Cine en ojo

Mientras pase el temblor

2012-01-12T06:06:00.001-08:00

Visto como barómetro social y entretenimiento masivo, el cine de Hollywood estrenado durante el año pasado, sintomatizó la crisis del capitalismo global con filmes maquinales donde la concepción del triunfo se ha modificado o donde las narraciones parecen desplazarse hacia otros tiempos y culturas

Transformers 3, de Michael Bay. foto.fuente: Revista Ñ

Si hay un logro del que puede vanagloriarse la Historia es el de enseñarle al hombre que sus ideologías están lejos de la imbatibilidad. Incluso aquellas en apariencia más herméticamente amalgamadas y asentadas encuentran fallas que, de persistir en el tiempo, conllevan a una crisis doctrinal. La especulación financiera significó, entonces, la anomia que derruyó gradualmente el capitalismo hasta explotarlo en septiembre de 2008. La quiebra de Lehman Brothers y el rescate de la aseguradora AIG significaron el puntapié inicial de un período en el que el futuro del sistema es pura incertidumbre.

Tres años después, las producciones audiovisuales enarbolan su doble condición de barómetro social y entretenimiento masivo sintomatizando las principales coordenadas de la coyuntura para devolver a la pantalla diversas respuestas ante las necesidades recreativas del público. Películas rabiosamente analógicas y maquinales, la desambiguación entre éxito y triunfo y el desplazamiento temporal de las narraciones: todo está a la orden del día en el cine y las series de la crisis económica.

Adiós al resultadismo

El subgénero deportivo engloba un conjunto de características comunes en la mayoría de sus exponentes. Más allá de las especificidades propias de cada caso, las narraciones describen el descenso y posterior ascenso de un protagonista bonachón al que el desenlace lo encuentra generalmente triunfante, venciendo tanto al rival de turno como a la propia adversidad. Son historias de corrimientos de los límites físicos y espirituales en busca de un objetivo macro, fábulas de superación personal ante escollos en apariencia insalvables. Sin embargo, los avatares monetarios modificaron la concepción de triunfo y de los procedimientos para obtenerlo: ahora una victoria no implica necesariamente ganar.

Billy Beane (Brad Pitt) es el protagonista absoluto de El juego de la fortuna, recién estrenado filme de Bennett Miller. Representante general de un equipo de béisbol aquejado en partes iguales por los malos resultados y los balances contables en rojo, está atado de pies y manos para contratar refuerzos de fuste. Lo curioso es que, ante eso, Beane no busca obtener dinero extra para solventar los gastos. Todo lo contrario: película y protagonista parten de la imposibilidad aceptada e incuestionable de conseguirlo. Incluso ni siquiera se atisba la búsqueda monetaria como posible solución, desplazando así el eje a la optimización de los recursos presentes. Se trata de obtener la máxima relación entre la inversión del pase de un jugador y el beneficio traducido en el potencial rendimiento deportivo. Para eso será fundamental el trueque, el regateo, la negociación y la picardía.

Como en Larry Crowne, dirigida por Tom Hanks, otra película cocinada al calor de la crisis, el tema central es la aceptación y pronta adecuación al contexto para, desde ahí, pelear con nobleza, inteligencia e hidalguía. Quizá así se entiende la poca relevancia del resultado final de la liga: en este panorama el triunfo no es sinónimo de la obtención de un título. El juego de la fortuna certifica que competitividad no se compra. Sólo es cuestión de saber buscarla.

Sobre una matriz deportiva similar nació la excelente Gigantes de acero. Ambientada en 2020 (ya se hablará del desplazamiento cronológico de las narraciones), la película de Shawn Levy plantea un mundo en el que la avidez de sangre y violencia sin límites ni pautas por parte del público hizo del boxeo una disciplina de robots manejados por computadora o control remoto. Ex pugilista, Charlie Kenton (Hugh Jackman) es un promotor que vive de las apuestas ilegales y de la compra y venta –otra vez la optimización de recursos monetarios– de los gigantes del título.

Más allá de lo disímiles de las propuestas, Levy establece una diálogo directo con Miller: si El juego de la fortuna hablaba del armado de un equipo con jugadores originalmente menospreciados, aquí se parte de que la solución está en la reutilización de aquellos productos desechados errónea y apresuradamente por el capitalismo menguante. Gigantes de acero es, ante todo, una cachetada a un sistema amante de lo efímero y descartable, un cross a la mandíbula de la tecnologización innecesaria y abusiva de las sociedades modernas.

Charlie y su hijo Max marchan a la redención traccionados por la fuerza y resistencia de un robot de primera generación encontrado en un basurero. Y al igual que en El juego de la fortuna, el resultado es lo de menos porque batallan contra las propias limitaciones. De allí que la pelea final contra la contrafigura de turno, encarnada por una máquina de última generación, tiene una función narrativa e ideológica. "Para mí está bien ser el campeón del pueblo", reconoce Max luego de la derrota. Lejos de una tristeza inherente a una cosmovisión pregonera del éxito a toda costa y a un modo de vida donde el tener se antepone al ser, Levy apuesta a un cambio en la concepción de éxito de las generaciones venideras premiando a los segundos por el esfuerzo y voluntarismo con un plano final en contrapicado bello y luminoso. El pequeño es el héroe de otra película en la que la victoria, se dijo más arriba, ya no implica ganar.

El cine material(ista)

"Un ingeniero de verdad construye puentes. Un ingeniero de finanzas construye sueños", reflexiona uno de los expertos que desglosa causas y consecuencias de la crisis económica en el documental Trabajo confidencial (Charles Ferguson, 2010). La mención al inconsciente tiene su correspondencia en la terminología abstracta y repleta de tecnicismos que se popularizó desde 2008. Desde entonces, la comprensión de la coyuntura internacional es una tarea ciclópea para aquellos poco avezados en ese argot, generando el desconcierto generalizado de millones de deudores limitados a la pasiva tarea de ver cómo los bancos y prestamistas de turno engrosan sus arcas gracias a las bondades del Estado mientras ellos pierden sus bienes.

Ni lento ni perezoso, Hollywood responde a esto con productos antitéticos a las principales características de la crisis. De esa forma, ante una recesión causada por el uso y abuso de elementos no materiales y la continuidad en el tiempo de fenómenos impalpables ("productos derivados", "hipotecas sub-prime", "cadena de bursatilización", "apalancamientos", "seguros de impago de deuda" y un largo etcétera), la industria audiovisual genera historias centradas en la materialidad física de sus criaturas, en la tracción de las máquinas y en la visibilidad plena de los objetos.

Desde la apuesta rabiosamente analógica de Rápido y furioso 5 (Justin Lin) –quizá la película donde más autos se aplastan en la historia del cine–, pasando por Transformers 3: El lado oscuro de la Luna (Michael Bay) o las naves espaciales de Súper 8 (J.J. Abrams) y Cowboys & Aliens (Jon Favreau), 2011 marcó el retorno a un cine físico y fibroso otrora perimido. Basta ver, por ejemplo, el trabajo sonoro de cada encontronazo metálico entre los robots de la mencionada Gigantes de acero. O Transformers 3, que eleva esa tendencia hasta el paroxismo. Más ruidosa y extensa que sus predecesoras, con una carga de destrucción arquitectónica insuperable, la película de Michael Bay está más preocupada por tirar abajo decenas de edificaciones prohijadas por el capitalismo que por enhebrar una mínima coherencia narrativa: un crimen perfecto contra la forma. Se trata, entonces, del paradigma de un cine en crisis: héroes extemporáneos, experiencias y problemáticas terrenas y una profunda carga de chauvinismo expresado en los Autobots defensores del statu quo norteamericano.

Imparable (Tony Scott, 2010) sube la apuesta adosándole una connotación laboral a su prepotencia física. Porque a la belleza maquinal y cinematográfica de ese símbolo del progreso industrialista que es la locomotora –cuya relación con la pantalla grande data prácticamente desde finales del siglo XIX–, Tony Scott le suma el protagonismo absoluto de dos trabajadores de clase media, un veterano maquinista ya cesanteado y su joven ayudante. Hombres de praxis resolutas, responden ante la falta de idoneidad empresaria subiéndose al tren que circula sin control en zonas urbanas para detenerlo. Y, claro, lo logran.

Así, Imparable es una fábula proletaria que crea un mundo donde todas las ideas salidas de los escritorios fallan y la solución llega desde el campo de la acción gracias a la práctica y la experiencia de un empleado ya desechado por su edad. Nuevo revés para el capitalismo, el trajinar biológico deviene en una virtud sin precio en un mundo con escasa liquidez y bienes materiales.

Hechizo del tiempo

Si la experiencia adquirida y la fuerza de trabajo son los puntos centrales de Imparable, en la recientemente estrenada El precio del mañana es el tiempo. O más precisamente su valoración en un futuro no muy lejano. Andrew Niccol imagina un mundo huxleyano dividido por castas sociales y con un capitalismo cuya unidad cambiaria será justamente el tiempo, el único bien hasta ahora igualitario e imposible de comprar.

Así, cada ser humano pagará sus gastos cotidianos con meses, días u horas que se descontarán progresivamente de un reloj digital interno que al llegar a cero produce la muerte instantánea de su poseedor. Más allá de su desenlace esperanzador, la premisa augura una larga vida al sistema: después de todo, siempre quedará algo por vender.

Sin embargo, El precio del mañana no es la única razón por la que el tiempo es protagonista de una cinematografía atravesada por la recesión. En ese sentido, si la vuelta a la materialidad física es un intento de recuperar la esencia analógica de un mundo apresado por la dependencia digital y globalizadora, los desplazamientos temporales de las narraciones significan un punto de fuga hacia entornos menos agresivos e impiadosos que el contemporáneo. Y como ocurre desde hace más de una década, las series marchan a la vanguardia. En línea –al menos cronológica– con Mad Men, Pan Am narra las vivencias de un grupo de azafatas del título durante la década del 60, misma época en que se ubica la acción de Súper 8. Difícilmente sea casual la confluencia temporal, sobre todo si se trata de los años en que la bonanza económica comenzada durante la Segunda Guerra Mundial, y que culminaría en los inicios de la década posterior con la devaluación del dólar respecto al oro, alcanzó su punto máximo.

Quizá el caso más interesante sea el de la serie Terra Nova, transmitida por Fox. "El mundo que dejaron atrás fue víctima de los instintos básicos de nuestra especie: codicia, guerra e ignorancia. Destruimos nuestro hogar", se lamenta el comandante Nathaniel Taylor (Stephen Lang) al recibir al décimo grupo de viajeros en la flamante colonia del título, refiriéndose a las condiciones socio ambientales del año 2149, punto de partida de la diligencia. Es que aquí no se trata de traslados "geográficos", sino temporales: una fractura descubierta durante una investigación científica posibilitó retroceder 85 millones de años y comenzar desde cero con la construcción de una nueva sociedad. Y también, por qué no, remendar desde allí los errores del presente.

El cine, en cambio, procesa el fenómeno con más lentitud. Si bien Gigantes de acero y El juego de la fortuna no trascurren en la actualidad, basta ver los estrenos anunciados para los próximos meses para magnificar el desplazamiento. Ya no se trata sólo de las grandes producciones, cuyos presupuestos inflados permiten la adecuación temporal a voluntad del director de turno, sino también de realizadores como Clint Eastwood, Robert Redford y Martín Scorsese. Incluso el bombástico Roland Emmerich (El día después de mañana, Godzilla, 2012) vio en la época shakeasperiana el ámbito ideal para su última película, Anonymous. En enero se develará si él, amante de la destrucción y el apocalipsis cinematográfico, logra superar la dureza de la poco venturosa realidad norteamericana.

Meryl Streep hace brillar a 'La Dama de Hierro

2012-01-09T14:41:00.000-08:00

Gracias a su interpretación de Margaret Thatcher, la actriz está en boca del mundo. Perfil

La actriz Meryl Streep interpreta a Margaret Thatcher. foto.fuente:eltiempo.com

El pasado diciembre, no pocos se sorprendieron con que una mujer de 62 años fuera portada de la revista Vogue. Pero no se trataba de cualquier mujer, sino de una bellísima Meryl Streep, descrita por la publicación como "la más grande actriz americana" -que, a propósito, había brillado en el 2006 como la intratable Miranda Priestly, editora de una revista muy parecida a Vogue, en El diablo viste a la moda-.

En los días finales del 2011 y los primeros del nuevo año, Streep ha copado la atención de los medios gracias al estreno mundial de The Iron Lady, una película sobre la polémica ex primera ministra británica Margaret Thatcher.

El filme, de Phyllida Lloyd (Mamma mia!), que se estrenó en diciembre en Los Ángeles y Nueva York, y este fin de semana en el Reino Unido y España, se centra en la vejez de la poderosa política conservadora que dominó la escena pública británica, especialmente en los años ochenta.

Esta ola de interés puede hacernos pensar en una consagración de la actriz, en sus "15 minutos de fama", a la usanza de algunos íconos efímeros de la moda y el espectáculo. Pero Streep lleva cuatro décadas en la cumbre y se ha mantenido en ella -con ocasionales altibajos- sin necesidad de grandes aspavientos, sin feriar su vida privada, gracias a una férrea disciplina y, según las palabras del director del Festival de Berlín, que le entregará un Oso de Oro honorífico en febrero, a "su talento de múltiples facetas, que combina con facilidad papeles dramáticos y de comedia".

Se ha movido entre el teatro, el cine y la televisión. En ésta última debutó como actriz, en la miniserie Holocausto, por la que ganó un Emmy; uno de sus papeles más recientes para la pantalla chica, en otra miniserie, Ángeles en América (Mike Nichols, 2003), esta vez sobre el amor en los tiempos del sida, le significó el segundo Emmy de su carrera.

Desde la década del setenta, Meryl Streep y los otros grandes actores de su generación (Dustin Hoffman, Jack Nicholson, Robert de Niro, Al Pacino), en complicidad con una nueva camada de directores (Spielberg, Coppola, Scorsese, De Palma), reposicionaron el cine estadounidense, lo sacaron de su estancamiento creativo y le plantaron cara a la arrogancia del cine europeo de los grandes maestros. Entre todos demostraron que cine, arte y entretenimiento no eran términos excluyentes, y que un filme podía ser un hecho importante en la vida pública, hasta el punto de definir el carácter de una época.

De esos años de furia son sus primeras apariciones en filmes emblemáticos como El francotirador (Michael Cimino, 1979) y Manhattan (Woody Allen, 1979). El éxito y los dos únicos Óscares de su carrera llegaron temprano, por sendos papeles dramáticos: una esposa que se separa de su marido y enfrenta la pelea legal por la custodia de su hijo, en Kramer vs. Kramer (Robert Benton, 1979), y una inmigrante polaca en Nueva York con un turbio pasado que se remonta a la Segunda Guerra Mundial, la atormentada Sophie Zawistowski, en La decisión de Sophie (Alan J. Pakula, 1982).

Cambios de registro

Aunque la estatuilla dorada le ha sido esquiva desde entonces, la trayectoria de Streep abunda en cambios de registro y en desafíos creativos que han medido su temple. Algunas de sus interpretaciones han cimentado su prestigio como actriz especializada en papeles de mujer madura, ocasionalmente malvada, de cara siempre a dilemas morales y existenciales: abandonada por su marido y entregada a un escandaloso romance con un caballero en la época victoriana en La amante del teniente francés (Karel Reisz, 1981); solitaria ama de casa que tiene un breve, pero fundamental romance con un fotógrafo de paso por Iowa en Los puentes de Madison (Clint Eastwood, 1995); periodista del The New Yorker que se enfrenta al delirio de las historias que se cruzan en Ladrón de orquídeas (Spike Jonze, 2002).

Una Clarissa Vaughan siempre tan activa y preocupada por los otros, pero finalmente con las manos vacías en el conmovedor tríptico femenino de Las horas (Stephen Daldry, 2002), o una hermana Aloysius, en La duda (John Patrick Shanley, 2008), sagaz conocedora de los resortes del mal, y que termina desenmascarando al sacerdote Flynn (Philip Seymour Hoffman), en un magnífico cabeza a cabeza entre dos inmensos actores.

Gracias a estas y otras convincentes actuaciones, el público ha ido incorporando el expresivo rostro de Meryl Streep como un territorio familiar, amable, pese a todo, un "oasis" de verdad humana en medio del artificio y la banalidad del cine estadounidense actual. Incluso en comedias o musicales alejados del mundo de la vida, como Mamma mía!, hay algo entrañable y cercano que la Streep logra transmitirnos. Es la gran tradición de la actuación realista que se impuso en el cine de su país desde los años de Lee Strasberg y el Actor's Studio.

En su rol de la antipática 'Dama de Hierro', los críticos y espectadores admiran la capacidad de Streep para mimetizarse con los gestos y la voz de la Thatcher, imitar el acento británico de la Primera Ministra y encarnarla en buena parte del tiempo de la película en una edad más avanzada que la de la propia actriz.

"¿Hay algo que Meryl Streep no pueda hacer?", se pregunta Peter Travers, crítico de Rolling Stone. Y todo esto a despecho de que la propia película no alcanza a despertar mayores entusiasmos.

La actriz, por su parte, ha aprovechado para llamar la atención sobre el potencial de las buenas historias y la posibilidad de volver los ojos a personajes mayores, para oponerse al culto a la juventud y a la novedad que prolifera en la gran industria del cine occidental.

Meryl Streep pasará a la historia del cine como un rostro y múltiples voces. Es legendaria su capacidad para cambiar de acento, hablar el lenguaje particular de cada personaje o encontrar insólitas inflexiones a su tono de voz. Pero todo eso no es más que técnica. Lo esencial está en otra parte, un algo difícil de nombrar: carisma, inteligencia, humanidad, palabras con las cuales se define mejor a una diosa que ha accedido a bajar del Olimpo para encarnar la comedia humana y habitar entre nosotros.

Críticas y defensas

David Cameron lamentó la visión de la película

Ante las críticas a la película del primer ministro británico, David Cameron, en el sentido en que habla "más sobre el envejecimiento y la demencia que sobre una Primera Ministra estupenda", Meryl Streep respondió que la idea de 'The Iron Lady' es "penetrar en el ser humano, en un momento de soledad, al final de su vida", y que las críticas tienen que ver con el "estigma" que acompaña la senilidad.

No es la mejor pagada de Hollywood

A pesar de su prestigio y de ser considerada por muchos como la mejor actriz viva, Meryl Streep apareció en el 2011 en el puesto 10 del 'ranking' de las estrellas mejor pagadas de Hollywood. Sus ingresos fueron de 10 millones de dólares, según la revista 'Forbes'. Angelina Jolie y Sarah Jessica Parker, las mejores ubicadas, obtuvieron, en contraste, ingresos por 30 millones de dólares cada una.

Cinco imperdibles de una gran actriz

Kramer vs. Kramer, de Robert Benton, 1979.
Los puentes de Madison, de Clint Eastwood, 1995.
Ladrón de orquídeas, de Spike Jonze, 2002.
Las horas, de Stephen Daldry, 2002.
La duda, de John Patrick Sanley, 2008.

Metiendo un gol a los nazis

2011-12-22T02:55:00.001-08:00

Un libro recuerda el rodaje de Evasión o victoria, en el que participaron Pelé, Stallone, Bobby Moore, Michael Caine o Ardiles, sobre el mítico partido entre presos aliados y soldados alemanes

Un fotograma de la película Evasión o victoria dirigida por John Huston. foto.fuente:elpais.com

En la navidad de 1981 Carlos Marañón, a sus 7 años, fue con su padre a ver Evasión o victoria. "A la salida, no paramos de imitar la tijereta de Pelé. En la calle, en casa...". El ahora director de la revista Cinemanía también recuerda cómo le impresionaron otros momentos la película. "En concreto en la sala hubo aplausos cuando la tijereta y en los títulos de crédito, cuando salen acreditados los futbolistas que aparecieron en el rodaje". Él ya llevaba su un gusanillo en su interior: el periodista es hijo, nieto y sobrino de futbolistas, así que mamó ese deporte en casa. Hace unos años publicó Fútbol y cine, sobre la extraña y tortuosa relación entre el balompié y el séptimo arte. Ahora, en una especie de spin off de uno de los capítulos de aquel libro, aparece Un partido de leyenda (editorial 8 y medio), sobre la película Evasión o victoria, de John Huston, que probablemente no sea el mejor largometraje sobre fútbol, pero sí el más idolatrado por los aficionados a ese deporte. "A mí desde luego me impresionó más que todas las veces que había ido al estadio a ver fútbol en directo".

Ni John Huston parecía el director adecuado para este historia sobre el duelo en un estadio de París entre un equipo de presos aliados y otro de jugadores alemanes en agosto de 1944 (que acaba en empate a cuatro), ni Sylvester Stallone su protagonista ideal, pero las buenas labores de Michael Caine y la de las múltiples estrellas de fútbol que actuaron en el filme (Pelé, Bobby Moore, Osvaldo Ardiles, y una pléyade de ases europeos, además de los jugadores del Ipswich Town inglés) superaron un guion endeble y la sensación de Sly de estar perdido en un rodaje que se realizó en Hungría en 1980. Marañón dedica primero parte del libro a explicar un caso real en el que pudo inspirarse este duelo cinematográfico -entre el Dynamo de Kiev y un equipo alemán- antes de empezar a desgranar anécdotas y a analizar el filme. "Mi mayor fuente han sido las biografías de futbolistas, que no dejan precisamente en buen lugar a Stallone".

En cambio, se deshacen con Caine, que llegó con cierto sobrepeso al rodaje -nunca se puso en forma-. "Yo creo que para rodar fútbol tiene que gustarte el fútbol, no sirve una mirada aséptica", dice el autor del libro, "porque hay que saber mirarlo a través de la cámara". Y pone como ejemplo Un domingo cualquiera, de Oliver Stone, "que está claro que ama y sabe de fútbol americano: es perfecta". A Pelé se le asignó el trabajo de coreógrafo de las jugadas. "Huston quería que fueran ensayadas y medidas, y le convencieron que eso era imposible, que era mejor jugar partidos y sacar de ahí los mejores momentos. Eso hicieron durante dos semanas". Mención aparte merecen la famosa chilena de Pelé -al menos en la película se ve que usaron dos tomas distintas- y el penalti parado por Stallone, del que se realizaron 30 tomas. "Hay alguna jugada que ves que es imposible que la ensayaran, sencillamente que les salió así de bien".

