4/9/14

Más cine, menos trabas

 Con la creación de la Comisión Fílmica, el Distrito espera que el cine nacional despegue. Este parece ser el mejor de los momentos para crear con imágenes

Imagen de la película Roa, una producción ambientada en los años 40 en Colombia./elespectador.com

Para grabar una escena de la película Roa en la Plaza de Bolívar, el director Andrés Baiz, a través de su equipo de producción, gestionó nueve permisos de nueve oficinas distintas del Distrito. Tuvo que desarrollar estrategias que les permitieran obtener los documentos necesarios en el tiempo previsto, todo un arte en el que los productores de campo colombianos han sabido formarse: caerles bien a los funcionarios, llevarles dulces a las secretarias y correr mucho. A pesar de eso, el filme se llevó seis galardones en los Premios Macondo, que resaltan lo mejor del cine nacional, y fueron nominados a los premios Platino de Iberoamérica.
“A pesar de” parece ser la premisa del cine nacional. A pesar de los obstáculos, se terminan las películas. Pero luchar contra los problemas es el objetivo de la Comisión Fílmica de Bogotá, una entidad creada por el decreto 340 de 2014, que, entre otras cosas, pretende simplificar los trámites para que se puedan grabar audiovisuales en el espacio público capitalino. El PUFA (Permiso Unificado para las Filmaciones Audiovisuales) será emitido a partir de marzo de 2015 a través de internet. Pretende integrar distintas instituciones, entre ellas a la Policía Nacional, y así garantizar la seguridad de los rodajes, una de las preocupaciones más importantes de los realizadores nacionales y extranjeros a la hora de producir.
“La idea es que no sea un problema más, porque muchos veces se termina consiguiendo lo contrario”, afirma Santiago Trujillo, director del Instituto Distrital de las Artes (Idartes). Y Julián David Correa, director de la Cinemateca Distrital, agrega: “Hoy estamos de celebración porque tenemos el decreto en las manos, pero en realidad lo que tenemos es mucho trabajo”.
La Comisión no solamente pretende ser la oficina de los trámites, sino también un espacio para promover el cine local que, según la Cámara de Comercio de Bogotá (CCB), congrega el 92% de las ofertas de servicios creativos del país. Según Correa, una de las preguntas que se hacen los productores extranjeros cuando vienen a trabajar a Colombia con el compromiso de contratar personal local es: “¿Y ellos hablan inglés?”. Por eso, la Comisión también tiene en mente desarrollar una política educativa que le permita a la industria cinematográfica del país ser competitiva.
En las películas aprobadas desde la creación de la ley de fomento a la industria cinematográfica en 2012 —que contempla la devolución del 40% de los gastos realizados durante el rodaje de grandes producciones en Colombia— han sido empleadas 560 personas y algunas se han quedado en el equipo de los productores extranjeros para proyectos futuros. “La cultura ya no quiere estar intramuros”, afirma Clarisa Ruiz Correal, secretaria de Cultura. De la mano del proceso de restauración del centro histórico de la ciudad y de la Ley de Cine de 2003, con este nuevo decreto se espera atraer a productores de todo el mundo y concentrarlos en Bogotá. “La industria del cine del mundo definitivamente es muy pequeña. Una mala experiencia en Bogotá puede ser nefasta, porque los productores se hablan entre ellos. Es importante construir confianza. Se trata de que todos trabajemos ahora de la mano. De ahí la importancia de crear todos estos protocolos, de forma que sean amigables con la gente que viene a filmar en Bogotá”, dice Claudia Triana, directora de Proimágenes.
Según archivos de la Cinemateca de Bogotá, para 1940, mientras en Colombia se hacía un largometraje al año, en México o Argentina se hacían 50. En 1932, la Ley 12, que apoyó la Guerra contra Perú, creó un impuesto del 10% sobre las boletas a espectáculos públicos. En 1942 se firmó la Ley 9 y por primera vez se piensa desde el Estado en el fomento del cine. Pero las buenas intenciones se quedaron en palabras y los creadores se vieron obligados a esperar hasta 1966, cuando empezó su reglamentación. En 1954 se inauguró la televisión en Colombia. Ese mismo año se fundó la Filmoteca Colombiana, que más adelante se convertiría en la Cinemateca Colombiana. Pero mientras el aparato productivo de la televisión despegaba, el cine se quedó relegado. Apenas en 1997, con la Ley de Cultura, volvió a ponerse atención sobre los bienes culturales y se intentó abrir caminos para proteger esa parte del patrimonio nacional.
Por eso Correa afirma: “Desde 1997 este panorama ha empezado a cambiar y lo ha hecho tan radicalmente que muchos han olvidado lo difíciles que eran nuestras condiciones hace medio siglo o incluso hace 15 años”.
Antes de la Ley de Cine de 2003 se hacían tres películas al año y en 2012 se estrenaron 23. Sin embargo, todas las industrias culturales constituyen hoy sólo el 0,46% del PIB nacional. Pero las instituciones dedicadas a la cultura en el Distrito son optimistas y a sus funcionarios se les ve felices con este nuevo decreto. Esta ley llega en el mismo momento de la construcción de la nueva Cinemateca de Bogotá, de IndieBo, festival de cine independiente, y luego del Bogotá Adiovisual Market, que sirvió para concretar relaciones comerciales entre distribuidores y realizadores. Si todo sale bien, si las instituciones conversan y si el dinero se asigna como debe ser, seguramente las pantallas de distintas salas del mundo sabrán de nosotros.

