"

El parche que John Wayne lució en Temple de acero y el Globo de Oro que ganó por interpretar al borracho marshall estadounidense Rooster Cogburn en la película de 1969 saldrán a la venta en una subasta

John Wayne como Rooster Cogburn, en el western Temple de acero.foto:paramount pictures.fuente:larazon.es

Según anunció el martes Heritage Auctions se trata de la primera subasta de un solo propietario del archivo personal de John Wayne, la venta tendrá lugar en Los Angeles del 3 al 6 de octubre.



También incluirá otros artículos personajes del actor como botas y sombreros de vaquero, el carné de conducir, pasaporte y su tarjeta American Express. También incluye piezas de incalculable valor cinematográfico como guiones de películas con anotaciones a mano de Wayne.

Ethan Wayne, uno de los hijos del actor y presidente de la empresa familiar John Wayne Enterprises, dijo que tras la muerte de su padre en 1979, la familia no examinó sus objetos personales, estaban embalados en un almacén.

"Pensamos, ¿qué es lo mejor que podemos hacer con estos artículos?", dijo Ethan Wayne a Reuters en una entrevista. "Los museos ya tienen objetos especiales como sus obras de arte y recuerdos. Y cuando mi padre murió, pudimos recoger unas pocas cosas que eran personales para nosotros. Los museos ya están cubiertos y nosotros también. ¿Cuál es la próxima casilla? Sus fans", agregó.

Ethan Wayne dijo que pensaba que su padre aprobaría la subasta porque sus fans eran tan importantes para el actor como su propia familia. "Todos estos objetos podían quedar embalados en algún sitio, o ser entregados a la gente", apuntó.

Las estimaciones para los artículos que saldrán a la venta van desde 100 dólares a 50.000 dólares. Greg Rohan, presidente de Heritage Auctions, dijo que la subasta probablemente atraerá a todo tipo de gente, desde coleccionistas serios a cinéfilos o simples curiosos.

John Wayne hizo más de 170 películas, sobre todo westerns y de guerra, antes de su morir de cáncer de estómago en junio de 1979, a los 72 años. Con Valor de Ley consiguió el único Oscar de su carrera. Su personaje de Rooster Cogburn volvió recientemente a la gran pantalla en un remake dirigido por los hermanos Coen y protagonizado por Jeff Bridges, que estuvo nominado al Oscar pero no logró la estatuilla.

4/4/11

Cine colombiano no puede escapar de la realidad del país

Los directores Carlos Gaviria y Carlos César Arbeláez dicen que es " inmoral" que las películas no muestren los dramas del narcotráfico y la guerra

Carlos Gaviria, director de Retratos de un mar de mentiras.Foto: Internet.fuente:elespectador.com

Cinco de las seis películas colombianas que se proyectan en la 27 edición del Festival de Cine Latino de Chicago tienen a la guerrilla y los desplazamientos forzados como tema central, algo inevitable, explicaron los dos directores.

Gaviria y Arbeláez proyectaron en el certamen sus operas primas, en las que apuestan por mostrar el verdadero problema que se esconde tras los grandes titulares del narcotráfico: el desplazamiento forzado de 300.000 personas por año.

Para Gaviria, que debuta en las pantallas estadounidenses con "Retratos en un mar de mentiras" , es una obligación "moral" narrar los problemas que vive su país.

"Colombia tiene una guerra civil y nosotros vivimos ahí. No podemos evitar hablar de eso, sería como intentar hacer una película en España en los treinta y olvidarse de que había un pequeño conflicto ahí" , ironizó el director.

"El 10 % de la población de Colombia ha tenido que huir de su tierra, desplazados por la fuerza. ¿Cómo puede uno no hablar de eso?" , añadió.

En Colombia se reprocha a los creadores que, al elegir estos temas para sus filmes, "están dando una mala imagen del país" , señaló Arbeláez
Aunque el director aseguró que "no hay coacción" a la hora de rodar, sí denunció la presión que supone cargar con la acusación de estar dando una publicidad negativa de su país.