A Marañón le queda la espina de que siga sin haber una gran película de fútbol. "Mi favorita es Damned United, y las secuencias del reencuentro de futbolistas de Volver a empezar: se nota el cariño de Garci por este deporte". De todas las historias del libro, recuerda una de las primeras que leyó, una anécdota que le empujó a seguir investigando: "No se sabe si es cierta o invento de su protagonista, pero me encanta esa de John Wark, internacional escocés, del Liverpool, que estaba de vacaciones en Glasgow en verano de 1987 paseando con su familia cuando un viejo se le acerca y le dice: 'Diablos, John, ¡es verdad! ¡Lograste escapar!". Aquel anciano, como en los mejores cuentos, mezclaba realidad y ficción, un estupendo colofón para una de las películas deportivas más vistas de la historia.

Litografía de Warhol sobre Liz Taylor vendida por 662.500 dólares

2011-12-15T04:01:00.001-08:00

Se subastaron piezas de su guardarropa como el vestido con el que se casó por segunda vez con Richard Burton en 1975

Foto facilitada por Christie's de una litografía de Elizabeth Taylor realizada por Andy Warhol que se convirtió, de forma inesperada, en la pieza más cara de la subasta. foto.fuente:lavanguardia.com

Una litografía en la que Andy Warhol retrató a Elizabeth Taylor y un vestido de Dior que perteneció a esta legendaria actriz se convirtieron hoy en las estrellas indiscutibles de una puja que organizó Christie's en Nueva York, en la que recaudó más de 2,5 millones de dólares.

La litografía, la única obra de arte de la subasta centrada en el guardarropa de esta estrella de Hollywood, se convirtió de forma inesperada en la pieza más cara al adjudicarse por 662.500 dólares y multiplicar por trece el estimado inicial.

Además de por esta obra, que luce la dedicatoria "a Elizabeth con mucho amor" de puño y letra del maestro del "pop art", los compradores se sintieron cautivados por un elegante vestido de noche que se adjudicó por 362.500 dólares y multiplicó por setenta su precio estimado.

La prenda, valorada entre 4.000 y 6.000 dólares, es un vestido largo blanco con intrincados detalles en plateado y está firmado por Christian Dior, "la verdadera piedra angular del armario de Taylor", aseguró a Efe la máxima responsable de la venta, Heather Barnhart, antes de la subasta.

La actriz "lo descubrió al principio de su carrera y la marca le hacía ropa a medida", señaló la experta, para quien las prendas de Taylor "constituyen toda una historia de la moda en el siglo XX, con llamativos vestidos estampados de los sesenta o chaquetas con pedrería de Versace de los ochenta".

Precisamente una llamativa chaqueta de Versace, decorada con retratos de la actriz elaborados en pedrería, fue otra de las prendas que alcanzó un precio más alto, en concreto de 128.500 dólares.
Valorada entre 15.000 y 20.000 dólares, esta prenda fue otra de las que superó su precio estimado, algo que fue la norma en la subasta y una muestra del interés que suscita la figura y el estilo de Taylor (1932-2011).

Además, se vendió por 62.500 dólares el vestido que la actriz lució en su segunda boda con el actor Richard Burton en 1975, un etéreo vestido de Gina Fratini en seda de colores verde y rosa por el que Christie's solamente esperaba recaudar entre 10.000 y 12.000 dólares.

Esta puja forma parte de una serie de ventas centradas en las pertenencias de la actriz que Christie's inició el 13 de diciembre con la subasta de sus joyas, gracias a las que recaudaron casi 116 millones de dólares, lejos de los 30 millones que habían calculado.

En esta puja la estrella indiscutible fue una impresionante perla conocida como "La Peregrina", un obsequio de Burton que se vendió por 11,8 millones de dólares, con lo que estableció un récord mundial de venta de una piedra preciosa durante una subasta.

Varios retratos de la actriz, fallecida en marzo pasado a los 79 años víctima de un fallo cardiaco, acapararon buena parte de las miradas durante la temporada de subastas de este año, donde cobraron especial relevancia otros retratos de la actriz firmados por Warhol, como "Liz 5", vendido en casi 27 millones de dólares.

"El infierno", elegida mejor película en Festival de La Habana

2011-12-12T06:05:00.000-08:00

Esta cinta hace un ácido retrato de la violencia generada por el narcotráfico en México

La cinta es un ácido relato de la violencia generada por el narcotráfico en México.fuentes:youtube.com,elespectador.com

La película mexicana "El infierno", dirigida por Luis Estrada ganó hoy el primer premio Coral al mejor largometraje de ficción en el 33 Festival Internacional de Nuevo Cine Latinoamericano celebrado en La Habana.

El jurado valoró de "El infierno" su "eficacia para impactar al público con uno de los temas más relevantes en la América Latina de nuestros días", según el acta leída ante la prensa acreditada en el Festival.

"El infierno", un ácido retrato de la violencia del narcotráfico, es la historia de un mexicano deportado de EE.UU. tras 20 años como indocumentado y que a su regreso acaba convertido en sicario, deslumbrado por el lujo de la vida al servicio del crimen organizado, frente a la miseria del resto.

Esta cinta también se alzó con los premio Coral a la mejor dirección artística, vestuario y música original.

El segundo premio Coral al mejor filme de ficción fue para la brasileña "El abismo plateado", dirigida por Karim Ainouz, y el tercero se lo llevó la cubana "Fábula", de Lester Hamlet.

El jurado del Festival de Nuevo Cine Latinoamericano otorgó un premio especial a la brasileña "Tropa de elite 2", de José Padilha quien también se llevó el Coral a la mejor dirección.

"Un cuento chino", coproducción hispano argentina dirigida por Sebastián Borensztein y protagonizada por Ricardo Darín, recibió una mención del jurado.

En cuanto a los actores, el brasileño Rodrigo Santoro se alzó con el premio a la mejor actuación masculina por su trabajo en "Heleno", y su compatriota Alessandra Negrini se llevó el Coral a la mejor actriz por "El abismo plateado".

En el apartado de óperas primas, donde el jurado destacó la elevada calidad de los trabajos en concurso, el primer premio fue para "Distancia" (Guatemala), dirigida por Sergio Ramírez, el segundo para la argentina "Abrir puertas y ventanas" de Milagros Mumenthaler y el tercero para "Trabajar cansa" de los brasileños Juliana Rojas y Marco Dutra.

El 33 Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana quedará clausurado este domingo con la gala de entrega de premios.

El IV Festival In Vitro Visual se realiza hasta el 10 de diciembre

2011-12-06T03:27:00.001-08:00

La nueva edición del certamen contará, por primera vez, con invitados internacionales

Imagen oficial del Festival In Vitro Visual 2011. foto.fuente:vive.in

La cuarta edición del Festival Internacional In Vitro Visual creció: ahora el certamen más importante especializado en cortometrajes tendrá un día más de duración y contará con la presencia de invitados internacionales.

"Hemos sido cuidadosos y medidos, por ejemplo, en todo este tiempo, no hemos tenido a alguien del extranjero porque la logísitica no era la debida", comenta Jaime Manrique, director del festival que se extenderá desde el martes 6 de diciembre y hasta el sábado 10 de diciembre en Bogotá.

Este martes 6, con la proyección de trabajos de Francia, Brasil y Colombia se dará inicio al certamen en el Multiplex Embajador, donde también se revelarán los nombres de los nominados a las Santa Lucías, con las que se premian los mejores cortos del año.

Las estatuillas se entregarán en una ceremonia que se realizará este viernes 9 de diciembre, en el Museo Nacional, con la participación del actor Andrés Parra, como el director escénico, y de Jimmy Vásquez, que será el presentador.

Los jurados encargados de escoger a los ganadores entre los 37 cortos seleccionados son el realizador Carlos Moreno (Todos tus muertos), el guionista Carlos Esteban Orozco (Saluda al diablo de mi parte) y el productor Federico Durán (El páramo).

Las exhibiciones se llevarán a cabo en la Cinemateca Distrital, la Sala Germán Arciniegas de la Biblioteca Nacional (donde habrá una exposición con los afiches de los cortos) y la Sala Fundadores de la Universidad Central. Todas las funciones tienen entrada libre.

"Es importante decir que los martes seguiremos presentando el corto semanal en In Vitro y que el 28 de diciembre próximo se abre la convocatoria del año próximo", recalca Manrique, quien ha estado durante nueve años liderando esta iniciativa.

Muestra vasca de cortos

Por primera vez, In Vitro tendrá muestras de Kimuak, un festival de producciones del país vasco, y Les Lutins du Court - Metrage, que exhibe los mejores cortos franceses. También realizará los 'encuentros cercanos', espacios en los cuales el público puede charlar con los directores.

El cine se atreve con Roberto Bolaño

2011-12-06T02:57:00.000-08:00

La directora chileña Alicia Scherson dirige El futuro, primera adaptación cinematográfica basada en Una novelita lumpen del escritor chileno

Alicia Scherson, durante su estancia en La Habana para asistir al Festival de Nuevo Cine Latinoamericano. foto.fuente:abc.es

Muy pocas han sido las novelas de autores hispanoamericanos que, en su posterior traslado al cine, han estado a la altura artística del original. «El coronel no tiene quien le escriba», que dirigió el mexicano Arturo Ripstein en 1999 sobre la novela de Gabriel García Márquez, o «La ciudad y los perros», filme basado en la novela de Mario Vargas Llosa que realizó el peruano Francisco J. Lombardi en 1985, son dos de los pocos casos en los que literatura y cine hispanoamericano han logrado una perfecta fusión palabra-imagen. Ahora, la directora chilena Alicia Scherson ha decidido poner imágenes por primera vez a una obra de Roberto Bolaño y para ello ha tomado «Una novelita lumpen», la última obra publicada en vida por el fallecido escritor chileno. Su título será «El futuro» y, según ha manifestado Alicia Scherson en La Habana, la película ya está «parcialmente filmada, parcialmente montada» y espera tenerla lista para abril del próximo año.

Antes del «boom» Bolaño

La cineasta chilena, en declaraciones a Efe, define la novela de Roberto Bolaño como «muy bonita, muy pequeña y muy extraña» dentro de la obra de este autor. Consciente de la expectación que ha despertado su proyecto, Alicia Scherson confía en que «El futuro» sea considerada por sus méritos cinematográficos independientemente del «boom Bolaño». La directora chilena asegura que compró los derechos de «Una novelita lumpen» antes de que Roberto Bolaño se convirtiera en un fenómeno literario mundial tras su repentina muerte en 2003 en Barcelona como consecuencia de una insuficiencia hepática.
Alica Scherson, considerada como uno de los valores emergentes del nuevo Cine Latinoamericano, ha recibido varios reconocimientos por sus dos filmes anteriores: «Play» (2005), que obtuvo el galardón a la mejor dirección novel del Festival Tribeca de Nueva York, y «Turistas» (2009) presentada en el Festival de Rotterdam (Holanda). También ha debutado como productora ejecutiva en la película «Verano», del director chileno José Luis Torres Leiva, presentada recientemente en el Festival de Nuevo Cine Latinoamericano.

Roberto Bolaño: el mito sigue vivo

La obra sin límites de Roberto Bolaño

Jodorowsky prepara un libro con sus mensajes de Twitter

2011-12-05T02:38:00.000-08:00

Ojos de Oro, la nueva obra del cineasta y escritor chileno recopila sus mensajes de 140 caracteres

El escritor chileno Alejandro Jodorowsky, durante una conferencia en la ciudad de Puebla. México. foto:Francisco Guasco.fuente:lavanguardia.com

El cineasta y escritor chileno Alejandro Jodorowsky se inspiró en los mensajes de 140 caracteres en la red social Twitter para escribir su nuevo libro, Ojos de Oro, que será una recopilación de sus tuits.

Aunque Jodorowsky confesó que abrió su cuenta de Twitter "sin ninguna finalidad", la escritura de textos cortos con disciplina le sembró la idea de usar la red social para difundir "literatura gratis", dijo hoy en una rueda de prensa en Puebla, en el centro de México.

Momentos antes de la presentación de su vídeo Spiritual Journey en la Universidad de las Américas, explicó que al usar Twitter se dio cuenta de que aquellos mensajes podrían ser utilizados como "literatura, filosofía, psicomagia y arte".

Desde Francia, su residencia actual, Jodorowsky escribe todos los días 15 tuits en español durante una hora; lo considera una "labor literaria". "En la mañana me levanto y escribo. Desayuno y mando tuits, llueve o truene", relató el artista, que no deja pasar un solo día sin escribir.

Los mensajes que ha ido lanzando formarán el libro Ojos de Oro, que estimó será presentado en febrero o marzo de 2012. También conocido por su instrucción en el tarot, Jodorowsky consideró que la red social es "una maravilla" y que en ella no cabe el robo de tuits o pensamientos "porque es algo que regalas, que das, literatura gratuita".

Su hijo fue quien, hace un par de años, le sugirió por primera vez usar la red social. "Yo me pregunté qué era eso y ahora digo que es la literatura del siglo XXI", afirmó. Además, dijo, Twitter es "una puerta que se abrió" a las revoluciones, una herramienta para convocar manifestaciones.

El propio cineasta utilizó esa red social para convocar a una marcha el pasado fin de semana en la capital mexicana para recordar a los muertos por la violencia, que superan los 45.000 desde finales de 2006.

En su opinión, Estados Unidos es culpable de parte de la violencia que padece México. "¿Quieren solucionar el narcotráfico? Obliguen a los estadounidenses a no drogarse porque son ellos los que compran la droga y quienes venden las armas", apuntó.

Muere, a los 84 años, el director Ken Russell

2011-11-28T03:08:00.001-08:00

El cineasta inglés Ken Russell, director de películas como Mujeres enamoradas (1969) o La casa Rusia (1990), ha muerto en el Reino Unido a los 84 años, informó hoy su hijo Alex

Ken Russell, con la modelo británica Twiggy.foto:Efe. fuente:larazon.es

Alex Rusell indicó que su padre, autor también de controvertidos filmes como "Los demonios" (1971), falleció en un hospital el domingo mientras dormía. La familia no ha facilitado de momento más detalles sobre la muerte del director, que también dirigió en 1975 la película "Tommy", inspirada en el musical teatral sobre el grupo "The Who".

El director fue nominado a un Oscar en 1969 por "Mujeres enamoradas", basada en la novela de DH Lawrence, por la que consiguió una estatuilla la actriz inglesa Glenda Jackson.

Michael Winner, realizador británico que dirigió a Marlon Brando en "Los últimos juegos prohibidos", en 1972, rindió hoy tributo a su colega fallecido al afirmar que hizo "una contribución única" a la industria cinematográfica del Reino Unido. "Su aportación a la televisión y al cine en este país es absolutamente única. Los llevó a áreas desconocidas hasta entonces", afirmó.

Winner reveló que Russell había sufrido "una enfermedad terrible" durante algún tiempo.

También dijo que el director, muy conocido en este país por su trabajo para televisión, era "una persona muy alegre y bienintencionada".

Nacido en Southampton (sur de Inglaterra) el 3 de julio de 1927, Henry Kenneth Russell sirvió en la Real Fuerza Aérea británica antes de dedicarse a la televisión tras un breve paso por la fotografía y el baile. De 1959 a 1970 trabajó frecuentemente para la cadena pública BBC, a menudo dirigiendo documentales o largometrajes sobre músicos o compositores, como "Elgar" (1967) o "The Debussy film" (1965).

Su película más influyente en este periodo fue "Pop goes the easel" (1962), sobre el arte pop, con un estilo psicológico que inspiraría a directores de la época como Stanley Kubrick, quien posteriormente dirigiría "La naranja mecánica". En la década de los 70 se introdujo en el mundo del cine, y su película "Mujeres enamoradas", protagonizada también por Oliver Reed, rompió el tabú sobre la desnudez frontal masculina.

Reed, asiduo colaborador del director, actuó además en "Los demonios", un filme sobre un sacerdote noble frente a una Iglesia y Estado corruptos que fue censurado parcialmente en Estados Unidos. Su "remake" del musical "El novio" le valió a la supermodelo Twiggy, musa artística en los años 60, dos Globos de oro.

Una de sus últimas grandes producciones cinematográficas en la década de los 90 fue "La casa Rusia", protagonizada por Sean Connery y Michelle Pfeiffer, tras lo cual Russell volvió a centrarse en la televisión y de vez en cuando hizo algún papel de actor.

Financiar el cine nacional es toda una ‘película’

2011-11-26T08:02:00.001-08:00

La aventura de producir en el país, vista a través del más reciente estreno

Fotofija de la película Silencio en el Paraíso, de Colbert García, de reciente estreno nacional, en el cine colombiano. foto.fuente Portafolio.co

En esta esquina, la irracionalidad de la creación; en esta otra, la racionalidad de las finanzas. Así se hace cine en Colombia. Y también con las uñas...

Y el caso de 'Silencio en el paraíso', que está desde ayer en cartelera de las salas de cine del país lo demuestra.

Un director que debe abordar, con los cinco sentidos, la responsabilidad de hacer que las cuentas cuadren peso a peso, matizada con el anhelo de plasmar una historia que sensibilice a un público.

Y unos empresarios que se embriagan con un entusiasmo que los saca de la frialdad de las tasas de retorno. En un lado, el documentalista Colbert García, que plantea una historia de amor en una barriada popular de Bogotá, en donde acechan los falsos positivos.

En el otro extremo, Catherine Dunga, inversionista que se mueve en el mundo del capital de riesgo y está dispuesta a jugarse -con una dosis de romanticismo, cerca del 65 por ciento del valor total de la película.

En total, 1.200 millones de pesos se necesitaron para esta historia que está dentro del rótulo del cine independiente.

Hace dos años, empezó el trabajo de 'poner la ponchera' para buscar inversionistas que sacaran adelante el largometraje. En ese momento, los productores llegaron con un piloto 'debajo del brazo' a una sala de exhibición en donde se reunían cerca de 40 empresarios.

De hecho, ahora están en la misma tarea, con un nuevo proyecto, de perfil más comercial. El atractivo que ofrece la Ley del Cine ha sido clave para 'Silencio en el paraíso', como para otras 15 películas colombianas que se han desarrollado este año. No en vano, para el 2012 se esperan otras 20, explica Colbert García.

De entrada, el atractivo para que los inversionistas se apunten a apoyar un filme nacional representa una rebaja en el pago del impuesto de renta sobre el 40 por ciento de la inversión. En ese momento, la muestra causó buena impresión, pero los posibles inversionistas no se sintieron muy cómodos por el contexto de coyuntura social en el que se desarrollaba la historia.

Sin embargo, surgió el interés personal en Catherine Dunga y su esposo, Luc Gerard, ex presidente de Philip Morris, y actual banquero de inversión. También, estuvo el aporte de la Secretaría de Gobierno del Distrito Capital, que permitió llevar la idea adelante.

García y su empresa Ocho y Medios Comunicaciones aportaron cerca del 33 por ciento de las inversiones, representadas en los equipos y todo lo necesario en la producción de campo de la película.

También, en virtud de la Ley del Cine, el filme tiene una ayuda para posproducción de 80 millones de pesos.

Además, esperan el reconocimiento por hacer una película colombiana que puede representar un retorno de hasta 80 millones de pesos, según la taquilla y la respectiva certificación del distribuidor que en, este caso, es Cine Colombia.

Otra la imagen de Colombia llega a Huelva con "Karen llora en un bus"

2011-11-25T06:12:00.001-08:00

La cinta muestra las dudas de la protagonista, Karen, encarnada por la actriz Ángela Carrizosa, entre regresar a su insatisfactoria pero cómoda vida anterior o tratar de valerse por sí misma y luchar por sus sueños

Miembros del jurado del 37º Festival de Cine Iberoamericano que se celebra en Huelva, de (izq a dcha) la montadora cinematográfica, Carmen Frías; el productor mexicano Jorge Sánchez Sosa; el presentador Fernando Delgado; el director de documentales Pedro Pérez-Rosado; y la actriz argentina Malena Solda. foto:Efe.fuente:lainformacion.com

Un relato que parte de la cotidianeidad de Colombia, lejos de la imagen de narcotráfico y violencia que en los últimos años plasma su cine, llega a la competición del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva de la mano de "Karen llora en un bus" (2011), del realizador bogotano Gabriel Rojas

Su productor, Alejandro Prieto, ha asegurado hoy en rueda de prensa que tenía "la necesidad" de mostrar "una Colombia distinta", puesto que está cansado de que "sólo se hable del narcotráfico, la guerrilla, las prostitutas y los sicarios".

La cinta muestra las dudas de la protagonista, Karen, encarnada por la actriz Ángela Carrizosa, entre regresar a su insatisfactoria pero cómoda vida anterior o tratar de valerse por sí misma y luchar por sus sueños.

Para Prieto, se trata de una tragedia de seres humanos "comunes y corrientes", con "una historia universal" como es la búsqueda de la felicidad y en la que se plasma "el valor de reconocer que no se es feliz y de romper con todo para ser dueño de tu propia vida", ha indicado.

La historia se le ocurrió a su director, Gabriel Rojas, cuando viajaba en un autobús y vio a una mujer llorando.

Según ha señalado el productor de la cinta, Rojas comenzó a preguntarse por qué lloraba aquella persona y, a partir de este hecho, imaginó la vida de esta mujer y creó a Karen.

Para dar credibilidad al relato, el equipo del filme organizó sesiones de grupo en las que mujeres separadas de todas las edades les contaron sus experiencias.

Medio centenar de proyectos cinematográficos buscan financiación en Huelva

Un amor con final a la colombiana

2011-11-24T09:57:00.001-08:00

La ópera prima del director Colbert García retrata la vida de un joven que se ve envuelto por la tragedia de los falsos positivos

Lady —interpretada por Linda Baldrich— y Ronald —personificado por Francisco Bolívar— son los protagonistas de ésta, la historia de un amor inconcluso. Cortesía: 8ymedio producciones. fuente:elespectador.com

"Esta no es una historia sobre los 'falsos positivos'. Es sobre jóvenes sin oportunidades". Así se refirió, en diálogo con El Espectador, el cineasta Colbert García a su ópera prima, Silencio en El Paraíso, la cual se estrenará en los teatros del país este viernes.