30/8/14

Por tus vicios y defectos te adoramos, Sam Spade

Brutal oda a la incorreción política de un personaje único, que se encara con policías o fiscales como si fueran matones, que pacta con unos, con otros y con ninguno al mismo tiempo

Humphrey Bogart como Sam Spade en El halcón maltés./elpais.com
Agresivo e impredecible. Cínico, solitario, egoísta y machista. Un perdedor, también. El detective Sam Spade es estas y otras muchas cosas, buenas y malas, y por eso me gusta, por eso vuelvo a él, a sus frases y circunloquios, a sus cigarros, a sus bofetadas. Buenistas y amantes de la corrección política, aléjense de este personaje creado por Dashiell Hammett, reducido a una novela magistral, El halcón maltés, y tres relatos cortos (todos los casos reunidos se encuentran en la edición de RBA, traducción de Luis Murillo), grandioso cuando las cosas se ponen mal y saca lo mejor de sí para, como no podía ser de otra manera, volver a perder.
Con este homenaje a Sam Spade seguimos con la serie Los detectives de nuestra vida, que este mes de agosto nos ha permitido recordar al agente de la Continental,  ir a las raíces del Tartan noir con Laidlaw, recordar a ese clasicazo español llamado Méndez y descubrir una extraña distopía nazi. Y para el que quiera más, todos los post del verano anterior.
  


Hay un momento genial en el Halcón Maltés. Spade come con Brigid O’Shaughnessy, mujer fatal perfecta, adaptación a la novela de aquella inolvidable Elvira, alias Jean Delano, de La chica de los ojos plateados que tantos problemas crea a el agente de la Continental. Ella miente y le oculta detalles esenciales del lío en el que están metidos; él lo sabe pero no importa. Ella le ha acusado varias veces de “agresivo e impredecible”; él, riéndose, replica: “Suelo enterarme de las cosas a base de sabotear la situación de la manera más agresiva e impredecible. Por mí no hay inconveniente, si tú estás segura de que por ese sistema no vas a salir perjudicada”. Ese es Sam Spade. Cínico, amenazante, verbalmente brutal.
Nuestro amado detective tiene 38 años, es fuerte y de dedos gruesos, mide más de 1,80, fuma tabaco de liar y bebe lo que haya: bacardi, botella de Manhattan ya preparado… Es un personaje de excesos y contradicciones: adora a las mujeres pero siempre va a parar con la que no le conviene; le gusta el dinero aunque suele andar escaso; odia no devolver un puñetazo; acaba de perder a su socio Archer y no lo siente, no lo podía ni ver, pero investiga su muerte como si fuese la de su ser más querido por honestidad, profesionalidad y porque nadie es quien para matar a su socio sin recibir castigo.
Pero es en su relación con las mujeres y en sus grandes discursos donde Spade despliega toda su fuerza. O’Shaughnessy es fría y perversa, egoísta, ambiciosa. Se presenta desvalida, con gestos de colegiala. Spade sabe que no es real, que detrás no hay más que problemas, pero pica el anzuelo. Trata de apartarla, pero vuelve a picar. Hay un monólogo en el que Spade le explica por qué no se puede fiar de ella que es grandioso. En la película dirigida por John Huston en 1941 se respeta casi en su totalidad, como en tantas otras ocasiones, el texto original, con lo que es mejor verlo recitado por Humphrey Bogart que escrito.
 
 
Su secretaria Effie Perine es la otra mujer de su vida. Cualquier mente bien pensante dirá que su relación está marcada por el machismo. Yo veo, sin embargo, una amistad en la que siempre se sugiere algo más, una relación llena de confianza y complicidad, de guiños y grandes diálogos de pocas palabras, algo muy parecido al amor, al bueno. ¿Anticuado? Para mí su relación es muy parecida a la que Ray Donovan tiene con su ayudante lesbiana en la serie de televisión que tan encarecidamente recomiendo y de la que hemos hablado en Quinta Temporada. Puro siglo XXI. Es lo que tienen los clásicos.
A veces Spade padece de incontinencia verbal. En esos momentos grandiosos firmaría debajo de todo lo que dice. Hay alguna diatriba que me recuerda tanto a la furia dialéctica llena de deseos de venganza del agente de la Continental que no puedo evitar reproducir: 
“- ¡No hay peros que valgan! - dijo Spade-. Es la única manera. - Ahora tenía la frente enrojecida y sus ojos eran como dos piedras candentes. El hematoma de la sien había adquirido un tono cobrizo-. Sé de lo que hablo. He pasado por ello otras veces y quiero pensar que no será la última. En un momento u otro he tenido que mandar al cuerno a todo tipo de gente, del Tribunal Supremo para abajo, y no me ha pasado nada. Y si no me ha pasado nada es porque nunca he perdido de vista que tarde o temprano llega el día del ajuste de cuentas; y cuando llegue ese día quiero estar en condiciones de entrar en la jefatura precedido por una víctima propiciatoria y decir: “¡Eh chicos, aquí tenéis al criminal!”. Mientras pueda hacer eso, nada me impedirá reírme en la cara de todos los jueces y todas las leyes habidas y por haber. La primera vez que me falle, soy hombre muerto”. Esa primera vez no ha llegado todavía y no va a ser esta. Ya se lo digo yo”.
Brutal oda a la incorreción política de un personaje único, que se encara con policías o fiscales como si fueran matones, que pacta con unos, con otros y con ninguno al mismo tiempo. Una creación puramente Hammett, a la que Huston y Bogart terminaron de dar imagen y a la que tantos, tantos, deben tantísimo, lo reconozcan o no.
Al igual que el agente de la Continental, necesita de sus excesos y su verborrea para ser grande, se crece en la violencia y se diluye en los relatos en los que se reduce al trabajo detectivesco más clásico. Puede que no guste a muchos, que hay quienes crean que ha envejecido mal, que es un machista insoportable, ja, que su moral es de otro mundo, que su radicalidad y su sinceridad no van a ninguna parte. En efecto, por eso le queremos. Larga vida al hard boiled.