"Nos dicen que estamos hablando mal de Colombia con estas películas, pero yo creo que la función de los directores no es hacer cine institucional sino que tenemos el deber de adoptar una postura crítica" , afirmó el director de "Los colores de la montaña".

Los filmes de ambos autores versan sobre los desplazados en Colombia y coinciden en mostrar esta realidad de la mano de un niño. "Si no hubiera sido a través de la mirada de un niño, yo no habría hecho esta película. Quería darle al conflicto un punto de vista más psicológico que político, y gracias al pequeño he podido sacar de cuadro las escenas de violencia" , explicó Arbeláez.

Para Gaviria, "no es casualidad" que las dos películas estén protagonizadas por niños: "uno necesita humanizar la guerra, y el problema de los desplazamientos ha estado siempre muy deshumanizado, se les ha intentado culpar de complicidad con la guerrilla" , denunció.

Precisamente esa mirada humana sobre el conflicto armado colombiano es lo que, según Gaviria, diferencia las películas de directores colombianos sobre el problema de las filmadas por creadores extranjeros.

"Los directores extranjeros ven la situación colombiana de una manera muy de Hollywood y hacen filmes protagonizados por héroes que salvan a los ciudadanos de guerrilleros malos y brutos" , esgrimió Gaviria.

Cuando el director colombiano se planteó su primera película, no tenía el objetivo de hacer un filme social ni político, sino simplemente narrar sus sentimientos sobre su país.

Sin embargo, el "conflicto se atravesó" en su historia, algo que considera "inevitable" cuando un creador rueda en Colombia. Cuando se les pregunta sobre el estado del conflicto colombiano, ambos directores se muestran escépticos ante "la supuesta mejoría y avance que se predica".

"No sé si ha mejorado un poco o tal vez nada. Lo único que ha cambiado es que los desplazamientos que antes eran masivos ahora son graneaditos, uno por uno" , afirmó Arbeláez.

Gaviria es aún más crítico y denuncia que, aunque el actual Gobierno "al menos tiene intenciones" , el supuesto avance en la solución del conflicto "es sólo una operación de relaciones públicas, porque al que reclama la tierra lo siguen matando. El Festival de Cine Latino de Chicago, que reúne más de 120 películas, comenzó el 1ro de abril y durará hasta el próximo 14 del mismo mes.

3/4/11

La imagen prohibida de Elizabeth

Un coleccionista privado ha publicado la única imagen conocida de la estrella -que entonces tenía 24- posando desnuda

La imagen de Elizabeth Taylor posando desnuda. Daily Mail.fuente:elmundos.es

Innumerables son las fotografías que han rendido homenaje a una de las actrices más bellas de Hollywood. Sin embargo, entre todas ellas, ninguna consiguió capturar el desnudo de Elizabeth Taylor. Dos semanas después de su muerte sale a la luz la imagen prohibida de la actriz.

Según publica el diario británico 'Daily Mail', un coleccionista privado ha publicado la única imagen conocida de la estrella -que entonces tenía 24 - posando desnuda.

Al parecer la imagen fue un regalo de la actriz al productor Michael Todd, el que fuera su tercer marido.

La fotografía fue tomada por uno de los amigos más íntimos de Taylor, el actor y fotógrafo, Roddy MacDowall. Y fue precisamente él quien la convenció, prometiéndole que lo haría con todo el gusto posible.

Después, Taylor se la dio a Todd como regalo después de que el productor le pidiera matrimonio en 1956. La pareja se casó unos meses después, pero el matrimonio tuvo un final trágico.

Todd falleció 13 meses después de casarse con la actriz cuando su avión privado se estrelló durante una tormenta en Nuevo México. Una desolada Taylor entregó la foto entonces a su asistente Penny Taylor que más tarde la vendió a un coleccionista privado.

Adiós a Elizabeth Taylor
La mirada violeta
diva, hermosa, rebelde...