Es un largometraje cargado de imágenes sobre la Colombia que a veces nos negamos a ver, aquella de los barrios marginados y las trochas. Una película que no recurrió a los recursos de siempre para retratar la pobreza y la violencia que sufre nuestro país. "No hay sangre, no hay hechos violentos, no hay vulgaridades", resaltó García. "Esta es una historia honesta y sencilla: la del amor que viven Ronald y Lady, que por culpa del destino queda inconclusa. Los cuentos de amor terminan de muchas maneras, pero éste es a la colombiana".

El Paraíso, el lugar donde se desarrolla, es un barrio con mucho polvo y pocos árboles, donde las casas se encaraman una encima de otra. Allí sus pobladores luchan por salir adelante. Hay ladrones y carniceros, prostitutas y publicistas. No, en realidad sólo hay un publicista: Ronald —interpretado por el actor Francisco Bolívar—.

Este joven se gana la vida a punta de megáfono. Su voz retumba por todo el barrio y sus cuñas, afirma él, son un éxito. "El Paraíso, el único lugar donde la gente quiere estar una encima de otra", así promueve Ronald el motel del sector.

En ese mismo lugar vive Lady —personificada por la actriz Linda Baldrich—, una joven estudiante que enloquece a Ronald y que según él es la razón por la cual El Paraíso se llama así. El publicista intenta una y otra vez acercarse a ella, pero no lo logra. "Es ciertamente un protagonista muy intenso", dice jocosamente García. No obstante, sus esfuerzos dan resultados y entre Lady y él surge un amor inocente que se sostiene a punta de cartas de amor y poesía.

Sin embargo, no todo es color de rosa para Ronald: empieza a quedarse sin clientes y se ve obligado a buscar otro trabajo. Es entonces cuando el protagonista, en su afán de conseguir cómo sobrevivir, queda envuelto por una tragedia que cambiará su vida, la de Lady e, incluso, la de todo un país: el drama de los 'falsos positivos'.

De acuerdo con el Centro de Investigación y Educación Popular (Cinep), en los últimos 23 años se presentaron en Colombia 951 casos de ejecuciones extrajudiciales —también conocidas como 'falsos positivos'—, que han dejado 1.741 víctimas.

La modalidad de estos atroces delitos fue casi siempre la misma: personas de bajos recursos —como Ronald— fueron engañadas con promesas de una vida mejor, transportadas a regiones alejadas de su lugar de origen, asesinadas y presentadas como guerrilleros muertos en combate. Por estos hechos, varios uniformados han sido condenados. García quiso narrar la vida de una víctima de este horrible crimen.

"Colombia es pasión, sí, pero es también tristeza y dolor. El cine tiene que mostrar todas las facetas de lo que somos", explica García. Y agrega que si algo lo motivó a hacer esta película, fue la necesidad de que la sociedad colombiana reconozca sus propias tragedias. "Mientras no exorcicemos nuestros fantasmas, no vamos a poder crecer como sociedad", resaltó García con aire vehemente.

La película, que ya se estrenó en los EE.UU., se rodó en apenas tres semanas y tuvo como locación el deprimido sector de Tres Esquinas, límite entre la localidad de Ciudad Bolívar y el municipio de Soacha. Allí, García y su equipo se mimetizaron con el barrio. De hecho, aclara el cineasta, "al elegir el reparto busqué actores que se pudieran insertar fácilmente en todo este ambiente del barrio y que no se vieran impuestos".

Silencio en El Paraíso contó con el apoyo de varias agencias internacionales, entre ellas el PNUD (Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo), que reconocieron en esta película una obra honesta y que, sin mucho tiempo ni un gran presupuesto, mostró parte de la cruenta realidad que vive nuestro país.

Es claro que ningún espectador se va a quedar sin tener algo que decir con respecto a esta obra. Francisco Bolívar, su protagonista, la ha visto más de diez veces y en todas ha llorado. También la vieron algunos militares, unos la rechazaron y otros la aplaudieron. "Se dieron cuenta —dice García— de que no es contra nadie y que en ella nunca se dice o se hace entender que los falsos positivos fueron promovidos por la institucionalidad".

"El tema de los falsos positivos no es nada fácil y sé que esta película generará mucha controversia. Pero a mí me anima que eso suceda, que el país se ponga a conversar al respecto sobre este problema", concluye García.

Jolie: "soy todavía una chica mala"

2011-11-23T07:10:00.001-08:00

La actriz confiesa que se siente afortunada de haber sobrevivido a los excesos de su juventud

Brad Pitt, Angelina Jolie y sus seis hijos (Vivienne, Shiloh, Maddox, Knox, Zahara y Pax) llegan a Tokio el 8 de noviembre de 2011. foto.fuente:elespectador.com

La super estrella de Hollywood Angelina Jolie, ganadora de un premio Oscar, dijo este martes sentirse afortunada de haber sobrevivido a los excesos de su juventud, cuando se aventuró con "cosas peligrosas", aunque reconoce que aún habita en ella la "chica mala".

"Atravesé momentos duros y oscuros y los sobreviví. No morí joven", declaró la actriz de 36 años a la cadena de televisión estadounidense CBS en una entrevista que se emitirá este domingo.

"Por lo tanto soy muy afortunada. Hay otros artistas y personas que no sobrevivieron ciertas cosas... la gente puede imaginar que hice lo más peligroso, e hice lo peor, por muchas razones, no debería estar aquí", añadió.

Jolie, que mantiene actualmente una relación con el actor Brad Pitt, fue conocida por llevar un frasco de sangre de su entonces marido, Billy Bob Thornton, alrededor del cuello. Y se ha distanciado de su padre, el actor Jon Voight, que dijo una vez públicamente que creía que su hija necesitaba ayuda.

La actriz, que es ahora madre de seis hijos, explicó que había "muchos momentos en los que se acercaba demasiado a muchas cosas peligrosas, muchos riesgos llevados muy, demasiado, lejos".

En una entrevista en Budapest, donde rodó alguna de las escenas de su película como directora, "En la Tierra de Sangre y Miel" (In the Land of Blood and Honey), Jolie afirmó que a pesar de construir una familia con Pitt, todavía mantiene su parte mala.

"Soy todavía una chica mala", dijo. "Todavía conservo esa parte de mí... está simplemente en su sitio ahora... pertenece a Brad. O... a nuestras aventuras", afirmó.

Marilyn Monroe, el mito sigue vivo

2011-11-22T02:54:00.001-08:00

Una nueva película, un libro y la subasta de uno de sus vestidos perpetúan el mito de la estrella

Marilyn Monroe, vive el mito. foto. fuente:lavanguardia.com

Elvis Presley, Michael Jackson y Marilyn Monroe son los tres personajes que han generado más dinero en todo el mundo después de su muerte. De los tres, Marilyn es la que está viviendo otra oleada de adoración. Un filme en marcha (estrenado en noviembre en EE.UU.), subasta de sus vestidos a precios astronómicos, publicación de un libro con sus pensamientos autobiográficos, un desfile de moda en Versalles... Y el mercado. Porque en los famosos almacenes Harrods de Londres, sección regalos, los dos calendarios que más se venden siguen siendo los de las sensuales fotos en blanco y negro de Audrey Hepburn y Marilyn Monroe.

Parece que lo que hace que perviva un mito por encima de otros es el concepto de lo eterno (nunca veremos una Marilyn vieja y arrugada o un James Dean con barriga cervecera), la foto fija con la que nos dejó. "Nos continúa gustando porque, pase lo que pase, Marilyn seguirá siendo sexy", resume una adolescente de dieciocho años cuya habitación acoge, entre otros símbolos, dos pósters de la actriz.

"Muerta hace cincuenta años –ya no puede cometer errores ni habrá cambios perjudiciales en la consistencia de su imagen– Marilyn vuelve a aparecer, cada año, entre los diez iconos, marcas humanas, más reconocidos del mundo, intocables", señala Gerard Costa, profesor de Marketing de ESADE. La actriz aportaría elementos muy buscados actualmente, unidos al concepto libre "como lo demuestra haber sido contratada como imagen de algunas agencias junto a Bob Marley".

Según los expertos, el nivel de notoriedad visual de Marilyn es altísimo y la franja que más valoraría la imagen de la actriz coincide con los mayores de treinta años. "Aporta valores ocultos deseados tanto por hombres como por mujeres: la mezcla de sexualidad y vulnerabilidad, por ejemplo", detalla Gerard Costa.

Mi semana con Marilyn ha sido la última entrega de esta adoración. En la nueva película sobre del icono de Hollywood, encarna el mito la actriz Michelle Williams –nominada al Oscar dos veces– en lo que resulta un verdadero milagro de la estética. La que fue pareja de Heath Ledger (actor de Brokeback Mountain al que encontraron muerto en su apartamento neoyorquino en 2008) y con quien tuvo una hija mantiene cierto parecido con la actriz. Tras horas de maquillaje, detallado vestuario y primoroso estudio gestual, My week with Marilyn se rodó en Londres y todavía tardará en llegar a España.

También el mundo editorial aprovechó el tirón. Amén de la biografía de Donald Spoto, surgieron otros textos.El pasado año, por ejemplo, se publicaba Marilyn Monroe: fragmentos (Seix Barral), donde aparecían textos inéditos escritos por la actriz entre los años 1943 y 1962. Prologaba Antonio Tabucchi destacando que "esos documentos nos revelan la complejidad del alma que se encontraba tras esa imagen".

Tras la sonrisa y el glamur, alguien torturado. Un alma, un cerebro y un cuerpo, nacidos bajo el nombre de Norma Jean, que sin estar a gusto con su tiempo decidieron darse tregua cuando el 5 de agosto de 1962 la actriz, de 36 años, se quitaba la vida con una sobredosis de barbitúricos y en circunstancias todavía poco esclarecidas.

"Otro de los valores con tendencia al alza es la nostalgia", explica Gerard Costa. "Algunos productos se crean con la idea de diferenciarse del resto a través de un mensaje identificable: la figura o el rostro de Marilyn son un ejemplo clarísimo de ello". Se trata de las llamadas marcas de transición, que desean ser vistas como atemporales, siempre reconocibles, con valores que superan los cambios de moda.

Este último año la marilynmanía se ha disparado. En junio la casa de subastas Profiles in History logró una puja altísima con la venta del mítico vestido blanco que llevaba la rubia explosiva en La tentación vive arriba. La pieza, en manos de la actriz Debbie Reynolds, se despedía de su propietaria por la cantidad de... ¡3,2 millones de euros! Tres meses después la marca Dior conseguía reunir, en el palacio de Versalles y gracias a la magia de la tecnología, a tres rubias históricas: Charlize Theron, Marlene Dietrich y... Marilyn Monroe. La marca Christian Dior lograba con esta evocación un exclusivo desfile de modelos. Para entender con qué intensidad y bajo qué lemas llegan los mensajes con su imagen basta con recordar el anuncio de Citroën DS3 con Marilyn y Lennon: actúa por tu cuenta, no mires el pasado, invéntate tu propio estilo, vive tu vida aquí y ahora...

Su peligro está en caer en el hastío de los símbolos que nunca desaparecen. "Yo le echaría la culpa a Warhol, un artista que no dudó en elevar la po(p)sterizable imagen de esta paradójica rubia de bote al mismo nivel que elevó al no menos famoso bote de sopa Campbell", explica el crítico de cine y televisión Fernando de Felipe. Doctor en Bellas Artes y profesor universitario de Historia del Cine, teme que algún día el símbolo se extinga. "El problema con Marilyn es que, siendo un icono que nunca va a la baja, al final termina convirtiéndose en un fetiche propenso a los usos y abusos más bajos y caricaturescos".

El abandono, el mayor miedo

La gran contradicción de Marilyn era que su imagen externa y explosiva no se correspondía con su pánico interior. Abandonada por su madre, siempre se sintió vulnerable y su gran error fue confiar demasiado en la gente. Incluso en su propio psicoanalista, Ralph Greenson, que inició un viaje justo cuando ella más le necesitaba. "Me abandonó".

El temor, la soledad y la impuntualidad. "Marilyn llegaba siempre tarde. Era su defecto más recurrente. Llegaba tarde a los rodajes, a las citas, a las fiestas. Y, al principio, llegaba tarde a las sesiones de terapia con Ralph Greenson, el último confesor de sus desgracias. Le gustaba hacerse esperar. Eso la hacía sentirse deseada, querida", explicaba Michel Schneider en Últimas sesiones con Marilyn (Alfaguara). Pero sus verdaderos pensamientos pueden leerse como lacerantes premoniciones en los poemas, notas y cartas publicados en Marilyn Monroe. fragmentos (Seix Barral).

En 1956, seis años antes de su muerte, recién instalada en Londres junto a su marido Arthur Miller, Marilyn encuentra un diario personal que el famoso dramaturgo ha dejado abierto en un descuido. Descubre así que su marido está decepcionado con ella, que a veces se avergüenza de su comportamiento en pública, que duda de su amor...

La actriz escribe en esa época oscura poemas como éste: "creo que siempre me ha/aterrorizado profundamente ser realmente la esposa/de alguien/pues sé por la vida/que no se puede amar a otra persona,/nunca, realmente". El mismo año de su muerte declaró en una entrevista: "tengo miedo al mundo. Sólo me interesa el amor a mi trabajo y a unos cuantos seres humanos dignos de confianza".

La vida de cine de la primera gran estrella dominicana

2011-11-21T09:16:00.001-08:00

María Montez fue la reina del tecnicolor en el Hollywood de los años cuarenta

La actriz dominicana María Montez. foto.fuente:elpais.com

La vida de la actriz dominicana tiene todos los elementos de la leyenda: nacida en una pequeña ciudad del país caribeño, consiguió un lugar en el Hollywood de los años cuarenta, abriendo camino a otras actrices latinas. Tras rodar 26 películas en 11 años, su temprana muerte truncó su carrera en 1951. El Festival de Cine Global Dominicano ha dedicado su quinta edición a esta actriz, que llegó a recibir el apodo de reina del tecnicolor por su especialización en el género de aventura y fantasía, que alcanzó su mayor esplendor durante la Segunda Guerra Mundial.

El festival dedicó el jueves una mesa redonda en la que participaron la escritora Margarita Vicens de Morales, autora de María Montez: su vida; la directora de cine mexicana afincada en Puerto Rico Sonia Fritz, la actriz dominicana Celinés Toribio y la guionista mexicana Marcela Fuentes. Todas ellas colaboran en la preparación de una película biográfica sobre Montez, en la que Toribio interpretará a la estrella dominicana y cuyo estreno está previsto para finales de 2012, año en el que se conmemorará el centenario de su nacimiento.

Montez, cuyo verdadero nombre fue María África Gracia Vidal, nació en la pequeña ciudad dominicana de Barahona en 1912 -aunque en su ficha artística asumió como fecha de nacimiento 1920-, la segunda en una familia de 10 hermanos. Desde niña apuntaba maneras de actriz, "jugaba al cine con una sábana blanca y una lámpara de gas" y aprendió inglés, que "procuraba practicar con los hijos de los funcionarios de los ingenios" azucareros, explicó Vicens. A los 20 años se casó con el gerente de la sucursal bancaria de Barahona, el irlandés William McFeeters, y se trasladó a Puerto Rico, donde vivió siete años, hasta que se divorció y partió hacia Nueva York persiguiendo su sueño de convertirse en actriz.

Nada más llegar a Nueva York "contrata a dos diseñadoras de moda, de las más importantes, le hacen unos atuendos espectaculares y aparece con ellos en los centros nocturnos, donde comienza a llamar la atención de la prensa", relató la biógrafa de la actriz. Tras un año, Universal Pictures le ofrece un contrato y llega a Hollywood en 1940, donde comienza a aparecer en una serie de películas de bajo presupuesto en blanco y negro. Con Las mil y una noches, rodada en color, "se convierte en una estrella internacional" y protagoniza varias películas de aventuras exóticas, muy populares entonces. "La gente quería disipar las preocupaciones de la guerra y por eso la llamaron la reina del tecnicolor", afirmó Vicens. Una de estas producciones, Alí Babá y los cuarenta ladrones (1943) "fue la película más taquillera de Universal Pictures en esa década".

Montez no tenía estudios de arte dramático, pero "con su físico, que la ayudó muchísimo, talento y perseverancia", llegó a convertirse en una estrella. Además, recurrió con astucia a todos los recursos a su alcance. "Ella se escribía sus propias cartas de fans", explicó Celinés Toribio, que se presentó en la mesa redonda convertida en María Montés, con un vestido de la época, un elegante sombrero ?la estrella se hizo famosa en la época por su colección de sombreros?, maquillada y peinada en el mismo estilo. "Desde niña conocía la figura de María Montez, pero cuando me mudé a Los Ángeles no conocía a nadie y entonces me pregunté: ¿cómo lo hizo?", afirmó la actriz.

En una época en la que "las estrellas eran propiedad de los estudios de cine", relató Sonia Frizt, Montez demandó a Universal, que había quitado su nombre del cartel de una película, en contra de lo que se había firmado en el contrato, y ganó la demanda, obteniendo una compensación de 250.000 dólares. Según Marcela Fuentes, "tuvo una valentía que abrió puertas a muchas de las latinas que están en Hollywood".

En 1943 se casó con el actor francés Jean-Pierre Aumont, con quien tuvo una hija, María Cristina Aumont. Tras el fin de la guerra se mudó a París y participó en varias producciones europeas, entre las que destaca la francesa Portrait d'un assassin (1949), titulada en España Pasión prohibida, junto a Erich von Stroheim y la actriz francesa Arletty.

Comenzaba a salir de ese encasillamiento como belleza exótica cuando falleció en septiembre de 1951 ahogada en la bañera en su casa de París. La causa de la muerte nunca se confirmó, ya que no se le realizó autopsia, explica Vicens. "Tenía antecedentes de enfermedades cardiacas en su familia y se daba baños con agua muy caliente para adelgazar", afirmó Fritz, por lo que pudo sufrir un ataque cardiaco o un desmayo mientras estaba sola en su bañera y se ahogó. La vida de Montez fue como una película de las que imaginaba de niña, cuando jugaba a actuar ante una sábana, en la pequeña ciudad de Barahona.

Trueba clausurará el Festival de Cine Global Dominicano

Fernando Trueba será el protagonista de la ceremonia de clausura de la quinta edición del Festival de Cine Global Dominicano, en la que se proyectará su película Chico y Rita. El acto se celebrará la noche del domingo en el Teatro Nacional de la capital dominicana, e incluirá la entrega de premios al ganador y finalistas del concurso de cortometrajes organizado por el certamen para jóvenes realizadores del país caribeño.

Chico y Rita, un filme de animación que Trueba codirigió junto a Tono Errando y el diseñador Javier Mariscal, es un musical con alma de bolero cuya banda sonora fue orquestada por el pianista y compositor cubano Bebo Valdés. En ella, una cantante y un joven pianista de jazz se conocen en La Habana de 1948 y viven una apasionada historia de amor que recorre escenarios de Nueva York, París, Hollywood y Las Vegas.

Chico y Rita obtuvo el Goya como la mejor película de animación en 2011 y ha pasado ya el primer corte para ser nominada al Oscar en esta misma categoría, según se hizo público recientemente. El próximo 24 de enero se conocerán las cinco nominadas para competir por la estatuilla, y entre los 18 filmes de todo el mundo que han sido seleccionados en esta fase están producciones tan taquilleras como Las aventuras de Tintín. El secreto del Unicornio, Cars 2 o Los pitufos. También está nominada a los premios del cine europeo en el apartado de animación.

Y. GÓMEZ-CORNEJO

Trueba clausurará el Festival de Cine Global Dominicano
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'Jean Gentil' hace visibles a los haitianos en República Dominicana

La editorial Austral recupera el clásico 'Jane Eyre', de la escritora Charlotte Brontë

2011-11-21T03:39:00.000-08:00

Desde su primera publicación, en 1847, este relato se ha convertido en una de las historias románticas más célebres de la literatura universal

La escritora inglesa Charlotte Brontë, en una fotografía de archivo GYI / Stock Montage.fuente:lavanguardia.com

La editorial Austral recupera el clásico 'Jane Eyre', de la escritora Charlotte Brontë, con motivo del estreno de la décimosexta adaptación de esta obra literaria. Desde su primera publicación, en 1847, este relato se ha convertido en una de las historias románticas más célebres de la literatura universal.

Mia Wasikowska ('Alicia en el país de las maravillas'), Michael Fassbender ('300', 'Malditos bastardos'), Judi Dench ('Iris', 'Casino Royale') y Jamie Bell ('Billy Elliot') componen el reparto del filme que se estrena el próximo 2 de diciembre en España, y que está dirigido por Cary Fukunaga. Charlotte Brontë (Yorkshire, Reino Unido, 1816-1855) se casó en 1852 y en 1855, estando embarazada, enfermó y murió de tuberculosis como sus hermanas.

Las tres dedicaron gran parte de su tiempo a la literatura. La primera que se publicó fue 'Jane Eyre' (1847), de Charlotte, a la que siguieron 'Agnes Grey', de Anne, y 'Cumbres borrascosas', de Emily.

Mi encuentro con Irene Papas

2011-11-19T03:53:00.000-08:00

Acá tienen que saber que durante los años de la dictadura de los coroneles, en Grecia, el servicio griego de ondas cortas de la Deutsche Welle fue la voz de la libertad para los griegos

Irene Papas, actriz griega en una caracterizada imagen. foto:internet. fuente:elespectador.com

Para el mejor entendimiento del caso les cuento que en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva los invitados se alojaban en el Hotel Tartessos, propiedad del director del festival, José Luis Ruiz, quien tenía su apartamento en el ático del edificio; y durante los días del festival ese piso estaba abierto (gran buffet, bebidas, todo) para los invitados principales (directores, actores, productores) y los amigos de José Luis y Mercedes, su esposa.