27/8/14

Diez películas basadas en cuentos de Cortázar

Queremos tanto a Julio

Se cumplen cien años del nacimiento de uno de los escritores clave de la literatura argentina -y por qué no mundial-, dueño de una imaginación única que supo ser plasmada en sus cuentos y novelas, varios de los cuales han inspirado a directores de cine de distintas latitudes. Aquí, una selección de aquellas películas que recrean, o reiventan, el mundo cortazariano en imágenes

Julio Cortázar fue un permanente buscador de imágenes./telam.com.ar
1 La cifra impar


 Manuel Antín / 1962 / Argentina. Ópera del director argentino referente de la generación del 60, que dedicó tres de sus primeras cuatro películas a la obra de Cortázar. La cifra impar es una adaptación del cuento “Cartas de mamá”, incluido en Las armas secretas publicado en 1959. La historia transcurre entre la capital francesa y la argentina. En París, la pareja de Luis (Lautaro Murúa) y Laura (María Rosa Gallo) convive con el perturbador recuerdo de Nico, fallecido hermano de Luis y que tiempo atrás fuera pareja de Laura. Desde Buenos Aires llegan con frecuencia las cartas de la anciana madre de Luis (Milagros de la Vega), hasta que en una de ellas menciona a Nico y su deseo de viajar a París. Al cuento original, el guión de Manuel Antín y Antonio Ripoll incorpora una profunda lectura psicológica de los personajes que en su evolución roza lo fantástico, impulsada por la culpa ante el desafortunado destino de Nico, y una saludable variedad de recursos cinematográficos. Gran parte de la película fue rodada en el barrio latino de París, ciudad en la que vivió Cortázar. Pero el primer contacto entre el autor y la película se dio poco después en Buenos Aires durante una proyección previa al estreno. Suele considerarse a La cifra impar como la mejor de las adaptaciones cinematográficas de la obra de Cortázar, aunque su prestigio se consolidó con posterioridad. Al rechazo de la crítica de la época, que tildaba a la película de “afrancesada” y carente de argentinidad, la respuesta más positiva vino del propio Cortázar, quien colaboró con Antín en las siguientes películas. Ver ficha. 

Fragmento de la película.


Circe

Manuel Antín / 1964 / Argentina. En 1951 Julio Cortázar publicó Bestiario, libro de cuentos al cual pertenece “Circe”, relato que rescata a la hechicera homérica que por única vez se enamora de Odiseo. Escritor y director dieron forma al guion a partir del intercambio de cartas y de cintas, previo encuentro en el Festival de Cannes. Parte importante de esta correspondencia fue publicada recientemente en el Tomo I de Cartas Cortázar por Editorial Alfaguara. Así como en el cuento, en la película el personaje de Circe se llama Delia (Graciela Borges). Se trata de una joven que carga con el peso de haber visto morir a sus dos novios, uno por un síncope y otro por un suicidio. Ahora ha aparecido un tercero (Alberto Argibay), quien intenta desentrañar las misteriosas conductas de Delia y liberarla de su predestinación. Aquí es donde aparecen las propuestas visuales propias de una adaptación cinematográfica: las costumbres que el personaje practica en el cuento son reemplazadas por elementos que forman parte de la puesta, como rejas, espejos y persianas, objetos que simbolizan el encierro interior de Delia. Al igual que en La cifra impar, la muerte de los amores pasados marca el pulso de los actos del presente y nuevamente es el perfil psicológico del personaje el motor de la película. Ver ficha. 

Fragmento de la película.

 

3 El perseguidor

Osias Wilenski / 1965 / Argentina. Para la misma época en que Antín realizaba sus películas, otro director argentino, Osias Wilenski, realizaba su ópera prima El perseguidor, versión del cuento inspirado en el saxofonista Charlie Parker y que forma parte de Las armas secretas (1959). Narra el proceso autodestructivo de un músico de jazz llamado Johnny, entregado a las drogas, el alcohol y al destrozo de sus relaciones afectivas. El personaje principal fue interpretado por Sergio Renán. El perseguidor  tiene sus defectos: es una película raramente elogiada y cuya persistencia se debe más que nada al cuento de Cortázar. El guión se entorpece por la inserción de frases contundentes (manchones de la pluma del guionista Ulises Petit de Murat, sobreviviente del cine gauchesco argentino). Entre sus virtudes está la creación de ambientes sombríos, desgastados, escenarios que bien pueden hallarse en una ciudad como Buenos Aires y es por eso que, con algo de distancia, este filme vale como un buen ejemplo de las búsquedas estéticas del cine argentino de los 60. Poco después de su estreno, la película fue secuestrada por la justicia debido al reclamo del padre Zulma Faiad, quien había hecho un desnudo siendo menor de edad. Pero lo más sobresaliente tiene que ver con la banda sonora. Al momento de dar su opinión, Cortázar solamente se mostró satisfecho con la música compuesta por Rubén Barbieri y ejecutada por Leandro “El gato” Barbieri. El asunto es que también hubo un prolongado conflicto con el pago de los derechos de autor por lo que Cortázar nunca simpatizó con la película de Wilenski. Ver ficha.

Fragmento de la película.

 

4 Intimidad de los parques


 Manuel Antín /1965/ Argentina-Perú. Julio Cortázar no estaba muy convencido de realizar la que fue finalmente la última película de Antín en torno a su obra. Se trata de una adaptación en simultáneo de “El ídolo de las Cícladas" y "Continuidad de los parques", cuentos que formaban parte de Final de juego (1956). Fue rodada en Lima, Cuzco y las ruinas del Machu Pichu. Uno de los aspectos que no agradaban a Cortázar era el escenario elegido, en vista de que sus cuentos hacían referencia a la Antigua Grecia. En palabras de Antín: “Contra la voluntad de Cortázar adapté el mármol a la piedra. Me pareció que Machu Pichu era la Grecia de Latinoamérica”. La historia plantea un triángulo amoroso entre Teresa (Dora Baret), su marido Hector (Paco Rabal) y su ex amante Mario (Ricardo Blume), con quien la mujer había conocido las ruinas de Machu Pichu durante un viaje de estudios, experiencia que desembocó en el hallazgo de una estatuilla que influyó en las conductas de Mario. Los roles entre los personajes quedarán establecidos: Mario representa lo espiritual, mientras que el aspecto más terrenal corresponde Héctor y Teresa es el nexo entre estos dos mundos. Antín siempre reconoció que el hermetismo de su propuesta alejó a Intimidad de los parques del público. Fue, de hecho, la menos vista de sus tres películas sobre Cortázar. Ver ficha. 

Fragmento de la película.


5 Blow up
 

 Michelangelo Antonioni / 1966 / Italia-Gran Bretaña. La más conocida de las adaptaciones. El director italiano ya gozaba de una alta reputación en el panorama cinematográfico europeo y Blow Up fue su primera experiencia fuera de su país, rodada pocos años después de la publicación de Rayuela. Se trata de una adaptación de “Las babas del diablo”, correspondiente al libro Las armas secretas. Es la historia la de un fotógrafo de modas (David Hemmings) que al ampliar unas fotos descubre las pistas de un asesinato y se obsesiona con el hecho, a tal punto de aislarse de su vida cotidiana en su afán de develar el misterio. Este hallazgo en blanco y negro se contrapone a un mundo colorido, las modas juveniles y una cultura pop de los sesenta, si se quiere superficial, pero real al fin. Es la búsqueda de una realidad que trascienda lo que se ve a primera vista lo que vincula directamente a Blow Up con el cuento, aunque Cortázar aclaró que nunca encontró en ella una conexión precisa. Una colorida anécdota contada por Cortázar da cuenta de ello: “Italo Calvino, que es amigo mío, le escribió una vez un libro a Antonioni. Cuando llegó el momento de filmarlo, Italo descubrió que lo único suyo que había quedado era el tucán. Después supo por Mónica Vitti que le gustaba mucho la idea del tucán." Ver ficha.

Ver trailer.


6 Weekend



Jean-Luc Godard / 1967 / Francia. No se trata propiamente de una adaptación sino de una cita, aunque bastante extensa y con cierto peso dentro de la historia. Aunque no exista constancia de intercambio alguno entre Cortázar y Godard, se da por sentado que el cuento al que hace alusión el inicio de la película  es “La autopista del Sur”, publicado un año antes, relato que tendrá una adaptación más literal algunos años después con Il grande atasco de Luigi Comencini (ver puesto 7). Todo arranca con un idílico paseo al campo de un grupo de burgueses que prontamente se transforma en una sucesión de situaciones desagradables, empezando por un descomunal embotellamiento en la ruta provocado por un accidente fatal. Es esta famosa escena realizada mediante un extenso travelling la que hace referencia a “La autopista del sur”. Claro que en su desarrollo el cuento de Cortázar ofrece mucho más, a medida que el embotellamiento se prolongue y surja una miniatura de la sociedad moderna. Algo de esto se insinúa en Weekend, porque entre bocinazos e insultos, algunos ya han empezado a entretenerse al borde de la carretera. Ver ficha.

Escena de la película.




7 El gran embotellamiento



Luigi Comencini / 1979 / Italia. Es la adaptación casi literal de “La autopista del sur”, el mismo que fuera abordado de manera parcial por Godard (ver posición 6). En ninguno de los dos casos aparece Cortázar acreditado en los títulos de presentación. Se trató de una película orientada claramente al público europeo en general, un tipo de producción muy frecuente en los 60 y 70 que intentaba contrarrestar el dominio del cine angloparlante. De allí que el reparto incluyera a figuras de varios países, empezando por los italianos Alberto Sordi, Marcello Mastroianni y Ugo Tognazzi, los españoles Fernando Rey, Angela Molina y José Sacristán y los franceses Gerard Depardieu y Annie Girardot. La cantidad de nombres con que se presentó la película (L ́Ingorgo, Una historia impossible, Il grande atasco), aún en la misma Italia, responde a esa premisa. La historia da cuenta de un gigantesco embotellamiento en la ruta que conduce a Roma. La prolongación del mismo irá sometiendo a los personajes a diversas situaciones hasta resquebrajar los pilares de la conducta humana. Habrá una pareja que se separa, un hombre que muere por falta de asistencia médica y una violación, secuencia particularmente desagradable debido a la indiferencia de los demás personajes y que es la única que se aparta del tono de comedia que presenta la película. La gran diferencia con el cuento original está en la elección del foco de atención. Mientras Cortázar se centra en las acciones, la película lo hará en los personajes. Cabe recordar, además, que en el cuento las personas son identificadas por el modelo de sus automóviles. Ver ficha.

Escena de la película.


8 Jogo subterrâneo



Roberto Gervitz /2005 / Brasil. El cuento “Manuscrito encontrado en un bolsillo” forma parte del libro Octaedro (1974). En primera persona, cuenta la historia de un hombre que practica un juego que consiste en establecer una ruta dentro de la red del metro de París. Si durante el trayecto encuentra una mujer que coincide con este trazado, él se otorga el derecho de abordarla. La cinta brasileña toma esta idea como punto de partida, y la aprovecha para redondear una buena ficción acerca de la soledad en las grandes ciudades. La red de subterráneos parisina es reemplazada por el menos glamoroso metro de San Pablo. Dato no menor, se trata de una ciudad realmente multitudinaria y, a diferencia del cuento de original, gran parte de la película se desarrollará sobre la superficie. El personaje principal es un pianista, Martín, cuyas probabilidades de éxito en el juego son remotas: o la ruta elegida por la mujer no coincide o es rechazado por temor. Aún así, Martín tendrá sus oportunidades, primero la madre de una niña autista y luego una escritora ciega. Finalmente una mujer despierta su interés y él la seguirá transgrediendo las reglas del juego. La elegida resulta ser una prostituta que intenta escapar de sus explotadores. A esta altura, poco y nada queda del cuento de Cortázar a excepción del nombre de unos de sus personajes: Ana. Ver ficha.