Y lo que pasó es que Irene Papas llegó a Huelva, y José Luis y el jefe de prensa del festival (Vicente Quiroga), ambos amigos míos desde la secundaria, me avisaron de que Irene Papas no iba a estar a disposición de los periodistas nada más que en una rueda de prensa, nada de entrevistas individuales. Me di por enterado de ello, y luego de la rueda de prensa IP se metió al ascensor con Vicente y conmigo, para tomar un aperitivo arriba, en el ático de José Luis.

Y ahí en el ascensor este diálogo: «Irene, me han dicho José Luis y Vicente que no vas a conceder entrevistas individuales». (A Vicente se le prendieron todos los timbres de alarma porque me conoce desde que teníamos 15 años). E Irene: «Sí, la condición fue esa, sólo la rueda de prensa». Y yo: «¿Y tampoco le concederías una a la Deutsche Welle?» Un breve silencio, e Irene: «Eres bastante hijueputa, pero eso ya lo sabes».

Acá tienen que saber que durante los años de la dictadura de los coroneles, en Grecia, el servicio griego de ondas cortas de la Deutsche Welle fue la voz de la libertad para los griegos: en la redacción griega de nuestra emisora todos eran exiliados contrarios a los militares, y Alemania estaba en contra de la dictadura de Atenas, así que los griegos, en Grecia, para saber lo que estaba pasando en su país, a la noche conectaban con nuestro programa. Fíjense cómo sería la cosa que cuando el régimen militar cayó, nuestra redacción griega casi se despuebla, y su director fue el primer ministro de Información de la democracia restaurada. O sea, a un redactor de la Deutsche Welle no, a él, Irene Papas no le podía negar en absoluto una entrevista.

Entramos al ático y cuando José Luis nos vio a ella y a mí sentados en un rincón, con la grabadora y el micrófono en medio, se acercó con el alma en vilo a Vicente, que lo tranquilizó: «El hijueputa se lo pidió en alemán y ella no supo resistirse». Un chiste, claro.

Y yo, luego, en la sala de prensa, como nunca me han gustado lo que en Colombia llaman las "chivas" (al menos esas), puse la grabadora en la mesa central y anuncié que tenía una entrevista personal con Irene Papas, que si la querían escuchar y aprovechar el material, adelante. Y pulsé PLAY.

Cameron revela trailer de 'Titanic 3D'

2011-11-18T03:24:00.001-08:00

El filme se estrenará en abril de 2012, mes en el que se conmemora 100 años del naufragio del navío

Una de las películas más taquilleras de la historia y ganadora de 11 premios Oscar, vuelve a las salas de cine en el 2012 en tercera dimensión.foto.fuente:vive.in

VÉA TRAILER AQUÍ

La producción escrita, producida y dirigida en 1997 por James Cameron, retoma el romance de Jack Dawson (Leonardo di Caprio) y Rose DeWitt Bukater (Kate Winslet), que vivieron en el viaje inaugural del Titanic en 1912.

En esta nueva versión, Cameron utilizó los efectos y el formato tridimensional que usó en su última producción 'Avatar', con la cual el cineasta estableció un nuevo récord, al ser la primera película en llegar a recaudar más de dos mil setecientos millones de dólares, en muy poco tiempo.

El reestreno en 3D y en algunas salas en 2D, contará con una mejor calidad de imagen, superior en cualquiera de los dos formatos que la que tuvo la película en su debut en 1997.

El director y John Landau, productor de la película, lograron convertir el filme a 3D en 60 semanas, con una inversión total de 18 millones de dólares y un equipo conformado por más de 300 personas.

Según anunció Camerón, el trailer empezará a verse en las salas de cine a partir de las próximas semanas.

La prensa británica recibe con polémica a 'La dama de hierro' de Meryl Streep

2011-11-16T05:59:00.001-08:00

La cinta, que se estrenará el 6 de enero en el Reino Unido, retrata a una Thatcher anciana, solitaria y afectada por la demencia, mientras intenta recordar episodios de su vida

Fotografía facilitada por la productora Pathé de la actriz Meryl Streep que encarna a la ex primera ministra británica Margaret Thatcher en la película biográfica sobre la Dama de Hierro que dirige Phyllida Lloyd.

La prensa del Reino Unido publica sus primeras impresiones sobre 'La dama hierro', la nueva película de Merryl Streep en la que interpreta a Margaret Thatcher. Pese a que el trabajo de la actriz es unánimemente elogiado, la cinta es una "fantasía izquierdista" para los conservadores y descafeinada para los progresistas.

Margaret Thatcher fue admirada y odiada a partes iguales por los británicos y la película sobre su vida, protagonizada por Meryl Streep, no ha dejado indiferente a la crítica ni tampoco a los amigos de la exprimera ministra conservadora del Reino Unido entre 1979 y 1990, que la consideran un insulto.

Mientras la imagen de la carismática mandataria de 86 años, retirada de la vida pública por su delicado estado de salud, se encuentra por todas partes gracias a los carteles de la película La dama de hierro, sus admiradores y detractores han vuelto a abrir el debate sobre su discutido legado.

fuentes:youtube.com. lainformacion.com

La crítica coincide en el "impresionante" trabajo de la actriz estadounidense Meryl Street encarnando a Thatcher a lo largo de su vida adulta, pero algunos de sus cercanos han preferido distanciarse de lo que consideran una caricatura.

La cinta, que se estrenará el 6 de enero en el Reino Unido, retrata a una Thatcher anciana, solitaria y afectada por la demencia, mientras intenta recordar episodios de su vida.

En una escena se queja en una pequeña tienda de los precios del siglo XXI y en otro momento aparece despistada y sin darse cuenta de que de que su inseparable marido, sir Denis, ha muerto.

Amigos y familiares de la implacable mandataria, que gobernó con mano dura el Reino Unido de 1979 a 1990, han calificado el drama dirigido por Phyllida Lloyd, responsable de Mamma Mia, como una "fantasía izquierdista".

Según revela el Daily Telegraph, algunos de sus antiguos colegas y compañeros de Gabinete han querido distanciarse de la película que recuerda episodios tan polémicos como la guerra de las Malvinas o las huelgas de los mineros, que Thatcher manejó con mano dura.

Lord Bell, un cercano asesor de La Dama de Hierro en los años ochenta, dijo que no piensa publicitar esta "basura". "Su único valor es que Meryl Streep gane dinero. No hará ninguna diferencia en el lugar que (Margaret Thatcher) ocupa en la historia o en lo que consiguió", se queja el antiguo asesor.

Sin embargo, para Mathew Parris, exdiputado conservador y colaborador de Thatcher, se trata de un historia feminista. "Es sobre los prejuicios de los hombres y la visión de las mujeres. Lo hacía todo por el Reino Unido, pero también lo hacía por las mujeres", recuerda en The Times el ahora periodista, que asegura que esta película ha convertido a Thatcher en "la heroína de una historia de mujeres".

En la cinta se pueden ver imágenes de archivo de las multitudinarias protestas contra el impuesto conocido como poll tax y cómo uno de los manifestantes se acerca a una ventanilla de la limusina de la primera ministra para llamarla "monstruo".

El conservador Daily Telegraph asegura en su crítica que La dama de hierro es equilibrada y "dura y comprensiva con la protagonista a partes iguales". "Cómo la gente reaccionará depende la actitud que tuviera hacia ella. Los sindicatos la encontraran demasiado amable y no gustará mucho en Argentina, pero los republicanos estadounidenses envidiarán no tener un candidato con una fracción de la convicción de Thatcher", ironiza el crítico.

Por su parte, el progresista The Guardian opina que la cinta muestra "poca consciencia del mundo exterior, el coste humano o el efecto de sus discutidas políticas gubernamentales", por lo que la califican como una película de "Thatcher sin el thatcherismo".

En lo que sí hay unanimidad es en las alabanzas de los críticos a la interpretación de la camaleónica Streep, que a pesar de no ser británica ha conseguido incorporar a La Dama de Hierro" e incluso imitar su peculiar tono de voz.

The Times dice que la oscarizada actriz lo hace todo bien: "La sonrisa, la entonación, las posturas" y consigue "encontrar a la mujer en la caricatura".

El más crítico The Guardian considera finalmente que Streep es "la gran arma de esta película a veces tonta y previsible".

John Leguizamo, el colombiano más famoso de Hollywood

2011-11-16T02:26:00.001-08:00

Después de varios papeles pequeños en películas y series de televisión, el colombiano tuvo su primera gran oportunidad en la película 'Hangin' with the Homeboys , una cinta independiente de 1991 en la que interpretaba un joven puertorriqueño del Bronx que sale de viernes por la noche con sus amigos

John Leguizamo, actor colombiano que trabaja en Hollywood. foto.fuente:eltiempo.com

John Leguizamo nació en Bogotá el 22 de julio de 1964. Su padre y su madre, ambos colombianos, emigraron a Estados Unidos con su hijo cuando éste tenía cuatro años. Se crió en Nueva York, ciudad en la que comenzó a estudiar teatro. Tras un paso por diferentes clubes de comedia de 'La Gran Manzana', apareció por primera vez en la pantalla chica en 1984 en un capitulo de 'Miami Vice'.

Después de varios papeles pequeños en películas y series de televisión, el colombiano tuvo su primera gran oportunidad en la película 'Hangin' with the Homeboys ', una cinta independiente de 1991 en la que interpretaba un joven puertorriqueño del Bronx que sale de viernes por la noche con sus amigos.

Su carrera comenzó a despegar en 1992, después de su aparición en la película 'Super Mario Bros', en la cual tuvo el papel de Luigi. De ahí en adelante vivieron grandes personajes como el de Tybalt Capulet en 'Romeo + Juliet' (1996), el de Violator en 'Spawn' (1997), el de Pestario Vargas en 'The Pest' (1997) y a Cholo en 'Land of the Dead' (2005).

En 2001, el colombiano, que está casado y tiene dos hijos, participó en famoso musical 'Moulin Rouge', donde encarnó al pintor francés Henri de Toulouse-Lautrec, y en 'Paraiso Travel', película del director colombiano Simón Brand.

Leguizamo, que fue designado el siete de septiembre de este año por Juan Manuel Santos como 'embajador' de Colombia ante los directores y actores del mundo, llega a Colombia con 'Pelado de Barrio', un 'stand-up comedy' autobiográfico en el que Leguízamo hace un recorrido por los momentos más importantes de su vida, empezando por su infancia en Queens, Nueva York.

Las entrañas de Metrópolis

2011-11-16T02:16:00.001-08:00

La cinemateca de París rinde homenaje al gran clásico de Fritz Lang

Un boceto de Erich Kettelhut para el escenario del estadio de los hijos en la ciudad de los hijos. foto:Deutsche Kinemathek. Collection Erich Kettelhut. fuente:elpais.com

Cuando una periodista contactó a Martin Koerber para contarle que se había encontrado una cinta original de Metrópolis, la fantasía futurista y apocalíptica de Fritz Lang, en Buenas Aires en 2008, el restaurador cinematográfico no le dio importancia. Aquella película mal conservada resultó ser sin embargo la única copia original de la obra de culto del austriaco, de 153 minutos, anterior al tijeretazo impuesto a las pocas semanas de su estreno en 1927 por las distribuidoras. La cinemateca de París recupera ahora la muestra sobre el film que se celebró en Berlín en 2009, a la que se suma sus propios tesoros, incluida la reproducción a tamaño natural del robot realizado por Walter Schulze-Mittendorff, inventor de la criatura, para la apertura del templo del cine parisiense en 1972.

La exposición recorre la odisea de una obra cumbre que batió todos los récords de la época: un presupuesto de 6.000 millones de marcos alemanes -para 75.000 de recaudación, una pérdida de la que no llegó a recuperarse los grandes estudios alemanes de la UFA- , 311 días de rodaje y 60 noches, 620 kilómetros de negativo, 750 actores y 25.00 figurantes, todos martirizados por un implacable Lang. Culmina con el relato de otra aventura gigantesca: la de Martin Koerber y su equipo, que trabajaron contra toda lógica para recuperar y devolverle de la forma más leal posible su estado original a la película. En paralelo, la nueva versión de marzo de 2010 está actualmente en cartel en las salas de cine parisienses de la distribuidora MK2.

Cada espacio está dedicado a uno de los seis escenarios de base de la película, desde la ciudad de los hijos hasta la catedral, pasando por la ciudad obrera y las catacumbas. Por el camino, a través de los dibujos originales de los decoradores, de reproducciones de los trajes de los protagonistas, de hojas sueltas de las partituras de la música y del guión, de las fotografías del rodaje y, por supuesto, de los extractos en pantallas gigantes de las escenas clave, se adentra el visitante en las entrañas de la megaproducción, dejando al descubierto sus secretos, como el juego de espejos utilizado para agrandar los decorados. Otros bocetos de los baños femeninos, cuya realización se abandonó por su coste, dan una idea del lujo de detalles con el que trabajó todo el equipo.

Visto desde el siglo XXI, planea una sensación extraña de ser hoy algo del futuro fantaseado por Thea von Harbou, autora del guión. "¿Quién sabe si la gente del año 2.000 llevará este tipo de ropa?", reflexionaba por ejemplo Aenne Willkomm, responsable del vestuario, cuyos dibujos de las sensuales prendas de Brigitte Helm cuando da vida a la otra María -es decir la mala- copan parte de la exposición. "Quizás la gente mirará un día este Metrópolis de 1926 y se sorprenderá de la veracidad de la que es capaz la imaginación".

La retrospectiva se cierra con un guiño a la recepción francesa de la obra maestra, donde fue acogida con cierto desconcierto. En París se estrenó el 13 de octubre de 1927 en el Lutécia-Wagram y contó con Luis Buñuel entre sus más firmes defensores. Entre las curiosidades destacan los productos derivados, como unos souvenirs del estreno en forma de pequeños folioscopios con tapa de cuero. Aunque el mayor testimonio de la sensación vertiginosa de salto hacia lo desconocido es quizás el que deja la crítica del momento. "La película es la más colosal del mundo, la más sorprendente, y también la más desalentadora", escribía entonces la revista Cinéma - Ciné pour Tous. "Otra puerta cerrada. Al menos que intentemos algo todavía más grande, pero ¿qué inventaremos ahora?".

Una metrópolis sin Fritz Lang

Una pantomima para Fritz Lang

'Metrópolis' auténtica

Una fundación alemana restaura 'Metrópolis' y la difunde en DVD

La huella de Fritz Lang

Ken Follett dice que la Edad Media le inspira "pero era brutal y violenta"

2011-11-15T04:12:00.000-08:00

En la visita que Follett realizó al rodaje de Un mundo sin fin, una miniserie homónima que se inspira en la segunda parte de Los Pilares de la Tierra, se mostró "muy satisfecho" con el guión y la producción que se lleva a cabo a las afueras de Budapest

Fotografía facilitada por Mediaset del novelista galés Ken Follet, que encontró el vellocino de oro de los bestseller inspirados en la Edad Media, en uno de los escenarios del rodaje de Un mundo sin fin, a las afueras de Budapest, del que se muestra "muy satisfecho". foto:Efe.fuente:lainformacion.com

Ken Follett, el novelista galés que halló el vellocino de oro de los 'best-seller' inspirados en la Edad Media, comentó en el rodaje de su novela "Un mundo sin fin" que la Edad Media le inspira "pero que no era el período perfecto para vivir porque era una época brutal, muy violenta y dura".

"Me siento muy feliz de no haber nacido en la Edad Media, donde la gente estaba constantemente en peligro por los ladrones o las guerras y los niños eran ahorcados", comentó el autor de "Los Pilares de la Tierra".

En la visita que Follett realizó al rodaje de "Un mundo sin fin", una miniserie homónima que se inspira en la segunda parte de "Los Pilares de la Tierra", se mostró "muy satisfecho" con el guión y la producción que se lleva a cabo a las afueras de Budapest.

Inspirada en la catedral de Santa María, de Vitoria-Gasteiz (norte de España), la novela "Un mundo sin fin" se desarrolla en Kingsbridge, una ciudad ficticia creada por Follett (Cardiff, Gales, 1949) para "Los Pilares de la Tierra" (1989).

Follett ha explicado en el 'set' que el misterio de las catedrales y el papel de las mujeres con poder y dinero en la Edad Media son las claves diferenciadoras de "Un mundo sin fin", novela cuyo título proviene de la oración cristiana 'Gloria al Padre' en su versión inglesa: "World without end", conocida en castellano como "Por los siglos de los siglos".

En "Un mundo sin fin", este maestro de la narrativa de acción y suspense arranca en 1327, dos siglos después de la construcción de su majestuoso templo gótico en Kingsbridge donde sobre todo Caris, interpretada por Charlotte Riley, junto a su amante Merthin (Tom Westo-Jones) lucharán por desenterrar un secreto peligroso para salvar a su ciudad y lograr la libertad.

Mientras tanto tendrán que hacer frente a un gran número de intrigas internas de la Corte y de la Iglesia, así como el avance de la Peste Negra, que aniquiló a la mitad de la población europea, y la lucha entre Inglaterra y Francia por el poder territorial.

Follett, que no vió la televisión de niño porque sus padres se lo prohibían por "floja", ha comentado que dedica "mucho tiempo en hacer que las historias sean creíbles" y que le gusta el guión de "Un mundo sin fin" a pesar de "las diferencias" que encuentra "entre contar historias con palabras y, como en la serie, con imágenes".

El galés corroboró que "siempre" le ocurre que "nada de la película es exacto a la visión" que él tiene de las "historias que siempre han existido" en su cabeza aunque le parece "increíble" ver los escenarios preparados para escenas como la voladura de un puente que cuenta en "Un mundo sin fin".

Desde junio pasado, "Un mundo sin fin" se está grabando en las mismas ambientaciones en las que el cineasta Ridley Scott rodó la serie "Los Pilares de la Tierra" (2010) como los paisajes de un bosque próximo a la ciudad de Budapest y los estudios en los que ahora se rueda la serie "Los Borgia".

Con "una financiación de 33 millones de euros", la serie llegará a EEUU a partir de mayo próximo y a España gracias a canal Cuatro", confirmó en el rodaje Rola Bauer, productora ejecutiva del filme junto a Ridley Scott, entre otros.

"Setenta y cinco actores jóvenes y con tablas" han participado en "Un mundo sin fin" entre los cuales destacan Cynthia Nixon ("Sexo en Nueva York"), Ben Chaplin, Peter Firth, Charlotte Riley, Tom Weston-Jones, Rupert Evans, Oliver Jackson-Cohen, Miranda Richardson, Indira Varma, Sarah Gadon y Nora von Waldstaetten.

Por su parte el realizador de la serie, Michael Caton-Jones ("Instinto básico 2"), confesó que no se había leído la novela de Ken Follett para hacer esa serie, de ocho episodios de 45 minutos cada uno, porque sencillamente "el libro es el libro".

La elección del vestuario y de la iluminación han sido los dos elementos en los que Caton-Jones ha dicho que ha prestado su atención; en concreto, para la luz se ha inspirado en la paleta de los pintores prerrafaelistas y, en especial, en el famoso óleo "La muerte de Marat", de Jacques-Louis David.

Polémica por película sobre Emmanuel, hijo de Clara Rojas

2011-11-14T07:07:00.001-08:00

La ex secuestrada Clara Rojas dice que el filme sobre su hijo es un atropello

Clara Rojas señala que su hijo tiene derecho a una vida tranquila y a un respeto por su integridad.foto:archivo.fuente:eltiempo.com

La ex candidata a la Vicepresidencia Clara Rojas, quien estuvo seis años secuestrada en manos de las Farc, junto a Íngrid Betancourt, calificó de "atropello" la película española que se rueda en las selvas del país y que relata la historia de su hijo Emmanuel, nacido en cautiverio.

En entrevista con la agencia EFE, Rojas confesó que supo del filme -titulado Operación E, en alusión a la inicial del nombre de su hijo Emmanuel- por los medios.

"Yo no tengo ninguna información ni conozco el tipo de productora, yo me vine a enterar por las noticias", aseveró Rojas, al expresar que su preocupación estriba en el guión, que la empresa productora asegura que está basado en hechos reales. Rojas cree que la película podría distorsionar la verdad a través del que, según la productora, es el eje del relato: el campesino al que las Farc entregaron a Emmanuel cuando se lo arrebataron.

'No me han consultado'

"Quieren montar una historia a través del campesino, que es José Crisanto Gómez, la persona que tuvo, según la información que yo tengo, secuestrado a mi hijo antes de que el Bienestar Familiar me lo entregara", manifestó.

"A pesar de decir que se basa sobre hechos ciertos y reales, no me han consultado a mí, no me parece que han consultado los expedientes en el Bienestar Familiar para que sepan cómo es la situación", agregó.

Además recordó que Gómez "está en la cárcel sindicado por delito del secuestro de mi hijo". Rojas señaló que el público debe diferenciar "si estamos ante un secuestrador o un campesino". Para ella, este punto es de suma importancia porque su hijo, que ahora tiene siete años, debe tener claridad sobre la verdad, y por eso calificó la película de "atropello" contra ella y Emmanuel.

"Mi niño tiene una serie de derechos como lo tienen todos los niños, a tener una vida tranquila, un respeto por su integridad personal y obviamente por su vida pasada, por su presente y por su futuro. Y una información que se teje en torno a su propia historia obviamente nos afecta en nuestra tranquilidad personal", insistió. Emmanuel "está en un momento de crecimiento, es importante el factor de identidad, de tener clara su historia personal", argumentó ella.

La ex secuestrada también afirmó que si la productora se hubiera puesto en contacto con ella, hubiese contribuido a contar la historia real.

Rojas fue secuestrada por las Farc junto con Betancourt, el 23 de febrero del 2002, durante una gira de la campaña a la Presidencia y fue liberada casi seis años después.

Durante su cautiverio nació Emmanuel, fruto de una relación con un guerrillero, cuya identidad nunca reveló Rojas.

El bebé se enfermó a los ocho meses y las Farc lo trasladaron, en enero del 2005, a algún lugar para que recibiera atención médica. Rojas sólo lo volvió a ver tres años después, cuando fue liberada y se lo entregó el Instituto Colombiano de Bienestar Familiar (ICBF). Al parecer, según Rojas, el campesino José Crisanto Gómez fue quien lo recibió enfermo y meses después lo llevó a un centro médico con señales de maltrato, motivo por el que, en julio del 2005, el ICBF se hizo cargo del niño.

"Yo me preocupo enormemente porque van a hacer una película basada en hechos reales cuando no han tenido en cuenta a los actores que hemos sobrevivido después de un proceso muy difícil", concluyó Rojas.

La productora informó desde Madrid que Operación E está dirigida por Miguel Courtois Paternina y protagonizada por el actor español Luis Tosar; está basada en "hechos reales"; en concreto, en la historia del campesino José Crisanto, papel que interpreta Luis Tosar.

Pero no se han pronunciado frente a las declaraciones de Clara Rojas.

Clint Eastwood estrena "J. Edgar", una semblanza sobre el padre del FBI

2011-11-12T07:47:00.001-08:00

Leonardo DiCaprio encarna a John Edgar Hoover, de quien se explora los aspectos más personales

Tráiler "J. Edgar", película en la que Leonardo DiCaprio encarna a John Edgar Hoover, padre del FBI.fuentes:youtube.com, elespectador.com

La vida del creador del FBI, John Edgar Hoover, llega a las pantallas con "J. Edgar", cinta dirigida por Clint Eastwood y protagonizada por Leonardo DiCaprio que explora los aspectos más personales del enigmático agente federal.

El filme ha demostrado ser ya una clara apuesta para los Oscar en varias categorías incluida la de mejor actor, una estatuilla que aún no posee DiCaprio a pesar de haber estado nominado por "Blood Diamond" (2006), "The Aviator", (2004), y "What's Eating Gilbert Grape" (1993), en este último caso por un papel secundario.

"Fue un personaje muy difícil para mí", aseguró el actor en la presentación de la película en Los Ángeles (se estrena este viernes en EE.UU.) donde confesó que durante el rodaje se sometía a más de cinco horas diarias de maquillaje para dar credibilidad al envejecimiento de Hoover.

La producción recogió un período de más de seis décadas, desde principios de siglo XX hasta 1972, y sigue la trayectoria personal y profesional de Hoover que le lleva de ser un "joven terriblemente ambicioso", en palabras de DiCaprio, a una figura anacrónica que vivió obsesionada con la amenaza comunista hasta su muerte.

"El desafío para mí no fue tanto llevar las prótesis y el maquillaje o moverme como una persona mayor sino hacer que tenía 50 años de experiencia en el trabajo y dirigirme a un joven Robert F. Kennedy como si él que no supiera de qué hablaba", explicó el actor.

La grabación requirió de casi 80 vestuarios distintos para representar las diferentes etapas y momentos en la vida de Hoover, con un relato en el que predominan las escenas intimistas y está marcado por una presunta homosexualidad del famoso director del FBI.

"Es una película de relaciones", afirmó Eastwood, a quien le intrigaba la figura de Hoover desde hacía años y se sintió cautivado por el guión de Dustin Lance Black, quien ya ganó un Oscar por "Milk" (2008).

"Si hubiera sido solamente una película biográfica no creo que habría querido hacerla. Me gustan los filmes de relaciones, indagar en el porqué la gente hace ciertas cosas", comentó el realizador de "Unforgiven" (1992) y "Million Dollar Baby" (2004).

En la trama, Hoover demuestra estar enfermizamente dominado por su madre Annie (Judi Dench) y contar con dos únicos apoyos, su fiel secretaria Helen Gandy (Naomi Watts) y su compañero inseparable Clyde Tolson (Armie Hammer) de quien se sugiere que estaba enamorado.

Si bien nunca trascendió si Hoover fue gay, "J. Edgar" juega con esa idea y tiene entre sus momentos más dramáticos un beso entre DiCaprio y Hammer tras una riña y una escena en la que el protagonista se viste de mujer, una vez fallecida su madre.

Hoover y Tolson trabajaron juntos y convivieron y Hoover le dejó todo lo que tenía en herencia a Tolson.

"Es indiscutible que fueron compañeros en alguna forma", dijo DiCaprio.

John Edgar Hoover fue el primer director del FBI y ocupó ese cargo desde su fundación en 1935 hasta su fallecimiento en 1972 y bajo su mando se sentaron las bases de la investigación forense actual y se reformaron las leyes federales para que la agencia tuviera poder para combatir los delitos en todo EE.UU.

Logró mantenerse en el puesto durante los mandatos de 8 presidentes y tres guerras, siempre convencido de que la democracia de EE.UU. estaba bajo la amenaza comunista, algo contra lo que luchó con todos los medios a su alcance, incluso aunque fueran contra las normas.

Monroe:"Quieres fotografiarme desnuda, ¿verdad?"

2011-11-12T00:20:00.001-08:00

Bert Stern, la última persona que retrató a Marilyn Monroe, recuerda el impacto profesional y emocional que tuvo la sesión de su vida. Todo un festín erótico que no gustó a 'Vogue' en su día, hace ahora 50 años. "Olvidé que estaba casado. Estaba enamorado", confiesa. "Era mucho más guapa de lo que esperaba "

Las fotos de Marilyn.fotos:Bert Stern

Bert Stern retratado por Irving Penn en 1962. fotos.fuente:elpais.com

Parecía un buen principio. Era jueves, 21 de junio. En Los Ángeles hacía calor, pero ella había querido esa ciudad y él cruzó el país para encontrarla en el hotel Bel Air, suite 261. Él reservó allí sin saber que era uno de sus hoteles favoritos. De Nueva York llevó vestidos, pañuelos, collares. Y encargó tres botellas de Dom Pérignon. La esperaron cinco horas,él y su champán. Y Marilyn apareció, sonriente, esbelta, casi transparente, "hermosa, trágica y compleja", que diría él. Todo había empezado bien. No acabaría igual. Porque Marilyn Monroe cumplió su tarea, y Bert Stern la suya. Aquel junio de 1962, la actriz posó para el fotógrafo con y sin ropa, rubia y morena, pensativa y a carcajadas. Pero nunca vio esas imágenes publicadas: el 5 de agosto aparecía muerta en su cama junto a un bote vacío de barbitúricos. "Entonces supe que mi historia de amor con Marilyn había acabado", explica Stern medio siglo después al recordar el adiós de su musa, de la que apenas mes y medio antes había tomado las 2.571 imágenes que cambiarían su carrera.

Aquellas fotos fueron bautizadas The last sitting (La última sesión). Ahora él desmenuza las impresiones acerca de la ¿por qué no? mayor estrella del cine en un libro editado por Taschen con muchas de esas imágenes del que solo hay 1.962 copias, a 750 euros cada una, con notas del dos veces Pulitzer y biógrafo de la actriz Norman Mailer. Stern da cuenta de ello en conversación telefónica desde Nueva York. "Es mi sesión más popular", repite incansable. "No sé si la mejor, pero la más popular. Soy el fotógrafo que hizo las últimas fotos de Marilyn Monroe".

Para Stern, por cuya cámara habían pasado Twiggy o Audrey Hepburn, la diva era un reto. Recién contratado por Vogue, volando a Roma para retratar a Elizabeth Taylor en Cleopatra, Monroe se cruza por su mente. Y consigue una cita. "Tenía una llamada de mi secretaria. 'Marilyn dice sí, Vogue dice sí. Los Ángeles. 21 de junio'. Hice las maletas".

Eran las primeras fotografías de Monroe para la revista. "Necesitaba descubrir algo no capturado", cuenta Stern en el libro. Richard Avedon le había hecho unas lujosas fotos para la revista Life, "estupendas para el mundillo, pero no íntimas. No daban ninguna sensación de quién era ella". Dispuso todo: intimidad, luz, complementos. Sin saber de cuánto tiempo dispondría ni el humor de la diva. Ella, al fin, apareció. "Olvidé que estaba casado, olvidé mi vida en Nueva York. Estaba enamorado. Era mucho más guapa y más fácil de trabajar de lo que esperaba".

El sol se ponía sobre California. Él preparó sus cámaras ("una Hasselblad en blanco y negro y una Nikon de 35 milímetros. Aún deben estar por mi apartamento") y preguntó con cautela de cuánto tiempo disponían. "¿Estás de broma?", replicó ella. "¡De todo el que queramos!". "Ya es mía", pensó Stern. Fotográficamente hablando.

Él le enseñó los complementos. "¿Quieres fotografiarme desnuda, verdad?". "Es una buena idea", dijo él, dudando si Monroe aceptaría. "No estarás exactamente desnuda, tienes un pañuelo". "¿Cuánto podrás ver?", inquirió ella. Depende de la luz, afirmó él. Norma Jean solo pidió una última opinión: a su peluquero, al que le pareció "una idea divina". Y descorcharon el Dom Pérignon.

Todo dependió de la luz. Una Norma Jean de 36 años, delgada pero curvilínea y sensual, se transparentaba bajo un pañuelo. "Estaba llena de ideas", asegura Stern. Las luces realzaban su piel transparente y su pelo de plata, las primeras arrugas bajo los ojos y los surcos de su boca. Y una marca en el costado, recuerdo fresco de una operación de vesícula. "Vi la cicatriz. Una imperfección que solo la hacía parecer más vulnerable y acentuaba la suavidad de su piel. Era de color champán, de color alabastro...Podías meter un dedo en su piel, como probar un merengue recién hecho".

Pero Stern no probó nada. "No discutimos de nada. Solo tomamos fotos, fue todo lo que hicimos", rememora por teléfono. Y descarta conspiraciones que aseguran que con la actriz había personal de seguridad e incluso algún miembro del clan Kennedy. "Estábamos nosotros, su peluquero y el hombre que le maquilló los ojos. Prefirió no llevar más maquillaje, solo se puso crema en la cara y el eye-liner. De su propio maquillaje". De fondo, All I have to do is dream, de The Everly Brothers. "Música de aquella época".

Hasta que amaneció. Monroe quedó contenta a medias con el trabajo. Ella misma tachó algunas de las pruebas de revelado que no la mostraban en la perfección deseada. Hay páginas con 24 negativos de los que se salvan apenas cuatro. A Vogue tampoco le convenció. ¿Y los vestidos y el glamour? Stern guardó sus inservibles contactos.

Modelo y fotógrafo se reencontraron con más ropa y una estilista para supervisar todo. Un vestido negro de Dior resaltaba la palidez de la estrella, que quiso jugar como la primera vez: peluca negra, camisa blanca, collar de perlas. Un abrigo de pieles que solo roza su cuerpo. Una cama medio deshecha. El mismo escaso maquillaje. Disparo a disparo, recuento final: 2.571 fotos.

"Su belleza estaba en su espíritu", explica él, con voz serena. "No creo que pudiera hacer una sesión así actualmente. La recreamos con Lindsay Lohan para New York Magazine, pero estaba copiando mis propias fotos. No hay nadie a quien desee fotografiar hoy. Las otras estrellas no son nada comparadas con Marilyn Monroe".

Cinco semanas más tarde, el mundo despedía a la chica de las tres botellas de champán. Ese 5 de agosto, Monroe llamó a Stern. "Nunca cogí esa llamada. Me lo contó alguien años después. Habría hecho todo lo que hubiera podido para ayudarla. Nunca imaginé ese final, jamás. Pensé que era feliz con su vida y su carrera", narra con abrumadora seriedad. Otras cinco semanas después salía Vogue, con 10 páginas sobre Marilyn, sus primeras en la revista y su despedida, apenas una muestra de esa intimidad. El resto aguardó 20 años en un cajón hasta que, en 1982, la revista Eros publicó las imágenes de esa Marilyn definitiva. Dieron la vuelta al mundo. La última sesión, la que comenzó con un encuentro entre dos desconocidos con cinco horas de retraso, un pañuelo transparente y una cicatriz se convirtió en la más sincera. Marilyn necesitaba sus 2.571 grandes despedidas.

Robert De Niro encarnará a Madoff en una película biográfica para televisión

2011-11-08T04:58:00.001-08:00

El exfinanciero neoyorquino fue condenado a 150 años de cárcel por la mayor estafa de la historia

De Niro, durante la rueda de prensa de su película Stone en el Festival de Cine de Toronto. foto:Reuters.fuente:elespectador.com

Robert De Niro interpretará a Bernard Madoff, condenado a 150 años de cárcel por la mayor estafa de la historia, en una película sobre la vida del exfinanciero neoyorquino que producirá el propio actor para el canal de televisión por cable HBO.

Así lo confirmó la portavoz de la cadena Nancy Lesser, quien añadió que el proyecto se encuentra en su fase inicial y tendrá como productores ejecutivos a De Niro y a su compañera Jane Rosenthal, de Tribeca Productions.

Lesser también indicó que del guión se encargará Jason Burnham Schwartz, autor de la novela "Reservation Road", llevada al cine en 2007 con el mismo nombre y protagonizada por Joaquin Phoenix.

El filme sobre Madoff estará basado en los libros "The Wizard of Lies: Bernie Madoff and the Death of Trust", de Diana Henriques, y "Truth and Consequences: Inside the Life of the Madoff Family", escrito por Laurie Sandell en colaboración con Andrew Madoff, el hijo menor de Bernard Madoff.

HBO -que recientemente adquirió los derechos sobre ambas obras- reveló el acuerdo una semana después de que varios miembros de la familia del exfinanciero, entre ellos Andrew y Ruth, todavía esposa del reo, decidieran romper su silencio coincidiendo con el lanzamiento del libro de Sandell.

Andrew Madoff aseguró que nunca sospechó de lo que tramaba su padre y no sabe si algún día podrá perdonarle, mientras Ruth señaló que cada día pasa más vergüenza por los crímenes que cometió su marido, al que ya no visita en prisión y junto al cual afirma que intentó suicidarse tras destaparse la estafa.

El expresidente del mercado tecnológico Nasdaq se siente más seguro entre rejas que paseando por las calles de Nueva York, según escribió en una carta enviada a su nuera y viuda de su hijo mayor Mark, quien manifestó por su parte que "le escupiría en la cara" a su suegro si volviera a tenerle cara a cara y le culpa el suicidio de su esposo.

Mark Madoff se quitó la vida el 11 de diciembre de 2010, justo al cumplirse dos años de la confesión y detención de su padre.

Madoff, de 73 años, mantuvo dos décadas un esquema Ponzi a través de la cual atrajo enormes cantidades de dinero a cambio de la falsa promesa de invertirlo y obtener elevadas ganancias, lo que hizo perder más de 65.000 millones de dólares a clientes en todo el mundo, la mayor estafa descubierta en la historia de Wall Street.

Los cuadernos del cine

2011-11-07T04:05:00.000-08:00

Cahiers Du Cinéma fue creada en Francia en los años cincuenta. Este año celebra su aniversario número 60 de revelar no sólo las imágenes de la gran pantalla sino las influencias de los contextos políticos, sociales y económicos de una época

Nicolas Azalbert pertenece a la nueva generación de críticos que publica en las página de Cahiers du Cinéma, Hace poco estuvo en Bogotá para celebrar los 60 años de la publicación. foto.fuente:elespectador.com

Una revista dedicada exclusivamente al cine. Una sexagenaria que ha consignado en sus páginas a los grandes, a los rebeldes, a los polémicos, emergentes y consagrados directores de cine que han marcado la historia de la gran pantalla.

Cahiers du Cinéma fue creada en 1951 por André Bazin, llamado el padre fundador de la crítica moderna . Desde sus inicios se caracterizó por ser una publicación de mirada incisiva y crítica, sin concesiones, en la que grandes plumas ofrecían sus puntos de vista sobre el cine de la época. El gran logro fue haberse establecido como una referencia mundial, tanto en el mundo de los lectores cinéfilos o de aquellos que simplemente querían aprender o saber algo sobre cine, como en el de los directores que al ver las buenas o las malas críticas se enorgullecían o se enfurecían.

Hugo Chaparro, escritor, crítico de cine y fiel asiduo de la revista confiesa que "la lógica y sus argumentos como deportes intelectuales en Francia, hicieron de Cahiers du Cinéma una publicación para acercarse al fenómeno de la pantalla con la pasión de los críticos que escribieron en sus páginas y se encargaron de que el cine fuera un asunto personal y pasional de vigor infatigable cuando se escribía al respecto".

Nicolas Azalbert, crítico actual de la revista y cineasta, estuvo de paso por Bogotá en el marco del Festival de Cine Francés en el que se celebró este aniversario. El Espectador lo entrevistó.

¿Qué significa trabajar para 'Cahiers du Cinéma'?

Es un privilegio porque la revista sigue siendo hoy en día la revista de cine más prestigiosa del mundo. Y también es una responsabilidad porque nos inscribimos en una historia y un pasado gloriosos. La herencia que nos toca es muy pesada y tenemos que estar a la altura de las expectativas.

¿Y qué significa para el inconsciente colectivo esta publicación?

Para la gente, la revista está asociada con la Nouvelle Vague (Nueva Ola) y los críticos de los años cincuenta que empezaron a filmar al principio de los sesenta (François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Claude Chabrol, Eric Rohmer). También está asociada con un nivel de reflexión sobre el cine que no tiene ninguna otra revista. Esta percepción de la revista, como muy intelectual, si le da prestigio, también la aleja de mucha gente que no la lee porque piensa que no la puede entender. Y es cierto que hubo algunos excesos en ese sentido. Por eso, desde hace dos años volvimos con el nuevo equipo de redacción a una forma de escritura más sencilla sin dejar de lado, por supuesto, el nivel de reflexión. Pero no hay que olvidar que lo importante es transmitir la pasión por el cine y no encerrarse en sí mismo.

A través de todos estos años, ¿se puede hablar de un hilo conductor predominante en la revista?

La revista sigue siendo fiel a un concepto fundado en los años cincuenta y que se llama "la política de los autores", en la que lo importante no es la película, ni el guión, ni los actores, ni el productor, sino el director. Existen directores que son, al igual que ciertos escritores, verdaderos autores. Es decir, artistas que desarrollan un estilo propio, un punto de vista sobre el mundo en cada película que filman. Estos autores pueden encontrarse también en Hollywood. La revista defendió a Alfred Hitchcock y a Howard Hawks cuando estaban considerados como realizadores de meros productos comerciales. Más recientemente pasó lo mismo con Tim Burton, Clint Eastwood o James Cameron, a quienes la revista reveló como autores.

¿Cuál es la época más significativa del cine francés?

Sigue siendo la de la Nouvelle Vague. Fue una revolución dentro del cine francés. Estos jóvenes directores expusieron por primera vez su cámara en las calles y filmaron con bajo presupuesto las preocupaciones de toda una generación. Esta época es la más significativa, pero no se repetirá nunca jamás. Es muy notable y preocupante darse cuenta de que Rohmer, quien desapareció el año pasado a los 89 años, permanecía como el cineasta más joven y más libre del cine francés.

¿Cuáles son los elementos básicos que debe tener un crítico de cine?

Debe tener una personalidad, una subjetividad que se note en sus artículos. Una crítica no es un análisis académico o universitario. Cuando leo una crítica, me interesa encontrar un estilo, unas preocupaciones, una mirada (hasta mala fe) propios del crítico. No leo una crítica para saber algo sobre una película sino para saber qué piensa X de tal película.

¿Qué implica que una publicación especializada ya cumpla 60 años?

Significa que ya pertenece a la historia y que de cierta forma es el reflejo de la historia. Basta leer viejos ejemplares para enterarse de lo que sucedió en diferentes épocas. El cine no se mantiene alejado de los contextos políticos, sociales y económicos de una época. Más bien es la expresión de ellos. Y si una revista, como siempre lo hizo Cahiers du Cinéma, logra acercarse a la esencia del cine, también puede dar cuenta de una época.

Todas las publicaciones tienen sus bajos y sus altos. ¿Cuál cree que ha sido o es la época gloriosa de la revista?

La gran época de la revista es sin duda la de los años cincuenta, porque existía un fervor para el cine que no existe más. En la época había que luchar para que el cine fuera considerado como un arte y así se inventaron las armas teóricas que sirven todavía hoy en día. Pero cada época tiene su desafío y a nosotros nos toca pensar el cambio de la imagen en 35 mm a la imagen numérica. Vamos a publicar un largo dossier sobre el tema en el número de noviembre.

Estuvo del otro lado de la cámara, en la dirección de una película. ¿Cómo recibió las críticas que le hicieron?

Las dos películas que dirigí no se estrenaron comercialmente, pasaron solamente en festivales. Así que no tuve mucha prensa. En general fueron bien recibidas. Pero como siempre sucede, uno se acuerda solamente de la única mala crítica que recibe. Y el hecho de que yo sea también crítico no impide que reaccione como los otros directores.

¿A quién admira en el mundo de la crítica del cine?

Serge Daney es para mí el último gran crítico de Francia. Fue jefe de redacción de la revista desde 1973 hasta 1981. Después escribió en el diario Libération sobre televisión y sobre tenis. Sus artículos son imprescindibles. Era un gran caminante, un gran viajero. Le encantaba viajar porque decía que necesitaba comprobar si lo que había visto en las películas era cierto. Fue él en gran parte quien me dio el gusto de la crítica y de los viajes.

¿Cree que hay que ser cineasta para hacer crítica de cine?

No es necesario empezar como crítico para filmar después. Es además una minoría la de los críticos que pasaron a la realización. Pero no veo muchas diferencias entre escribir sobre cine y hacer cine. Godard decía que cuando era crítico ya hacía cine. No se puede diferenciar la teoría de la práctica.

¿Qué otras publicaciones de cine le gusta leer o comprar?

En general, no leo revistas de cine. Porque no son muchas y menos buenas. Sigue existiendo Trafic, la revista que fundó Serge Daney en 1991. Pero después de su muerte, en 1992, y con el tiempo la revista se volvió muy universitaria. Para un crítico, me parece más importante leer literatura, filosofía, ensayos, que escritos sobre cine. Le permite ampliar su campo de conocimientos y eso enriquece su mirada sobre el arte.

¿Qué tipo de cine defiende?