Primeras escenas.


9 Mentiras piadosas


Diego Sabanés / 2008 / Argentina. Entre las adaptaciones más recientes, sobresale esta película realizada por el debutante Diego Sabanés con un magnífico elenco en el que figuran muchos nombres más conocidos por su labor teatral, como Marilú Marini, Claudio Tolcachir y Rubén Szuchmacher. Se trata de una adaptación del cuento “La salud de los enfermos”, en la que también se reconocen varios elementos de otros textos de Cortázar pertenecientes al libro Todos los fuegos el fuego (1966). La historia transcurre en la intimidad de una familia burguesa. Pablo ha partido a París para probar suerte como músico. Pasa el tiempo y no hay noticias de él, lo cual comienza a preocupar a su madre. Temiendo por su salud, sus otros dos hijos escriben falsas cartas y envían regalos. El plan involucra a otros miembros de la familia y a la novia de Pablo, que es instada por Mamá a apresurar los preparativos de la boda para forzar el regreso de su novio. El montaje de una gran mentira tiene sus costos, pronto aparecerán las deudas y el desmantelamiento de los bienes familiares. Y lo más importante, o lo más cortazariano, es que todos los involucrados irán perfeccionando sus roles hasta acomodarse a esta construcción ficticia. Mentiras piadosas es una película recomendable en todo sentido. Ofrece una audaz apropiación de la literatura de Cortázar, un guion depurado en base a inteligencia y creatividad, todas las interpretaciones son de alto nivel y la ambientación que supera por mucho a otras películas más costosas del cine argentino. Debe considerarse que la historia está situada en los años 50 y que se trató de una producción de bajo presupuesto. Ver ficha.

Trailer.


10 Diario para un cuento


Jana Bokova / 2008 / Argentina-España. En 1983 Julio Cortázar publicó su último libro, Deshoras, del que forma parte "Diario para un cuento". Es un complejo relato en el que el autor recupera vivencias algo dispersas de los primeros años 50, época en la que siendo muy joven vivía en Buenos Aires, con el recuerdo de un amor postergado en un primer plano. Quien haya leído este cuento difícilmente pueda imaginar una adaptación cinematográfica. Pero se hizo y muy bien. El derrotero de la directora checa Jana Bokova merece ser citado. Durante la Primavera de Praga (1968) dejó su país, vivió y se formó en Londres y París y a mediados de los ochenta llegó a la Argentina para realizar una serie de excelentes documentales para la BBC de Londres sobre el tango y el folclore argentino. Su primer largometraje en nuestro país fue acaso el único en tener a Cortázar como personaje principal, aunque éste se presente con el nombre de Elías, interpretado por Germán Palacios. Las señas particulares y los gustos de Cortázar son inconfundibles, algunos tomados textualmente del cuento y otros directamente del mundo cortazariano. Así aparece su pasión por el jazz, por Carlos Gardel, por los poetas ingleses, su admiración por Bioy, la época en la que trabajaba como traductor y el futuro escritor que observa a un chico jugando a la rayuela y que finalmente marcha a París. Elías/Julio Cortázar pasa buena parte de sus horas en un burdel. Allí conoce a varios personajes, entre ellas a las prostitutas que le piden la traducción de las cartas de sus novios extranjeros. Con una de ellas tendrá un romance, la Anabel del cuento original. También habrá un romance con una mujer burguesa y un asesinato que lo salpicará hasta que decida dejar la Argentina, justo al momento de la muerte de Eva Perón. Puede ser que la película esté muy al borde del estereotipo porteño (puerto, prostitutas, salones, tango en demasía, Eva Perón), pero seguramente la directora checa siente que ella tiene algo en común con el Cortázar de aquellos años, y es la sensibilidad del recién llegado. En el tema de las adaptaciones, lo mínimo que se le puede pedir a un cineasta es que se apropie de la obra original, que la incorpore a su universo. Y para reforzar esta idea, el joven Julio es tratado por muchos lugareños como "un extranjero". Y en gran parte lo era. Ver ficha.

Trailer.


 Fuentes:telam.com.ar, youtube.com

22/8/14

Cuando el cine quiso adelantar a la investigación científica

El realizador francés propone existencialismo teñido de sangre, también de apresurada enajenación cinematográfica.Scarlett Johansson es una ingenua estudiante americana residente en Taipei que se convierte sin quererlo en mula para trasportar una misteriosa droga azul

Lucy, Scarlett Johansson, en un momento de la película de Luc Besson .WAYTOBLUE./elmundo.es
Sin capa, ni mallas, ni traje ajustado que corta la respiración, ni siquiera con un nombre propio de superheroína. Lucy (Scarlett Johansson), una ingenua estudiante americana residente en Taipei, se convierte sin quererlo en 'mula' para trasportar una misteriosa droga azul en su vientre tras una cirugía express. Al esparcirse accidentalmente la droga por su cuerpo los efectos no tardarán en llegar y no tendrán nada que ver con los que provocaba los cristales cocinados en el laboratorio de Walter White en 'Breaking Bad', serán muy superiores. La joven se convertirá poco a poco en la mujer más poderosa del mundo.
Lucy es una superheroína por casualidad, más bien por obligación. Y quizás sea en la forma de introducir algo extraordinario en el momento más inesperado de la cotidianidad de una joven cualquiera, donde resida gran parte del encanto de la nueva cinta de Luc Besson.
La protagonista pasa de utilizar un 10% de su mente, la cantidad que se supone que empleamos el común de los humanos según la película, a incrementar su capacidad cerebral hasta llegar, finalmente, al 100%. El éxtasis mental que algunos como el profesor Norman (Morgan Freeman) estudian sobre el papel pero que nadie imaginaría nunca que ocurriese, acaba convirtiéndose en realidad.
El realizador francés propone existencialismo teñido de sangre, también de apresurada enajenación cinematográfica, y le sale bastante más que decente. Besson sabe mucho de 'superwomans', véase en su haber cinematográfico y mental creaciones como Nikita o Leelo ('El quinto elemento'), algo que se percibe en 'Lucy', que conglomera el mejor saber hacer del director a la hora de construir personajes femeninos.