En el cine, me gusta particularmente lo invisible. Lo que no se filma pero que sin embargo está presente en una película, entre los planos, a partir del trabajo del montaje. Me gustan las películas que dejan al espectador un lugar para pensar y que le dan un puesto de codirector. Una película se proyecta en una pantalla pero al mismo tiempo se proyecta en la mente del espectador. Así que una película es, para mí, el encuentro de estas dos proyecciones. Más allá de eso, me interesa en particular el cine argentino, porque tuve la suerte de vivir seis años en Buenos Aires en el momento de la emergencia del "Nuevo Cine Argentino".

Algunas publicaciones memorables

Este fue el primer número de la revista (abril de 1951).
El No. 412 (octubre de 1988) fue el primero que Nicolás Azalbert compró.
El No. 458 (julio/agosto de 1992) fue un homenaje a Serge Daney, el gran crítico francés.
El No. 550 (octubre de 2000) fue el número en el que Azalbert escribió por primera vez.

La nueva película de James Bond comienza a rodar

2011-11-04T08:03:00.000-07:00

Este jueves se presentó en Londres el rodaje de la nueva película de James Bond, que será encarnado por tercera vez por el actor Daniel Craig.

En el filme, titulado "Skyfall", el actor británico se pondrá a las órdenes del director Sam Mendes.

Craig estará acompañado, entre otros, por el español Javier Bardem, que interpretará el papel de villano, y la actriz Judi Dench, que volverá a ponerse en la piel de "M", la dura jefa del los servicios secretos británicos.

Un viaje por el universo de Ingmar Bergman

2011-11-02T05:47:00.001-07:00

A lo largo de una trayectoria de 60 años, Bergman escribió, produjo y dirigió cincuenta películas que definieron la concepción del individuo sobre sí mismo y su interactuación con las personas a las que ama

Ingmar Bergman: Como en un espejo Fnac expone una muestra de imágenes prácticamente desconocidas que repasa la vida y obra del genio sueco.foto.fuente:lainformacion.com

Bajo el título 'Ingmar Bergman: Como en un espejo' Fnac expone una muestra de imágenes prácticamente desconocidas que repasa la vida y obra del genio sueco, faro del séptimo arte. La exposición, que puede visitarse del 2 al 20 de noviembre en el Fórum de Fnac Sevilla, constará de veinte imágenes extraídas del libro 'Los archivos personales de Ingmar Bergman', de la editorial Taschen.

Desde 1957, año en el que realizó 'El séptimo sello' y 'Fresas salvajes', Ingmar Bergman ha sido una de las principales figuras del cine internacional. A lo largo de una trayectoria de 60 años, Bergman escribió, produjo y dirigió cincuenta películas que definieron la concepción del individuo sobre sí mismo y su interactuación con las personas a las que ama, en películas como 'Persona', 'Secretos de un matrimonio' o 'Fanny y Alexander'.

La muestra recoge una serie de imágenes poco conocidas de sus películas y rodajes. Entre otras, fotografías de Bergman ensayando y conversando con sus actores durante el rodaje de 'El séptimo sello', descansado en el set de 'Port of Call', dirigiendo enérgicamente la versión televisiva de 'The Bacchae' e, incluso, bromeando en el vestíbulo del 'Royal Dramatic Theater'.

Antes de su muerte en 2007, Bergman concedió a los coeditores Taschen y Max Ström el completo acceso a sus archivos en la Fundación Bergman y la autorización para reeditar sus escritos y entrevistas. Los editores Paul Duncan y Bengt Wanselius recopilaron documentos del Swedish Film Institute, de la Svensk Filmindustri, de la Sveriges Television y del Royal Dramatic Theatre, así como de otras muchas instituciones, editoriales y periódicos, haciendo de éste el libro más completo jamás publicado sobre Ingmar Bergman.

El cine frustrado de Gabo y Buñuel

2011-10-31T05:14:00.000-07:00

García Márquez envió dedicada al director una sinopsis de una comedia titulada Es tan fácil que hasta los hombres pueden, pero nunca llegaron a rodarla

Acapulco, 1965: Gabriel García Márquez (con gafas, sentado), Luis Alcoriza, sentado a la izquierda, y, a su derecha, Luis Buñuel.

Luis Buñuel, a la izquierda, con Gabriel García Márquez, en una fotografía perteneciente al archivo del cineasta. fotos.fuente:elpais.com

"Para Don Luis, cordialmente...". Don Luis era Buñuel. El autor de la dedicatoria, Gabriel García Márquez. Dos genios del siglo XX. El objeto en cuestión: una sinopsis de comedia entre alegre, surrealista y ligera titulada Es tan fácil que hasta los hombres pueden. ¿El deseo del autor? Seducir al maestro para que la rodara. ¿El resultado? Papel mojado.

Pero existió. Y la copia inédita reposa en el archivo del cineasta que ahora custodia la Filmoteca Española. Javier Herrera, bibliotecario y experto en Buñuel, que ya dio cuenta de su existencia en la revista Litoral, lo ha estudiado ahora a fondo y ha llegado a una clara conclusión. "Es muy probable que intentaran hacer algo juntos", asegura. Una pena que no surgiera.

Corría el año 1962. Gabriel García Márquez no era todavía Gabriel García Márquez para el mundo. Había publicado un par de novelas, La hojarasca y El coronel no tiene quien le escriba, un puñado de cuentos y trabajaba por entonces en La mala hora. Se ganaba las gachas con encargos que iban desde el destajo periodístico a los guiones de cine. Buñuel, en cambio, ya era Buñuel. Desprendía de lejos y de cerca esa estela mítica donde se adivinaba al iconoclasta irredento. Era toda una leyenda a quien veneraban los jóvenes talentos del momento a ambas orillas del Atlántico. Vivía exiliado por entonces en México, el país más surrealista del mundo, según su amigo André Breton, donde le dejaban hacer el cine que le daba la gana.

Ambos compartían vino, dry martinis, comidas, tertulias y amigos como Carlos Fuentes o Luis Alcoriza. Este último, guionista de Buñuel durante toda la etapa mexicana, fue el nexo cinematográfico. Con él, García Márquez también trabajó a fondo.

La historia era sencilla y sin pretensiones. García Márquez se la había dedicado a Janet Riesenfeld, la esposa de Alcoriza, para quien seguramente había imaginado uno de los tres papeles femeninos protagonistas: tal vez el de Licha, "la más guapa", señala él mismo en la sinopsis.

Empieza así: "Tres chicas guapas, alegres, emprendedoras, que, a pesar de ser primas hermanas no se conocen entre sí ,llegan a la capital desde distintos lugares de provincia, ilusionadas con la noticia de que su tío solterón les ha dejado una herencia...".

Las muchachas han dejado casi todo y se han metido en préstamos pensando que iban a heredar el dorado. Pero caen del burro cuando comprueban su fortuna. Una gasolinera cochambrosa, situada, para colmo, en una calle de escaso tránsito. Según Herrera, se trataba de un proyecto muy feminista: "El propio título lo indica". El desarrollo también. Porque las chicas sacan el negocio adelante mediante todo tipo de follones, triquiñuelas y hasta escándalos públicos.

Resulta una incógnita irresoluble para el arte universal lo que hubiera salido de aquella combinación. La posteridad y sus admiradores en todo el mundo puede que hoy lamenten que no llegara a concretarse. El cineasta lo guardó en su archivo, todo un síntoma. Pero por aquel entonces andaba metido en El ángel exterminador.

Ahora, en manos de Buñuel, aquella historia disparatada propuesta por el escritor colombiano podía ser oro. Además de El ángel exterminador, don Luis vivía la promoción de otro de sus éxitos internacionales y sus coqueteos con un deseado regreso a España. Respecto a eso, el historiador de cine Román Gubern recuerda todavía cuál fue la reacción de Ricardo Muñoz Suay cuando recibió el guion de aquella película en cuestión, la que le proporcionaría parte de sus sueños: "Es una historia blanca sobre una novicia. Me parece una mierda, pero siendo de Luis, la película estará muy bien". Era Viridiana.

Quien sí lamenta que no cuajara lo de García Márquez es Carlos Fuentes. "En el caso de Buñuel, hacer una lista de lo que no hizo supone sumar más cosas de las que hizo", asegura. "Él fue una gran influencia para nosotros, sobre todo en Gabo y en mí, que íbamos a verlo constantemente".

Sin olvidar a Alcoriza, quien fue el absoluto lazo de unión. Cuando García Márquez recaló en México, el guionista y director español le ayudó mucho. Aterrizó en el país latinoamericano al estallar la guerra. Escapó al sentirse señalado por pertenecer a una familia de cómicos de la legua con fuertes convicciones republicanas. Una vez en México destacó como actor y se hizo famoso al interpretar a Jesucristo -cosa nada habitual en la época, algo cercano al sacrilegio para muchos- en María Magdalena, pecadora de Magdala y Reina de reinas: la virgen María.

Como guionista fue fundamental en la etapa mexicana de Buñuel. Javier Herrera lo resalta: "Era un gran dialoguista, conocedor del habla de los bajos fondos. Algo crucial para Buñuel, porque en México estuvo demasiado encerrado, no se llegó a adaptar y desconocía esos ambientes".

Pero allí estaba Alcoriza para dar voz y habla a las criaturas desheredadas de Los olvidados, a la cegadora neurosis del celoso en Él y a los aterrados burgueses de El ángel exterminador. "Siempre reconoció a un padre en Buñuel, un maestro en la vida y en su trabajo, pero, después, en su cine, llegó a ser mucho más radical en ciertos aspectos que su mentor", apunta Herrera.

Si Buñuel era padre, García Márquez fue hermano. Y siempre tiraba de ambos para que le alumbraran con ideas y sugerencias. Alcoriza debió alentar a fondo la idea de que colaboraran juntos. Otro rastro descubierto por Herrera ha sido la huella que los dos dejaron en otro proyecto fallido: la adaptación de La casa grande, una novela de Álvaro Cepeda Samudio, amigo de García Márquez.

En el cuaderno donde Alcoriza, cuyo archivo también está en la Filmoteca, desarrolla la historia, el cineasta anota: "Hemos pensado que la obra debe pasar por manos de Buñuel, que haga una crítica severa, pero no gratuita, sino sugiriendo soluciones o mejoras. Lo mismo sucede con Gabo, creador de ese mundo. Tiene que leerla y dar opiniones e ideas. Él mismo se ofreció de motu propio. Es más, creo que sería magnífico que en un momento oportuno, cuando las cosas empiecen a caminar solas, vaya a Barcelona 3 o 4 días para hablar largamente con él y mejorar el guion".

Película que cuestiona autoría de Shakespeare desata polémica en Londres

2011-10-26T05:50:00.001-07:00

Anonymous, de Roland Emmerich, lo describe como un actor borracho y analfabeto

Tráiler de "Anonymous", película de Roland Emmerich en la que muestra a William Shakespeare como un actor borracho y analfabeto. videoclip:youtube.com.fuente:elespectador.com

La película "Anonymous", que cuestiona la autoría de William Shakespeare y lo describe como un actor borracho y analfabeto, ha desatado la polémica en el Reino Unido tras su estreno en el Festival de Cine de Londres.

La cinta, dirigida por el alemán Roland Emmerich y protagonizada por Rhys Ifans y Vanessa Redgrave, ha enfurecido a la fundación Shakespeare Birthplace, que ha decidido optar por una respuesta drástica y tachar el nombre de Shakespeare de señales de tráfico y carteles de pub en protesta por lo que considera "una manipulación de la historia y la cultura inglesa".

La campaña de la organización del condado de Warwickshire, que promueve el estudio de su ciudadano más célebre, pretende hacer reflexionar de esa forma sobre cómo sería el mundo sin el más grande dramaturgo inglés, que escribió 37 obras de teatro y 154 poemas.

La película de época de Emmerich, director de súper producciones de Holywood como "Independence Day" y "The Day After Tomorrow", sostiene que fue Edward de Vere, barón de Oxford, y no Shakespeare es el autor de "Hamlet", "Romeo y Julieta" o "Titus Andronicus".

Según la cinta, que reconoce no estar basada en hechos probados, Shakespeare era un actor borracho y analfabeto que empezó a firmar las magistrales obras del barón de Oxford, que escribía de manera anónima para evitar la censura de la Corte, después de amenazarle con revelar su identidad.

"Esta película contradice un montón de hechos históricos, pero con ella se corre el riesgo de que gente que nunca ha cuestionado la autoría de Shakespeare pueda ser engañada", denunció Paul Edmondson, responsable de la fundación Shakespeare Birthplace.

En la campaña de protesta contra la polémica película han participado un total de diez pubs de Warwickshire, que han ocultado la palabra Shakespeare de sus letreros, incluido uno en la localidad de Welford donde se cree que el bardo tomó su último trago.

Además, miembros de la fundación han tachado el nombre de Shakespeare en todas las señales de tráfico que dan la bienvenida al condado del dramaturgo inglés mientras un memorial en su nombre ha sido tapado con una sábana en su localidad natal, Stratford-upon-Avon.

Los críticos británicos de cine no se han sentido tan ofendidos por la reversión histórica de Emmerich y, a pesar de no compartir su gusto por los excesos visuales y su falta de sutileza de unas escenas realmente violentas, reconocen el trabajo de los actores y que la cinta es muy entretenida.

Muchos mitos y algunas verdades sobre "Desayuno con diamantes"

2011-10-22T04:16:00.001-07:00

La adaptación que Blake Edwards hizo de la novela de Truman Capote cumple 50 años sin haber perdido ni un ápice de su encanto. En estas cinco décadas Desayuno con diamantes se ha convertido en una película emblemática plagada de escenas míticas que poco o nada tienen que ver con la obra original

El vestido de Audrey Hepburn, un icono de la moda. fotos.fuentes:lainformacion.com,youtube.com

¿Amistad o amor?

Desayuno con diamantes es, básicamente, una película romántica. Paul se enamora de Holly a primera vista y lucha por conquistarla pese a no ser tan rico como a ella le gustaría. Sin embargo, esta romántica relación es un invento también del cine, ya que en la novela de Capote lo que les une es más un lazo de amistad. De hecho, el personaje de Paul en el libro reconoce estar enamorado de Holly pero como lo estaría de una familia de vecinos o del cartero. Una curiosa comparación la suya.

El pegadizo estribillo de Moonriver, la bonita historia de amor entre Holly y Paul, ese final apoteósicamente romántico… Son imágenes, escenas, que todo aquel que ve Desayuno con diamantes recuerda. Sin embargo, muchas de ellas fueron una invención del cine, que cogió una obra más compleja e intrincada para dar a luz a uno de los romances más tiernos que se han visto en la pantalla. En el día que se cumplen 50 años de su estreno, un repaso a esos mitos construidos por el séptimo arte que nunca existieron en la novela de Truman Capote.

Holly, ni tan dulce ni tan inocente

El personaje que dibujó Blake Edwards solo conserva un ligero parecido con el que pintó Truman Capote en su novela. En realidad, el descrito en la obra es mucho más egoísta y egocéntrico que el de la película. En esta, el rostro de Audrey Hepburn, su voz, su frágil figura y su voz contribuyen a rodearla de un halo de inocencia y fierecilla salvaje que no quiere ser domada. También contribuyó a formar esa imagen el hecho de que el guión prescindiese de algunos pasajes como la pérdida del bebé que Holly espera de José, la forma en la que ocurrió y cómo se aprovecha de su compañera de piso.

El final de Capote no es ‘made in Hollywood’

La película opta por un epílogo ‘made in Hollywood’ que no tiene nada que ver con el final elegido por Capote. Primero no hay ningún anillo y ninguna incisión hecha en Tiffany’s, En realidad, los dos protagonistas nunca van juntos a Tiffany’s en el libro. Segundo, Holly abandona su gato en uno de los barrios más pobres y peligrosos de la ciudad y en ningún momento vuelve a buscarlo. Tercero, Holly no se queda en Nueva York, sino que se marcha a América Latina en busca de un hombre rico que la mantenga. Misión que, como no, consigue llevar a cabo. La postal con la que en el libro Holly da por última vez noticias de sí llega desde Argentina donde dice tener a un “Señor” pegado a la cadera. Nada de lluvia, gatos y promesas de amor eterno.

La elegancia de Holly, nunca fue tal

En el libro no hay rastro del elegante vestido negro diseñado por Hubert de Givenchy, todo un icono de la moda y del cine, con el que Audrey Hepburn aparece en la primera escena de la película: la primera vez que el personaje de Holly Golighly se asoma en el libro lleva un fresco vestido negro, unas sandalias a juego y un collar de perlas. Además, su estilo en la obra de Truman Capote es mucho menos femenino que en la película: lleva el pelo “cortado a lo chico” con mechas de diferentes tonalidades de rubio y unas grandes gafas de sol detrás de las cuales esconde una mirada ligeramente bizca.

La oscarizada Moonriver, un icono creado por el cine

Tanto en el libro como en la película, Holly suele tocar la guitarra sentada en la escalera de incendios, pero en la obra de Capote no aparece la canción Moonriver, con su estribillo oscarizado y pegadizo, sino una extraña canción que sabe “a pinar y a paradera” y que dice “No quiero dormir, no quiero morir, sólo quiero seguir viajando por los prados del cielo”. Es esta canción la que Holly toca hasta el anochecer.

Paul, de narrador a coprotagonista

En esta escena, Paul Varjak entra en la fiesta llevando su primer libro en la mano. En realidad, en el libro, no se menciona en ningún momento el nombre y el apellido del protagonista masculino, ni es un escritor afirmado – sino que, al contrario, celebra la publicación de su primer cuento en una modesta revista universitaria – ni tampoco existe una decoradora que lo mantiene como amante. En el libro es el narrador de la historia de Holly. En la película gana en protagonismo y se convierte en el galán.

Nueva York también es un personaje

Si hay algo en lo que coinciden casi milimétricamente la novela y la película es en tener a la ciudad de Nueva York como un protagonista más de la historia. Esos paseos de los protagonistas, esos edificios, Tiffany’s… Lo que sí varía es la época retratada. En la obra de Capote los hechos transcurren en 1943, siendo durante la Segunda Guerra Mundial cuando muere Fred, el hermano de Holly. Sin embargo, la película se lleva la acción a los sesenta. Se estrenó en 1961 y en ella se hace mención a que el libro publicado por Paul fue lanzado en 1956.

La lista de Schindler no está completa

2011-10-21T08:46:00.001-07:00

El héroe antinazi negoció en los sesenta con la Metro un filme sobre su vida que iban a protagonizar Romy Schneider y Richard Burton

Imagen del filme de Spielberg, en el momento que Oskar confecciona la lista. foto.fuente:abc.es

Steven Spielberg «no fue el inventor» de la película «La lista de Schindler», sino que el propio Oskar Schindler intentó que Fritz Lang rodara su historia y llegó a firmar un acuerdo con la Metro-Goldwyn-Mayer para escribir un guión con Romy Schneider y Richard Burton como protagonistas.

Así lo ha contado hoy la heredera y albacea de Oskar Schindler, la escritora y periodista argentina Erika Rosenberg, quien ha explicado en el Colegio Alemán de Las Palmas de Gran Canaria lo que no cuenta la producción estadounidense, en la que «por no pagarle derechos» y por «el machismo de Hollywood», se omite que Emilie Schindler participó junto a su marido en la salvación de 1.200 judíos de las ejecuciones nazis.

Según la confesión que le hizo hace tres semanas Branko Lustig, el productor de «La lista de Schindler», la figura de Emilie Schindler, quien ayudó a su marido y llegó a salvar en 1945 la vida a 120 personas que viajaban en un transporte para ser ejecutados, «no era rentable» para Hollywood, «que siempre ha necesitado presentar un hombre en la pantalla».

«Hasta la última hora»

La escritora entiende que la esposa del industrial alemán «no sirviera» para los objetivos de la producción estadounidense «porque era demasiado católica, decente y buena», si bien ha garantizado que el contrato que el matrimonio Schindler firmó en 1963 con la MGM para hacer la película originaria, que debió llamarse «Hasta la última hora» y de la que percibirían el cinco por ciento de sus derechos, daba un papel relevante a Emilie.

Tanto era así, ha destacado, que la MGM escogió a una «diva» como Romy Schneider para que encarnara a Emilie Schindler y a Richard Burton para que hiciera de Oskar.

A pesar de lo avanzado que estaba el proyecto, «se cayó» en 1967 por causas que Rosenberg desconoce y sin que el matrimonio llegara a «recibir ni un centavo».

Sin embargo, en su intento por recuperar el guión que había escrito, que consideraba «un pequeño triunfo en su vida» Oskar Schindler contactó en repetidas ocasiones por carta con la persona que mediaba entre él y la MGM para tratar las cuestiones relativas a la fallida película.

Oskar Schindler murió en 1974 y el guión y los derechos del contrato se vendieron a espaldas de Emilie Schindler, su heredera universal, y fue a parar a manos de uno de los judíos de la lista, llamado Pfefferberg, que era la persona que mediaba entre Schindler y la MGM.

Los derechos, para uno de la lista

Rosenberg ha explicado que Pfefferberg vivía por entonces en Los Ángeles, donde regentaba un negocio de cuero. Un día entró en su tienda Thomas Keneally, el autor de «La lista de Schindler», al que le propuso hacer un libro con los datos del guión que poseía, algo que aceptó el escritor australiano, aunque «manipuló» algunos datos, al dar a entender que Emilie Schindler había muerto cuando se terminó de escribir la publicación.

Sin embargo, Emilie, que nunca se divorció de Oskar, fue invitada en 1993 por Steven Spielberg a asistir al rodaje de la última escena de «La lista de Schindler», pero en calidad de «sobreviviente judía que fue salvada por Oskar Schindler».

Estando en Jerusalén, adonde en un principio no quiso viajar por la indignación que le causó esta invitación, aunque finalmente acudió acompañada por Erika Rosenberg, Emilie fue reconocida en una gala previa al rodaje por «el doctor Dresner», uno de los judíos de la lista, «como la salvadora de su madre», uno de los 120 judíos que viajaban en el transporte que la esposa de Schindler «salvó de la muerte segura en 1945».

La sonrisa de Spielberg

Cuando supo quién era, Spielberg se acercó unos metros a la mesa donde se sentaba Emilie, le sonrío y se dio media vuelta, ha aseverado hoy Rosenberg.