Lucy en un momento del inicio de la cinta de Luc Besson
Lucy en un momento del inicio de la cinta de Luc Besson
El viaje mental y físico que la protagonista realiza en la cinta está repleto de inesperadas preguntas existenciales que se formulan indirectamente y que quedan en el aire aún 90 minutos después. Desde la tensa habitación de hotel en la que los mafiosos clavan sus miradas en la joven asustada hasta que adquiere la capacidad de dominar los cuerpos ajenos con un simple movimiento, Lucy experimenta una metamorfosis parecida a la civilización actual. Un guiño que Bessom introduce a modo de acertados fotogramas que reflejan la mutación, esta vez de la propia humanidad, desde el primer antepasado (también de nombre Lucy) hasta la sociedad hiperindustrializada y el mundo globalizado actual protagonizado por las nuevas tecnologías.
Mentalmente Lucy recorre en un túnel del tiempo toda la historia de la civilización en un solo segundo, hasta que se encuentra con 'la otra Lucy'. 'Esta es la vida que se os ha sido entregada, ya sabéis que hacer con ella', expone en los últimos minutos de la cinta. Entonces, los cerebros de los espectadores en las butacas, todavía mareados por el rápido trayecto y con 'Sister Rust' de fondo (el tema principal de Damon Albarn para la película), reflexionan utilizando ese 10% del cerebro. Y Besson consigue entonces su objetivo, conmocionar, remover aunque, eso sí, sin llegar a todavía a un destino claro.

16/8/14

El último adiós a los viejos cinemas del centro de Bogotá

El antiguo Centro Cinematográfico será demolido para levantar oficinas de la constructora Colpatria

 En estado de abandono (grafittis, carteles, malos olores) permanece el predio que adquirió la constructora Colpatria. /Abel Cardenas./eltiempo.com

En Bogotá, como si se asistiera a la presentación de una mala película futurista, si uno se distrae mucho tiempo o cae en un sueño ligero puede perder el enfoque, tropezarse con un paisaje diferente: un rascacielos donde antes estaba una librería, una tienda de ropa donde uno solía arreglar los zapatos viejos. Para ese momento, el hechizo del pasado ya se ha roto y hay que encarar la nueva imagen del progreso.

En los próximos días, una función semejante tendrá lugar en la carrera 7.ª con calle 24: el antiguo teatro Centro Cinematográfico, la primera sala multiplex de Bogotá, inaugurada en 1975, será demolida para darle paso a una torre de 17 pisos de oficinas, construida por Colpatria. Desaparecer: tal es el futuro, también, de lo que en algún momento fue innovador.

Los cinemas 1, 2, 3, 4 (así solían llamarlos) fueron el primer síntoma de una cultura cinematográfica insostenible por sí sola, en crisis, que debía cederle espacio al comercio, o juntarse con él, para poder sobrevivir al advenimiento de los nuevos avances, como las antenas parabólicas y la televisión por cable.

En ese entonces, la buena o mala fortuna de una película no dependía tanto de la crítica como de un factor a veces aleatorio. Los espectadores llegaban, calculaban con una vista rápida cuál era la fila más larga y se sumaban a ella sin mayores preguntas, bajo aquella lógica común de que lo más lleno es lo mejor. La espera era ambientada por artistas urbanos y malabaristas.

El diseño y la construcción del Centro Cinematografico fue de la firma L. y L.H. Forero, Rodrigo Arboleda H. y Fajardo Vélez y CÍA., ganadora del premio nacional de arquitectura en 1981. Este teatro, que contaba con las primeras escaleras eléctricas instaladas en un cinema y con locales comerciales que se sumaban a la oferta, se convierte en el centro de la actividad cultural de la carrera 7.ª. Unos años después, el teatro Calle Real, ubicado en el cruce de la carrera 7.ª con calle 24, se anexó al complejo.

Los sobrevivientes


Esos espacios que, como dicen algunos –exagerando un poco–, democratizaron la cultura se han convertido con el tiempo en templos cristianos, depósitos, casinos, bancos y canchas de fútbol.

En ese gran cementerio de proyectores y telones y sillas de cuero rojo sobreviven, con otro concepto en muchos casos, el teatro Embajador, la Cinemateca Distrital y Pussy Cat, entre otros.

Con la misma suerte corrieron los múltiples teatros de Chapinero.

Llega la modernidad

El Proyecto 7-24 es una torre de oficinas ubicada en un sector estratégico del centro, unos cien metros al sur de la torre Colpatria, punto de paso obligado en el nuevo recorrido peatonal de la carrera 7.ª.

El edificio cuenta con vista privilegiada sobre los cerros orientales, el cerro de Guadalupe, Monserrate y gran parte de la ciudad.

En un lote de 1595.20 m², el edificio se desarrolla en diecisiete pisos, de los cuales los primeros cuatro hacen parte de una plataforma continua que define el basamento del edificio, y los trece pisos superiores conforman la torre de oficinas.
Dicha plataforma ofrece diferentes servicios y usos. En el primer piso están ubicados locales comerciales.

El último piso tiene dos oficinas más pequeñas y una gran terraza común de uso privado.

Por otro lado, el diseño se enfoca en la sostenibilidad y el manejo eficiente de los recursos naturales, utilizando sistemas de ventilación naturales para reducir la necesidad de aire acondicionado dentro de de las oficinas, sistemas de tratamiento de aguas lluvias que permiten reutilizarla, reciclaje de basuras y terrazas verdes (en los pisos 5 y 17) que mejoren la calidad del ambiente en una zona de la ciudad tan ausente de vegetación.

Para los estacionamientos, se implementará un sistema de plataformas, tanto para la distribución de los vehículos a los pisos de parqueaderos como para el estacionamiento de los estos. Este sistema se entiende como un parqueo en servidumbre, que con unas plataformas mecánicas ubican los carros uno encima del otro.

13/8/14

Muere Lauren Bacall, diosa de Hollywood

La actriz del Bronx, una de las grandes damas del celuloide, fallece en su domicilio de Nueva York a los 89 años

Lauren Bacall, una viva leyenda que se fue./elmundo,elpais.com
Lauren Bacall, una de las últimas damas de la edad dorada de Hollywood y la única que se ganó el corazón de Bogart, ha fallecido a los 89 años en su domicilio neoyorquino de un posible derrame cerebral a consecuencia de una embolia. Fue el portal de Internet TMZ quien adelantaba el miércoles por la mañana el fallecimiento de la inmortal Flaca de Tener y no tener (Howard Hawks, 1944) que la unió a Humprey Bogart para toda la eternidad del celuloide.
La noticia de la muerte de una de las últimas damas de la edad dorada de Hollywood llegó confirmada por su familia a través de las redes sociales. “Con gran pesar pero con una enorme gratitud por una vida maravillosa, confirmamos la muerte de Lauren Bacall", indicó en un mensaje a cuenta oficial de la entidad que gestiona el legado del actor, con el que se casó en 1945. Apenas 24 horas antes el cadáver de Robin Williams era encontrado en su domicilio de San Francisco por uno de sus asistentes tras haberse colgado con su cinturón. En un día Hollywood ha perdido a uno de los mejores actores cómicos de los últimos años y a uno de los mitos clásicos del cine de todos los tiempos.
Neoyorquina, modelo y actriz, Bacall debutó en Hollywood a los 19 años junto al que sería su esposo en la mencionada cinta de Hawks. Nacida Betty Joan Perske, “una joven judía del Bronx” como se la conoció en la industria coloquialmente mientras desarrollaba sus primeros papeles, enseguida se ganó el corazón de todos gracias a esa frase de dicha película que la inmortalizaría, diciendo eso de “¿Sabes silbar, verdad? Solo pones los labios juntos y soplas”, con esa voz aguardentosa que la caracterizaba, tras mirar a Humprey Bogart para pedirle fuego.
Otros de sus trabajos más conocidos fueron Cayo Largo, El sueño eterno (también de Hawks), Callejón sangriento, Escrito sobre el viento, o, más recientemente El amor tiene dos caras, dirigida por la también actriz Barbra Streisand y por la que obtuvo su única candidatura al Oscar. En la segunda de ellas, quizá la mejor adaptación a la pantalla jamás realizada de una novela de Raymond Chandler, también era Bogart, como el detective Philip Marlowe, su compañero de reparto. También su rol como Vivian Rutledge en ese filme contribuyó a afianzar la imagen de mujer fuerte que le acompañó durante toda su carrera, que jalonan más de 30 películas.
Bacall estuvo casada con Bogart hasta la muerte del intérprete en 1957. Juntos dejaron, además de sus filmes, una de las más conocidas imágenes de protesta de actores contra la caza de brujas del Comité de Actividades Antinorteamericanas del senador Joseph McCarthy.
Posteriormente contrajo matrimonio con el también actor Jason Robards de quien se divorció en 1969. Contaba con tres hijos. La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood le concedió un Oscar de honor en 2009 como una de las más legendarias y recordadas intérpretes del Hollywood de oro.
Su estilo marcó a toda una generación desde su primer trabajo en la pantalla
A pesar de mantener siempre una actitud muy reservada en la meca del cine, su estilo marcó a toda una generación desde su primer trabajo en la pantalla. Delgada, amplios labios y con una mirada embriagadora, su imagen permaneció enseguida en el recuerdo creando escuela entre otras actrices. Su romance y posterior matrimonio con el tipo más duro de la pantalla, Humphrey Bogart, fue considerado como una de las historias más románticas de una industria acostumbrada a los amores pasajeros. Un amor trágico que le partió el corazón cuando el cáncer le quitó a su primer marido. Le tomó casi 20 años salir de la sombra de Bogart, algo que hizo gracias a su trabajo teatral primero con la comedia Cactus Flower y luego con musicales como Woman of the Year y Applause, por el que ganó dos premios Tony.
Uno de sus últimos trabajos cinematográficos, la película Birth, causó polémica tras las declaraciones de Bacall contra su compañera de reparto, Nicole Kidman. Realmente no era un ataque contra Kidman sino contra la alegría con la que la prensa acostumbra a llamar leyendas a cualquiera de las estrellas de Hollywood. “¿Qué es una leyenda?”, le espetó a la periodista durante la entrevista. “(Nicole) no puede ser una leyenda. Para ser una leyenda tiene que ser más edad”, dijo la actriz que, a sus 89 años se ganó más que merecida 

12/8/14

Adiós a Robin Williams

La policía apunta al suicidio como causa del fallecimiento

 
Robin Williams, en Sidney el pasado diciembre. / Tracey  Nearmy/elpais.com

Ni la ilusión por volver a interpretar uno de sus papeles más recordados, el de la señora Doubtfire, cuyo proyecto ya estaba en marcha, pudo mitigar la depresión que desde hace años arrastraba el actor Robin Williams (Chicago, 1951), un intérprete que forjó su carrera entre la comedia, para la que estaba superdotado con una portentosa gestualidad, y el poso de amargura que dejó en filmes como El club de los poetas muertos, El indomable Will Hunting, por la que ganó el Oscar —el único que obtuvo en su carrera— al mejor actor secundario en 1998, o Retratos de una obsesión.