De vuelta de su viaje a Israel, y dados sus problemas económicos, Emilie decidió reclamar sus derechos a Spielberg y a la Universal al enterarse del éxito de «La lista de Schindler».

Ayudada por una consultoría de Estados Unidos, que puso a su disposición gratuitamente a sus abogados, inició un proceso en 1996, al que los demandados respondieron en 1999 alegando, con pruebas, que la película arrojaba unas pérdidas de 13 millones de dólares y que Emilie no tenía derecho a ninguna ganancia porque se había divorciado de Oskar, cosa que no era verdad.

Ante ello, la esposa decidió no seguir con el juicio porque le hubiera costado 100.000 dólares que no tenía y el 5 de octubre de 2001 murió con la última voluntad de ser enterrada en Alemania, según consta en su testamento, del que Erika Rosenberg es albacea.

Hace tres semanas, la albacea de los Schindler coincidió en un evento literario celebrado en Braunau am Inn (Austria), donde nació Hitler, con Branko Lustig, el productor de «La lista de Schindler», quien le confesó que habían filmado la escena de cómo Emilia salvó a las 120 personas que viajaban en el transporte, «pero que la habían sacado porque no era rentable»

La secuela de "El Código Da Vinci" tiene nuevo director

2011-10-20T06:23:00.001-07:00

Mark Romanek es el elegido para sustituir a Ron Howard al frente de El símbolo perdido

Audrey Tatou y Tom Hanks protagonizaron El Código Da Vinci. foto.fuente:abc.es

Mark Romanek es el elegido para sustituir a Ron Howard al frente de la franquicia que lleva al cine las aventuras del profesor Robert Langdon en las novelas escritas por Dan Brown. «El símbolo perdido» continúa con el universo de «El Código Da Vinci» y «Ángeles y Demionios», dos películas que en su día dirigió Ron Howard.

Las intenciones de Sony -propietaria de los derechos cinematógraficos- eran que Howard repitera en la tercera película, pero recientemente el cineasta anunció que renunciaba a dirigir el proyecto y que sus labores se limitarían a las de productor. Poco ha tardado la productora en mover ficha y ha puesto sus ojos en Mark Romanek («Nunca me abandones»), según informa «Deadline», que también apunta que el acuerdo no se ha cerrado todavía. Con quien sí espera contar Sony de nuevo es con Tom Hanks, que ha encarnado al profesor Langdon en las dos películas anteriores.

Publicada seis años después del último libro de Brown, «El Símbolo Perdido» vuelve tras los pasos del profesor de Harvard Robert Langdon. En esta ocasión, el protagonista se sumerge en el mundo secreto de los masones y sus rituales a lo largo de doce horas en un thriller de 600 páginas ambientado en Washington.

Dan Brown, guionista

La adaptación de las dos anteriores obras de Brown recaudaron 1.240 millones de dólares en la taquilla mundial para Sony. Pero ésta será la primera vez que Dan Brown escribirá los guiones. Akiva Goldsman adaptó «El Código Da Vinci» y coescribió «Ángeles y Demonios» con David Koepp.

Al parecer, el primer boceto del libreto de «El Símbolo Perdido» ya fue encargado a Steven Knight, guionista nominado al Oscar por «Promesas del Este». Tomando este trabajo como base, Dan Brown será quien reescriba el guión y dé las pinceladas a la versión definitiva.

El fabuloso mundo de Amélie

2011-10-19T05:32:00.000-07:00

¿Supongo bien si supongo que todos ustedes han visto la peli El fabuloso mundo de Amélie, que estuvo a punto de alzarse con el Oscar al mejor filme extranjero del año 2001?

El fabuloso mundo de Amélie. película francesa de Jean-Pierre Jeunet.foto:internet.fuente:elespectador.com

Pero si fuese así que algunos de ustedes no la conocieran, pues no importa. Porque de lo que quiero hablarles no es de la película sino de un epifenómeno relacionado con ella.

Lo de epifenómeno, por favor, no debe despistarles. No soy un filósofo, para quienes los epifenómenos son fenómenos secundarios o adicionales, ni tampoco soy médico, quienes entienden como epifenómenos ciertos síntomas secundarios o accesorios. Sencillamente soy un periodista que a veces se enamora de algunas palabras. Epifenómeno, en mi caso, es una de ellas.

Y ocurre que el fenómeno secundario o adicional derivado de la película El fabuloso mundo de Amélie es que todos los que, después de verla, viajamos a París, no pudimos ni quisimos resistir la tentación de visitar los lugares donde transcurre su acción.

Tomamos el metro hasta la estación Blanche, entre Pigalle y Clichy, y salimos justo frente a la entrada a la rue Lepic, que es de las se empinan hasta la colina de Montmartre; y una vez caminando por la calle Lepic descubrimos a la izquierda la Brassería de los dos Molinos, donde Amélie se desempeña como camarera, y un poco más arriba, en la acera opuesta, la carnicería donde se expende carne equina, con su muestra que es la cabeza de un caballo a la cual le falta la oreja derecha, y algo más arriba, luego de torcer a la derecha y seguir subiendo a la izquierda por una callecita de cuyo nombre no logro acordarme, la suntuosa tienda de hortalizas, frutas y legumbres que ocupa toda una esquina y es uno de los lugares clave de la película, a escasos metros de la place de Tertre, donde los turistas se arremolinan alrededor de los pintores callejeros, y algunos hasta se dejan caricaturizar por ellos e incluso les pagan de buena gana por la caricatura, una subespecie de masoquismo a la que nunca fui proclive.

Cuatro veces he estado en París desde que vi El fabuloso mundo de Amélie, y de las cuatro he peregrinado tres a ese mundo. La última fue el 10.1.2008, con Rocio Arias Hofman y Andrés Hoyos, y así quedó reflejado en mi diario: «Pasamos a dejarle correo de El Malpensante a Jean-Claude Carrière, que está ausente de París, y de su casa estamos a un tiro de piedra de la Place Blanche, así pues una ocasión que ni pintiparada para hacer el recorrido de la película La fabulosa vida de Amélie. Y allá vamos, rue Lepic arriba, a la brasería Los Dos Molinos, donde entramos a tomar café para descubrir lo que debe saber todo turista desprevenido: que el café de esa brasería no es de la mejor calidad (para decirlo caritativamente), y que además el espacio interior del local ya no es el de la peli, se descangayó al desaparecer el mostrador y los estantes del Tabac. Sic transit!»

De todos modos, e incluyendo la inevitable cuota de desilusiones, es así como uno va juntando escenarios del imaginario universal.

En mi caso es un museo íntimo, muy personal, en el que figuran el apartamento secreto junto a la Westerkerk, en Amsterdam, donde se escondiera la familia de Anna Frank y ella escribió su diario; y la fábrica de tabacos de Sevilla, que vio los afanes laborales de Carmen y las horas perdidas estudiando abogacía por quien les habla, pues desde los años 50 la fábrica se convirtió en Universidad Hispalense. En ese museo íntimo y muy personal se cuenta también uno de los barrios más peligrosos de São Paulo, donde se desarrolla la excepcional novela Cero, del brasileño Ignacio de Loyola Brandão: menos mal que iba en su compañía, que es algo así como recorrer el infierno de la mano amiga y protectora de Virgilio. Y en ese museo íntimo y muy personal, pongo un quinto ejemplo, figura también mi recorrido por las calles de Dublín el 16 de junio de 1979, cuando se cumplían 75 años del día en que transcurre la acción del Ulises de Joyce, en una época en que la municipalidad de la capital irlandesa aún no lo había descubierto y prostituido como tour turístico.

En fin, y para terminar, atesoro también la visita de otros lugares absolutamente inolvidables pero cuya relación haría estallar las costuras de este post. Sin embargo no quiero cerrarlo sin decirles cuánta vida necesitaría todavía para visitar algunos escenarios que me faltan: el zaquizamí de Raskolkinov en Crimen y castigo; la isla de Juan Fernández, donde se fraguó la epopeya de Robinson Crusoe; las calles de Nueva Orleans montado en un tranvía llamado Deseo; el sanatorio de Davos donde Hans Castorp le propina a Clawdia Chauchat, en La montaña mágica de Thomas Mann, la declaración de amor más bella de la historia de la literatura; y para equilibrar la balanza con otro quinto ejemplo, les confieso que algún año quisiera pasar el Día de los Difuntos nada menos que en Comala, y a lo mejor hasta matizando un mezcalito con Pedro Páramo.

Sea como fuere, me consuelo pensando que al menos ya he recorrido, a cambio, muchas veces, la extensión más inhóspita y más hospitalaria: La Mancha de mi señor Don Quijote. Vale.

Javier Bardem encarnará a villano en próxima película de James Bond

2011-10-12T06:32:00.001-07:00

El actor español confirmó su participación en el filme que se estrenará en 2012

''Estoy muy entusiasmado porque mis padres me llevaban a ver las películas y las vi todas, así que interpretar al villano va a ser divertido'', dijo el actor.
foto: AFP.fuente:emol.com

El actor español Javier Bardem ínterpretará al villano de la próxima película de la saga de James Bond, que se estrenará en el 2012.

Bardem confirmó los rumores de este papel en el programa "Nightline" de la cadena estadounidense ABC News.

"Estoy muy entusiasmado porque mis padres me llevaban a ver las películas y las vi todas, así que interpretar al villano va a ser divertido", dijo Bardem. "Me eligieron para interpretar a este hombre, pero no puedo dar muchos detalles", añadió.

Bardem, casado con la actriz española Penélope Cruz, ganó el Oscar a mejor actor secundario con un papel antagónico en la cinta de los hermanos Coen "Sin lugar para los débiles".

La próxima película sobre al agente secreto 007, que se llama por el momento "Bond 23", se estrenará en noviembre del 2012.

Noventa latigazos y cárcel: el precio de ser actriz en Irán

2011-10-11T06:25:00.001-07:00

Marzieh Vafamehr ha sido condenada por su papel en Mi Teherán a subasta

Imagen del filme Mi Teherán a subasta, con Marzieh Vafamehr.foto.fuente:elpais.com

"La película tiene una directora y un productor. ¿Por qué no los castigan a ellos? ¿Por qué solo retienen a mi esposa?". Esta queja salía de la boca del director de cine iraní Nasser Tagh-vai tras conocer la detención de su mujer, la actriz Marzieh Vafamehr. Tres meses más tarde su pregunta sigue sin respuesta, pero el castigo de su esposa ya ha sido dictaminado por el juez: 90 latigazos y un año de prisión. El crimen: actuar en Teherane man haray (Mi Teherán a subasta), de Granaz Moussavi, una película que explora los límites de la libertad de expresión en Irán. Su abogado apelará la sentencia.

Vafamehr es la única condenada por el largometraje, que narra las dificultades de una artista teatral iraní que se ve obligada a vivir en la clandestinidad para poder expresar su obra. La actriz aparece en varias ocasiones con la cabeza afeitada y sin pañuelo islámico en la película, que tiene de fondo la opresión cultural que sufre la sociedad iraní y algunos tabúes como el consumo de drogas. El filme, de 60 minutos, fue producido hace cuatro años por Granaz Moussavi, una ciudadana iraní residente en Australia como parte de sus tesis doctoral. En ella participaron estudiantes y actores, con el permiso del Ministerio de Cultura y Orientación Islámica. A pesar de estar prohibida su proyección en el país, ganó numerosos premios internacionales y llegó a presentarse en el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de 2010, al igual que en el certamen de Toronto en 2009.

Según las declaraciones del marido de la actriz a la web opositora Kalemeh.com, el filme, que se rodó en el verano del 2008 en Teherán "sin dificultades", llegó a Irán por vías desconocidas, lo que desencadenó varios arrestos que comenzaron en julio de este año. Según Taghvai, "antes se vendía a 12.000 riales [algo más de un dólar] y ahora, debido al proceso, a 70.000 riales [unos seis dólares]". Se desconoce a ciencia cierta por qué los demás participantes de la película han sido liberados y Vafamehr continúa en prisión. Sin embargo, una cosa está clara: la presión sobre los artistas, en especial sobre las mujeres cineastas o actrices, ha aumentado en los últimos meses en Irán y varias de ellas han sido detenidas, procesadas y condenadas a diversas penas.

Según Kalemeh.com, el abogado de Vafamehr ya ha interpuesto un recurso contra la sentencia. Mientras tanto, la actriz acumula meses en la prisión de Garchak, en Baramin, en la provincia de Teherán, un antiguo gallinero que, según su marido, no reúne las condiciones mínimas de habitabilidad.

Mientras tanto, el Gobierno sigue deteniendo cineastas. Cuando aún colea en el mundo cinematográfico la indignación por la condena a seis años de cárcel y la prohibición de hacer cine a los directores Jafar Panahi y Mohammad Rasoulof, en septiembre otros seis cineastas independientes fueron detenidos tras ser acusados de dar información "negativa para Irán" al servicio en farsí de la BBC. Dos de ellos, Nasser Saffarian y Mosen Shahrnazdar, fueron liberados el sábado.

El Páramo, película colombiana, participará en los premios Goya

2011-10-11T06:07:00.001-07:00

El filme participará en la categoría de mejor largometraje iberoamericano en el evento realizado por la Academia de Cine de España

Con una de las mejores aperturas en taquilla para el Cine Colombiano reciente, la película El Páramo llegó al público nacional desde el pasado viernes 07 de septiembre. La importante cifra de 45.000 espectadores que logró en tan solo tres días de estreno, habla de la fuerza con la que entra este filme en la cartelera y basta ver los comentarios de los espectadores en las redes sociales, para percibir el buen boca a boca que suscita desde ya El Páramo dentro del público colombiano. Pero el éxito no termina allí, este mismo fin de semana, se dio a conocer que será la producción que representará a Colombia en los Goya.

Este fin de semana, en pleno estreno de la película en las salas de cine en toda Colombia, la Academia Colombiana de Artes y Ciencias Cinematográficas, bajo la dirección del cineasta Lisandro Duque, dio a conocer la elección del filme El Páramo como la película que representará a Colombia en los Premios Goya 2012 de la Academia de Cine Español, optando por una de las nominaciones para Mejor Película Iberoamericana.

Para Federico Durán, su productor "El respaldo de la Academia Colombiana a El Páramo es una importante oportunidad para que esta película logre tener una divulgación mucho más amplia dentro del mercado español, uno de los más importantes para todos los que creímos en ella, si se tiene en cuenta que esta es una co producción con España y que cada día necesitamos mejores respuestas de nuestro cine en los mercados del mundo. Rhayuela Cine apuesta por un cine de alta calidad, pero que al mismo tiempo se conecte el público, no se quede en minorías y sea motor de una industria en crecimiento, como la nuestra. Por ello creo que esta noticia es un gran espaldarazo a esa apuesta".

Hasta el momento los logros internacionales de El Páramo, hablan de la buena recepción y la conexión que esta película puede llegar a tener con los públicos de otros países. Recordemos que el filme cuenta con la distribución internacional de Wild Bunch; uno de los productores de El amor en los tiempos del cólera, ya compró los derechos de remake para Hollywood; fue estrenada en Austin Texas en el Fantastic Fest y actualmente se encuentra en la selección oficial del Festival de Cine Fantástico de Sitges, España, que concluye el próximo 14 de octubre.

El Páramo es una coproducción con Argentina y España, que cuenta en el país ibérico con el respaldo de la importante compañía Alta Films, una de empresas líderes en la producción y dinamización del mercado cinematográfico español.

Proyectada la película rescatada de Hitchcock

2011-10-10T11:12:00.001-07:00

EL PAÍS ofrece en exclusiva un fragmento de The white shadow, cinta proyectada por primera vez en el festival de cine mudo de Pordenone (Italia).- En la película, ahora restaurada, el cineasta debutó con 24 años como asistente de dirección y escritor

The white shadow, en la que el cineasta debutó, con 24 años, como asistente de dirección, escritor, editor y en el diseño de producción. video.fuente:elpais.com

Dos mellizas británicas, idénticas por fuera y opuestas por dentro: Nancy, sin alma y malvada; Georgina, devota y buena. Un estadounidense alto, fanfarrón, un poco bobo y bastante ingenuo encuentra a la primera en la nave que la lleva de vuelta a Inglaterra tras un periodo de estudios en París. Él se enamora, pero ella -incapaz de sentir amor- juega con él enviando a la hermana a sus citas. Nancy es tan mala y rebelde (siempre vestida con pantalones y el pelo corto a lo chico) que empuja al padre al alcoholismo y a la locura; huye de casa, provoca la muerte de la madre, cuyo corazón no aguanta tanto dolor.

Georgina se queda sola y decide buscarla: Nancy está en Londres, con poca ropa y rodeada de hombres se exhibe en el club El gato que ríe. En este punto, The White Shadow se interrumpe. Un verdadero dramón, mudo y en blanco y negro, mutilado posegunda parte de la historia. Lo que queda, tres rollos de película de nitrato (43 minutos), son el valioso testimonio del primer paso que Alfred Hitchocock dio en el mundo del cine. Rodada en Inglaterra en el verano de 1923, fue firmada por el director Graham Cutts. Sin embargo, en la práctica, su autor fue el joven Hitch (nació en 1899), que acababa de ser fichado por la productora Gainsborough Pictures, donde se ocupaba de todo: guion, bocetos, títulos, escenografías, montaje y ayuda a la dirección.

The white shadow puede considerarse su primera obra. Por eso, este verano causó tanta ilusión la noticia de que aquella cinta que se consideraba perdida estaba escondida -al menos en parte- dentro de tres viejas latas propiedad de un coleccionista neozelandés, Jack Murtagh. Revelada y restaurada gracias al esfuerzo conjunto del New Zeland Film Archive, la estadounidense National Film Preservation Foundation y la Academy Film Archive de Los Ángeles, la película, con su blanco y negro desgranado, a veces rosado, a veces embebido de azul tenue, fue proyectada por primera vez la semana pasada en el prestigioso festival de cine mudo en Pordenone, cerca de Venecia.

El festival, dirigido por David Robinson, historiador del cine de renombre internacional y uno de los máximos expertos en Chaplin, sirvió en bandeja a los cinéfilos y a los estudiosos esta joya rescatada del polvo del tiempo. Un documento conmovedor y precioso de los primeros pasos del director de Vértigo, Rebeca o Los pájaros, que revela en ciernes muchos de los temas que más tarde centrarán su producción. Sobre todo la obsesión por una feminidad siempre lacerada, dividida, difícil y nunca apaciguada. Una mujer que es un ángel por un lado y un demonio por el otro. Pero el amor suele vencer. El amor puede solucionar el conflicto. Esta primera vez, como muchas otras en las películas de Hitchcock. El guion nos cuenta cómo acaba la melodramática vida de las dos mellizas: Georgina y el estadounidense entablan una apasionada relación de amor (él sigue pensando que ella sea su hermana Nancy, aquella chica que encontró en la nave desde París), pero ella cae enferma y para ahorrarle un buen golpe a su enamorado, pide a su melliza que la sustituya. En cambio, le dona su sombra blanca, es decir su espíritu de ángel. Georgina muere en el hospital de París; Nancy, malvada redimida gracias al sacrificio generoso de la hermana, goza de la felicidad en Inglaterra con su hombre

El estudio Sony pretende llevar la vida de Steve Jobs al cine según Deadline

2011-10-08T04:28:00.001-07:00

Sony Pictures ha realizado una cuantiosa oferta para hacerse con los derechos cinematográficos de una biografía autorizada sobre Steve Jobs, escrita por Walter Isaacson, exdirector de la revista Time, informó hoy la publicación especializada Deadline

En la imagen, Steve Jobs. 1955-2011. foto.fuente:lainformacion.com

Según el portal, el estudio ha presentado una oferta que oscila entre el millón y los tres millones de dólares para un proyecto que contaría con la producción de Mark Gordon ("Saving Private Ryan", 1998), cuya agencia de representación, ICM, es la misma que la de Isaacson.

Sony Pictures ha adaptado con éxito a la gran pantalla otros libros en los últimos años, como demuestran las cintas "The Social Network" y "Moneyball".

Estaba previsto que el libro de Isaacson saliera a la venta en EEUU el 21 de noviembre a través de la editorial Simon & Schuster, aunque finalmente la fecha se ha adelantado al 24 de octubre, según un portavoz de la compañía.

Se trata de una obra de 448 páginas basada en 40 entrevistas con el cofundador de Apple y unas 100 conversaciones con amigos, familiares, compañeros de trabajo y competidores.

Según la publicación, Jobs colaboró en todos los aspectos con el autor del libro, aunque hacia mediados del mes de agosto aún no lo había leído.

En un avance del libro se puede leer esta cita de Jobs: "He hecho muchas cosas de las que no me siento orgulloso, como dejar a mi novia embarazada a los 23 años y cómo me comporté entonces, pero no hay ningún cadáver en el armario que no pueda salir a la luz".

Hasta ahora sólo se ha hecho un filme sobre la figura icónica del empresario, llamado "Pirates Of Silicon Valley", en el que el actor Noah Wyle dio vida a Jobs.

El gurú tecnológico, que desató una revolución en el consumo electrónico con productos como el iPod, el Iphone o el iPad, falleció esta semana a los 56 años.

Era uno de los empresarios más acaudalados de Silicon Valley, con un patrimonio que, según los cálculos de la revista Forbes, alcanza los 5.100 millones de dólares.

Biografía de Steve Jobs se transforma en la nueva obsesión de Hollywood

2011-10-08T04:23:00.001-07:00

El libro autorizado por el propio fundador de Apple fue escrito por Walter Isaacson y estará en librerías en noviembre
El libro de Walter Isaacson estará disponible próximamente en las librerías de EE.UU. y en Hollywood ya empieza la disputa por obtener los derechos.foto:Simon.fuente:emol.com

Han pasado apenas horas desde que se supo la noticia de la muerte de Steve Jobs, uno de los genios tecnológicos más venerados de las últimas décadas, y desde ya su interesante historia ha abierto los ojos de la industria del cine estadounidense.

Pese a su invaluable aporte al desarrollo de nuevas tecnologías a través de Apple y otras iniciativas, la figura de Jobs ha estado escasamente reflejada en el cine e incluso la televisión.