El cuerpo sin vida del actor, de 63 años, fue encontrado en su casa de Tiburón, una península en la bahía de San Francisco, frente a la ciudad. Los servicios de emergencias recibieron una llamada a las 11.55 de este lunes, hora local, (20.55 en la España peninsular) y entraron en su domicilio, donde certificaron su muerte apenas cinco minutos después.


La noticia saltó de inmediato a todos los medios de comunicación y las redes sociales y la desolación se hizo presente en las calles de San Francisco, pues se le consideraba uno de los símbolos de la ciudad, donde vivía desde 1967.

Su representante, Mara Buxbaum, fue la persona encargada de hacer pública la noticia. “Hace tiempo que luchaba contra la depresión. Esta es una muerte trágica y repentina. La familia pide respeto a su dolor y privacidad en estos momentos tan duros”, agregó.

El parte oficial que hizo público la Oficina del Sheriff del condado de Marín apunta al suicidio por asfixia como probable causa de su fallecimiento. Fuentes policiales insistieron en que se van a realizar pruebas para determinar si se encontraba bajo el efecto de las drogas en el momento de morir.

La última vez que se le vio con vida fue el pasado domingo a las diez de la noche junto a su esposa, Susan Schneider, quien también hizo público un comunicado: “Esta mañana perdí a mi marido, a mi mejor amigo. El mundo ha perdido a uno de sus mejores artistas y a una bellísima persona. En nombre de la familia de Robin, os pido respeto. Cuando se le recuerde, que no sea por su muerte, sino por los muchos momentos de gozo y sonrisas que nos regaló”.



Improvisado altar por Robin Williams en la casa donde se grabó 'Señora Doubtfire', en San Francisco. / r. j. c.

Entre estos momentos, se recuerdan especialmente las muecas de la famosa niñera en que se convirtió para cuidar de sus hijos en Señora Doubtfire, pero también al profesor de literatura soñador de El club de los poetas muertos.

A lo largo de su carrera logró cinco Globos de Oro. Entre los papeles más renombrados figura también el protagonista de Jumanji o el niño que no quería crecer, un personalísimo Peter Pan en Hook. En el mundo de los dibujos animados puso su voz al genio de Aladino, Batty Coda en Ferngull o los simpáticos pingüinos de Happy Feet.

Polifacético, Williams destacó por algunas de sus aficiones: el ciclismo y los videojuegos. Su amistad con Lance Armstrong le convirtió en uno de sus habituales en la línea de meta del Tour en París. Su gusto por el ocio electrónico, al que consideraba una de las formas narrativas más innovadoras, le llevó a poner de nombre a una de sus hijas Zelda, como la aventura gráfica de Nintendo. Tenía también un hijo, Cody, ambos de su primera esposa, Marsha Garces, de la que se divorció en 2008. Entonces comenzó su recaída en el alcohol y las drogas, de los que llevaba más de 20 años apartado. Él mismo confesó su fuerte adicción a la cocaína a finales de los años setenta y ochenta. En 2009, tuvo que ser intervenido del corazón.

El presidente de Estados Unidos, Barack Obama ha lamentado su muerte en un comunicado: "Robin Wiliams fue un piloto, un genio, un presidente, profesor, un maravilloso Peter Pan y todo lo que se pueda imaginar. No había otro como él. Llegó a nuestras vidas como un extraño y terminó tocando los pilares del espíritu humanos. Nos hizo reír. Nos hizo llorar. No dejó de dar muestras de su talento y humanidad, especialmente a los que más los necesitaban, nuestras tropas, los desfavorecidos y marginados que viven en las calles. Toda la familia Obama enviamos nuestra condolencias a la familia de Robin, amigos y todos aquellos que encontraron una voz y la inspiración gracias a Robin Williams".

Edwin M. Lee, alcalde de San Francisco, ha emitido una nota de condolencia oficial: "La ciudad lamenta la pérdida de alguien que ha impactado e inspirando profundamente a sus habitantes. Sus vínculos con San Francisco eran muy profundos, en los clubs de comedia, en donde de cuando en cuando improvisaba". E insiste en que fue uno de sus mejores embajadores. "A pesar de su éxito, nunca olvidó San Francisco. Como filántropo hizo generosas aportaciones. Tenemos el corazón roto por alguien que cambió el mundo con sus risas y alegrías. Nuestros pensamientos y rezos están con su familia y amigos en estos momentos de duelo".



Participación del actor en un episodio de Plaza Sésamo.

La profesión usó las redes sociales como medio de despedida y muestra de condolencias. El cómico Steve Martin fue uno de los primeros en Twitter: “No puedo estar más tocado por la pérdida de Robin Williams, un caballero, gran talento, excelente compañero y alma auténtica”. También Ellen DeGeneres dejó escrito: “No puedo dar crédito a la noticia de Robin Williams. Dio tanto a tanta gente, tengo el corazón roto”. Los personajes de Barrio Sésamo dieron su último adiós a través de Facebook: "Lamentamos la pérdida de un amigo que nos hizo reír y sonreír". Su compañero Kevin Spacey optó por este mismo formato: "Hizo reír y pensar al mundo. Se le recordará y honrará por ello. Un gran hombre, un artista, un amigo. Se le echará de menos sin medida".

Su última imagen en Instagram, subida hace dos semanas, en la que figura junto a su hija Zelda, se convirtió en el altar improvisado para sus fans. En el hilo de comentarios se agolpaban los mensajes lamentando su pérdida y algunos de sus mejores gags.

Desde 2013 rodaba una serie junto a Sarah Michelle Gellar, The Crazy Ones, basado en las comedias de situación de los ochenta. Se canceló en mayo por falta de audiencia.