La producción más conocida es el telefilm "Pirates Of Silicon Valley" (1999), donde era interpretado por Noah Wyle, y en el que se narraba su amistad inicial con Bill Gates (Anthony Michael Hall), las posteriores disputas que los llevaron por caminos apartados y cómo, desde un garage, comenzó a construir un verdadero imperio.

De acuerdo al sitio "Deadline", la principal biografía escrita sobre Jobs se ha transformado en un "objeto de deseo" para los estudios de Hollywood, que observan en la historia del emprendedor todos los elementos de una buena película, pasando por su infancia como niño adoptado, su truncada aventura universitaria, sus primeros proyectos que lo llevaron a ser considerado un genio, y la batalla contra el cáncer que lo deterioró en los últimos años de su vida.

La biografía titulada simplemente "Steve Jobs" fue escrita por Walter Isaacson, quien también es autor de textos sobre Albert Einstein y Benjamin Franklin. Su fecha de lanzamiento estaba programada para el 21 de noviembre y por ahora no se han dado a conocer planes de modificar la fecha.

El libro de 448 páginas está basado en cerca de 40 entrevistas con Jobs, quien autorizó la biografía, además de otro centenar de conversaciones con amigos, familiares, colegas y "competidores".
Steve Jobs. 1955. 2011.Visionario informático y empresario estadounidense.Biografía. Apple. Pixar. Disney. EE.UU. Cupertino.California.noticia.

'El páramo', una experiencia visceral

2011-10-07T04:20:00.001-07:00

Desde hoy en cartelera nacional

Esta película colombiana es el primer proyecto de Jaime Osorio, una apuesta por explorar el género del horror con el trasfondo de la guerra

"Quería que la película fuera una experiencia visceral para el espectador, que lo cambiara en algo, que no saliera de la sala como entró". Jaime Osorio, director ( En foto con martillo). foto:Carlos Medina.fuente:elespectador.com

La vista se aparta, las manos se aferran y el pulso se acelera. Esos son, al menos, los efectos físicos al enfrentarse a las imágenes de El páramo, donde se reconfirma que la humanidad es lo mejor y lo peor que le ha pasado a la especie.

La angustia de la guerra está marcada en las caras de cada uno de los soldados que conforman el comando de alta montaña que llega a una base desolada en un páramo. El único sobreviviente del lugar les cambiará el rumbo físico y mental.

La paleta cromática de grises, negros y verdes, las respiraciones sofocadas por la altura y el miedo, el claroscuro constante, las actuaciones comprometidas de caras que refrescan la pantalla, la cuidada arquitectura de las tomas, los planos cerrados y la música que acompaña el compás del suspenso son los ingredientes que forman el cuadro de horror de El páramo. Aunque se exagere el recurso de la música incidental y haya ciertas escenas predecibles, la película logra su cometido. Es justamente lo que no se ve, es lo invisible lo que logra mantener la tensión. El enemigo real no será el peligro exterior, sino los vericuetos mentales: la locura como el arma más letal.

Jaime Osorio, quien se ha formado en el mundo de la publicidad, se subió a 4.600 metros de altura para realizar su primer largometraje.

En su opinión, ¿cuál es el gran acierto de la película?
La película genera un impacto en el espectador lo que hace que la experiencia de verla sea activa. Creo que son pocas las películas que logran eso y agradezco mucho cuando salgo del cine sintiéndome diferente de como entré.

¿Cuál ha sido su relación con las películas en el género del horror?
Realmente mis referencias en este género son más literarias que cinematográficas, como las obras de Maupassant o Henry James, o hasta Lovecraft, que son quienes realmente me han influenciado. En cuanto al cine tendría que nombrar algunos clásicos como El resplandor, El exorcista y El bebé de Rosemary.

Cada vez más, el conflicto colombiano es tratado como trasfondo y no como asunto directo.
Es natural y necesario que el cine refleje la sociedad, así que el conflicto debe estar presente en nuestra pantalla directa o indirectamente. El cine no debería ser una evasión de la realidad, sino una inmersión en ella. No mostramos lo que queremos ver, sino justamente lo que no queremos reconocer.

¿Cuáles fueron las reacciones más destacadas de su estreno en el Fantastic Fest, el festival de género más grande en EE.UU.? ¿Qué lo sorprendió?
La gente con la que hablé y las críticas que leí entendieron perfectamente el fondo y se conectaron emocionalmente con la película. La gente la acogió muy cálidamente y los aplausos y los comentarios me llenaron de satisfacción. El Fantastic Fest, a diferencia de los demás festivales, no gira en torno a un jurado sino a la audiencia y a la manera como se relaciona con las películas. El haber presentado por primera vez El páramo, frente a una audiencia acostumbrada a ver lo mejor del cine de género de todo el mundo, y que haya sido acogida de una manera tan calurosa, es una gran recompensa, después de todo el trabajo que significó la realización de la película.

¿Cómo fue el manejo de los actores? ¿Qué les implicó antes de filmar?
Decidí no darles el guión para que no se preocuparan por el texto sino por encontrar la verdad en sus actuaciones. Ensayamos todas las escenas durante meses, antes de empezar a filmar, para descubrir las verdaderas relaciones entre los personajes y las acciones. Durante el rodaje partíamos de lo alcanzado en estos ensayos y a partir de improvisaciones ahondábamos cada vez más y más en esa búsqueda de nuestra veracidad.

No es una película para todos. ¿Qué tipo de público esperan captar?
Esta película puede ser entendida y disfrutada en diferentes niveles, así que no creo que esté dirigida a un público en particular. Puede que la gente aparte la vista de algunas escenas, pero se conecte sensiblemente con otras, o con el fondo de la historia.

¿Qué le trae la publicidad a su manera de hacer cine?
Es una buena escuela, porque enfrenta a los directores a diferentes tipos de géneros, locaciones, tonos, y maneras de filmar. El Páramo, sin embargo, es un ejercicio de puesta en escena basado en la dramaturgia, lo cual está en la esquina opuesta de la publicidad.

El spot más famoso de Apple, rodado por Ridley Scott

2011-10-06T10:22:00.001-07:00

El 22 de enero de 1984, justo en el momento de mayor audiencia de Estados Unidos (en el descanso de la Super Bowl), se emitió este anuncio, quizá el más famoso de la historia de Apple. Fue dirigido por Ridley Scott, que había rodado dos años antes Blade Runner, y criticaba frontalmente el pensamiento único, representado entonces por IBM

Sólo se emitió en televisión aquel día, pero desde entonces es un icono publicitario. El 22 de enero de 1984, Apple sorprendía a medio mundo con la emisión de un anuncio muy especial por tres razones.

1-. La primera, el producto que se estaba vendiendo. La compañía de la manzana mordida declaraba la guerra a la gran dominadora del mercado informático en aquella época: IBM. Para ello, se valía de otro símbolo: 1984, la novela de George Orwell sobre un mundo dominado por el pensamiento único y el control de las masas (de ella salió la figura del Gran Hermano que todo lo ve).

Tomando como referencia los mensajes de la obra literaria, el spot parte de la premisa de retar al poder establecido. El mensaje final lo dice todo: "El 24 de enero, Apple Computer presentará Macintosh. Y comprobarás por qué 1984 no será como 1984".

2-. La segunda fue el momento elegido: en Estados Unidos, el desacanso de la Super Bowl (la final de la liga profesional de fútbol americano) supone el acontecimiento publicitario del año, cuando las empresas se guardan sus mejores anuncios. En aquella época, y en aquel momento, un spot tan agresivo supuso toda una revolución.

3-. Y, en tercer lugar, la producción del anuncio. Para su dirección se confió en Ridley Scott, uno de los realizadores del momento y, desde luego, el más apropiado para recrear una atmósfera opresiva, futurista y ucrónica, ya que en 1982 había filmado Blade Runner, y, poco antes, Alien, el octavo pasajero.
fuentes:you tube.com.lainformacion.com

El mundo del cine llora la muerte de Steve Jobs

2011-10-06T10:13:00.001-07:00

"Steve vivió el sueño californiano cada día de su vida, cambió el mundo y nos inspiró a todos. Gracias Steve", dijo el actor y ex gobernador de California, Arnold Schwarzenegger

Steve Jobs se paseó por la alfombra roja de los Oscar cuando Up, de Pixar, fue nominada y terminó ganando el premio. foto:Reuters.fuente:emol.com

Actores y directores de Hollywood lamentaron hoy la muerte del fundador de Appel, Steve Jobs, que falleció a los 56 años.

Jobs era además cofundador de los estudios de animación Pixar y el mayor accionista de Disney.

"Steve vivió el sueño californiano cada día de su vida, cambió el mundo y nos inspiró a todos. Gracias Steve", dijo el actor y ex gobernador de California Arnold Schwarzenegger.

"Triste por Steve Jobs. Es comparable a Henry Ford, Carnegie y Edison", dijo por su parte el actor Alec Baldwin.

"El mundo perdió hoy a un verdadero visionario. Piensa diferente", apuntó mientras el actor Kevin Spacey.

También a la desaparición de Jobs se refirió el director Michael Moore poco antes de la manifestación de indignados estadounidenses de la pasada noche en Nueva York.

"Mientras la noticia de la muerte de Steve Jobs circula, todos somos conscientes de que sus creaciones hacen posibles movimientos como este", dijo el cineasta en referencia al papel de la tecnología en los movimientos ciudadanos.

"El Páramo", entre el horror y el thriller sicológico

2011-10-05T12:22:00.001-07:00

El director asegura que la película "trata de los traumas que existen en Colombia, uno de los países más terroríficos del mundo"

"El Páramo", de Jaime Osorio Márquez, que participó en el reciente festival de cine de Biarritz (Francia),se estrena este viernes en Colombia como un modo de llamar la atención sobre "los traumas en uno de los países más terroríficos del mundo", según su director.

Este primer largometraje de Osorio llega al país luego de haber participado en el Fantastic Fest de Austin (Texas, Estados Unidos) y en el festival de Biarritz. La próxima semana, estará presente en el festival de Sitges (España).

El filme "se inscribe entre el horror y el thriller sicológico y trata de los traumas que existen en Colombia, que es uno de los países más terroríficos del mundo", dijo Osorio, de 36 años, al presentar la película en Bogotá.

"El Páramo" muestra el conflicto que opone a la guerilla de las Farc y el Ejército desde hace casi medio siglo, a través de la experiencia de nueve militares que descubren una masacre en una base militar.

Cuando intentan encontrar al autor de la masacre, los militares se hunden en un terror con elementos del más allá que los llevan a la muerte.

"Quería crear un terror que vaya al alma de los espectadores para que el tema les interpele más personalmente", explicó el director, quien con esta película ganó un premio del estatal Fondo para el Desarrollo Cinematográfico de Colombia en 2009.

La película costó 1,4 millones de dólares, fue rodada en una verdadera base militar a 4.300 metros de altura frente al Nevado del Ruiz (Andes colombianos) y los actores tuvieron entrenamientos con el Ejército.

Juan Pablo Barragán, quien hace el papel del soldado Ponce, comentó que esas jornadas de entrenamiento le sirvieron para "descubrir desde el interior la tristeza de los soldados y la desgracia de mi país y así construir mi personaje".

A partir de ahora, la película será distribuida en Argentina, Francia, España, Gran Bretaña, Japón, Canadá, Tailandia, Turquía, y Taiwán.

Sobre lo diverso de esos públicos, el productor Federico Durán consideró que "no hay que saber mucho del conflicto armado colombiano para entender la película".

"Pienso que va a llevar a muchas personas a tratar de entender lo que está pasando en Colombia", aseguró.

Libros arruinados por películas: las peores adaptaciones

2011-10-04T09:52:00.001-07:00

"No es tan buena como el libro", parece se una queja corriente en estos días, y es algo que también escuchamos cuando se estrenó la cinta protagonizada por Anne Hathaway, basada en la exitosa novela de David Nicholls.

"Siempre el mismo día" (One Day) no consiguió la misma popularidad que la novela en la cual se basó. Sin embargo, no es tan mala como las siguientes cintas "quemadoras" de libros
fotos.fuente:msn.entretenimiento

Ya sea por el extraño acento inglés de Hathaway o por la falta de profundidad emocional, la película ha cosechado las mismas críticas que se le realizan a los directores que pretenden adaptar un bestseller.

Sin embargo, siempre puede ser peor... ¿A quién se le ocurre darle a Nicolas Cage el rol de un soldado griego? ¿O mostrar a Demi Moore como una sufrida mujer del 1600? ¡¿Julia Roberts como "Campanita"?! Te mostramos algunas de las peores adaptaciones de libros en la historia del cine...

Te amaré por siempre

La novela debut de Audrey Niffenegger narraba una sofisticada y atrapante historia que hacía derramar lágrimas a los lectores. La película, en cambio, resultó ser una simple adaptación "chic flick" con dos protagonistas sin química: Rachel McAdams y Eric Bana. Además, meterse con la complicada cronología del libro fue otro error garrafal.

Guía del viajero intergaláctico

Realmente queríamos que ésta fuera brillante, darle vida a la hilarante novela de sci-fi de Douglas Adams a través de un radioteatro o bien una serie de TV. Pero no fue posible. Ni siquiere a una narración del poderoso Stephen Fry logró hacer de esta una película graciosa o interesante. ¿Y por qué tantas historias paralelas que no están en el libro?

La mandolina de Capitán Corelli

La atrapante historia de Louis de Berniere acerca de un romance en tiempos de guerra en una isla griega era uno de esos libros que definitivamente tenías que leer. No así esta película. La inexistente química entre Nicolas Cage y Penélope Cruz, junto con una extrañísima gama de acentos, lo único que queda para ver es una increíble seríe de paisajes y a John Hurt como lo mejor de una película malísima.

Hook

Robin Williams es uno de esos actores que, o bien hacen películas brillantes (Retratos de una obsesión) o, lamentablemente y con mayor frecuencia, películas como ésta. Lo que más llama la atención es que esta terrible adaptación de Peter Pan fue una creación de Spielberg, quien no suele ser conocido por arruinar cintas. Para colmo de males, esta versión de 1991 cuenta con Julia Roberts como Campanita, lo cual es inadmisible.

Un buen año

Solo debes ver esta cinta para comprobar lo mala que es. Eso, claro está, siempre y cuando tengas ganas de escuchar a Russell Crowe hablando en un terrible acento inglés, en un burdo
intento por imitar el humor de Hugh Grant. Ya sabemos, él y el director Ridley Scott son amigos, pero esta desastroza adaptación de la comedia donde un hombre de ciudad hereda unos viñedos es algo que nunca jamás debieron haber tocado. Marion Cotillard interpreta a una bella francesa con la benévola tarea de ponerle algo de "picante" a esta cinta. Terrible.

Eragon

Basada en la exitosa novela de Christopher Paolini, esta historia fantástica sobre un pequeño campesino que conoce un dragón fue denostada tanto por la crítica como por el público. Muchos la compararon con "El Señor de los Anillos" y con "La Guerra de las Galaxias", pero no hay ni un punto en común. Por más fuego que eche el dragón y por más acción entre llamas, ni John Malkovich hubiese podido salvar esta cinta. Una prueba de ello: el protagonista, Ed Speleer, acaba de actuar en una película donde hizo de "estudiante", según los créditos. ¿Hace falta decir algo más?

La letra escarlata

Pongan a Demi Moore en un vestido de época y las alarmas comenzarán a sonar. Agregenle una escena erótica en una bañera y un final feliz y de seguro lograrán una nominación para los Premios Razzie. Esta adaptación de la clásica novela de 1850 fue más "histérica" que "histórica" y resultó un hito en el cine: logró siete nominaciones a los Razzies.

La máquina del tiempo

Aún si amas las películas de viajes en el tiempo y a Guy Pearce (nos cae bien) no habrá forma en que te guste esta película. Comienza bastante bien pero luego se transforma en una futurística cinta clase B protagonizada por la cantante irlandesa Samantha Mumba (por algún extraño motivo). Y lo peor de todo, es que es una adaptación hecha por el nieto de HG Wells, Simon Wells - oops.

El Código Da Vinci

Si quieres recordar el verdadero significado de aburrimiento, inserta esta película en el reproductor de DVD. Ni siquiera la extraordinaria belleza de Audrey Tautou pudo levantar esta terrible adaptación de la exitosa novela de Dan Brown acerca de secretos religiosos. Encima, la actuación de Tom Hanks no aporta absolutamente nada interesante a la cinta. ¿Dónde quedó el joven gracioso de "Quisiera ser grande"?

Marley y yo

El libro "Marley y yo" era una buena lectura, inteligente, bien escrita por el periodista del New York Times John Grogan. La película, en cambio, apeló a escenas "graciosas" donde el perro era el protagonista y se transformó en otro hito en la lista de películas "no tan buenas" donde participó Jeniffer Aniston. Es cierto, mucha gente fue a verla, para eso existe el marketing.

La vida de Tintín, contada por Spielberg y Jackson, verá la luz en Roma

2011-10-03T08:49:00.001-07:00

La película en 3D que narra las aventuras del reportero Tintín y que ha conseguido unir a los directores Steven Spielberg y Peter Jackson será estrenada en la próxima edición del Festival Internacional de Cine de Roma, que se celebrará del 27 de octubre al 4 de noviembre

Steven Spielberg y Peter Jackson se unen en una película en 3D sobre Tintín. foto.fuente:revistaarcadia.com

En un comunicado divulgado hoy, la organización del certamen confirma el estreno de "Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio", que ha sido rodada íntegramente con la técnica "motion capture (captura de movimiento)", presente en algunas escenas de la obra de James Cameron "Avatar".

El filme dirigido por Spielberg y producido por Jackson, que está inspirado en el personaje de cómic creado por el belga Hergè, participará en la sección paralela "Alicia en la ciudad" del Festival Internacional de Cine en Roma, que contará con la presencia de su actor protagonista, el inglés Jamie Bell, conocido por su papel como niño bailarín en "Billy Elliot".

El cineasta estadounidense, director de obras como "Indiana Jones y el arca perdida" o "Jurassic Park", reconoce que descubrió al personaje de Tintín en 1981 y que desde el primer momento supo que sus aventuras serían el argumento de "un film fantástico".

"Trabajando en 'Las aventuras de Tintín' sabía que, para honrar el mejor trabajo de Hergè y ser lo más fiel posible a sus dibujos y a la tonalidad cromática que los caracteriza era necesario usar la técnica del 'motion capture', con el fin de captar el movimiento de los actores creando una mezcla entre un personaje real y un dibujo animado", confiesa Spielberg.

Esta técnica, que está revolucionando el cine en 3D, utiliza imágenes generadas por ordenador en 3D para crear personajes iguales a los originales a partir de la actuación de intérpretes reales.

Por su parte Jackson, el director neozelandés de películas como "El Señor de los Anillos" y "King Kong", afirma que es fan de Tintín desde que cumplió los ocho años y que su participación en esta película junto a Spielberg le ha permitido "cumplir un sueño que tenía desde niño".

"Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio" sigue el rastro a Tintin y su perro Milú, envueltos en una gran aventura para desvelar el secreto de un navío llamado Unicornio.

La película será la primera de una serie de historias sobre el personaje de cómic, que tendrá al menos una secuela dirigida por Jackson.

El reparto del film, además de a Bell, incluye a actores como Daniel Craig, Andy Serkis, Simon Pegg, Nick Frost, Gad Elmaleh, Toby Jones y Mackenzie Crook.

El Festival de San Sebastián condena el arresto de seis cineastas iraníes

2011-10-02T05:38:00.001-07:00

El Festival de San Sebastián denunció y condenó hoy el arresto de seis cineastas iraníes en su país, entre ellos la productora y distribuidora Katayoon Shahabi, que tiene "una larga vinculación profesional y afectiva" con el certamen donostiarra

foto:internet.fuente:revistaarcadia.com

El Zinemaldia informó de que los cineastas son, además de Shahabi, Mujtaba Mirtamaseb, Hadi Afarideh, Naser Safarian, Shahnam Bazdar y Mohsen Shahrnazdar, a los que se acusa de "espionaje".

Precisó que los detenidos, a los que expresó su "apoyo moral", han sido acusados de "colaboracionismo con la cadena BBC", prohibida en Irán, y de mostrar en sus películas "una imagen negativa del país".

"El Festival de San Sebastián quiere manifestar su condena y repulsa por este nuevo atentado a la libertad de expresión del gobierno iraní, y su persecución de los cineastas que están luchando por reflejar la realidad de su país", destacó el Zinemaldia en su nota.

Explicó que tres películas producidas por Shahabi han competido en diferentes secciones del Festival en años anteriores: "Mooshaak e Kaghazi", en Zabaltegi-Nuevos Realizadores en 1997; "Don", en la Sección Oficial en 1998, y "10+4", en Zabaltegi-Nuevos Realizadores en 2007.

Póker', una película para pensar"

2011-09-30T12:34:00.001-07:00

Se estrena el filme nacional que combina el suspenso con altas dosis de melodrama

Un sacerdote, un militar, un asesino a sueldo y un hombre que robó el banco donde trabajaba apuestan todo lo que tienen, y lo único que les queda, en un juego de póker con la intención de ganar y así poder salvar su propia vida.

Ellos, interpretados por Juan Sebastián Aragón, Rafael Novoa, Javier Ortiz y Luis Fernando Hoyos, respectivamente, son los personajes de Póker, la primera película que Juan Sebastián Valencia presenta en la pantalla grande desde este viernes. El proyecto nació hace cuatro años, cuando Valencia finalizaba sus estudios de cine en Bogotá y se imaginó "un cuarto clandestino jugándose la vida y una talladora de la cual dependía su suerte".

Por eso, en la primera escena del filme se ve cómo el juego termina trágicamente cuando uno de los hombres dispara un arma. De allí en adelante, el director y escritor juega con los espectadores y por medio de elipsis (flashback o saltos de tiempo) presenta la historia de cada uno de los protagonistas.

"Póker es una película para pensar, si la gente se distrae un momento se puede perder alguna escena crucial", explica Valencia, quien cataloga su producto en el género thriller (suspenso y acción asociado a crímenes), aunque con altas dosis de melodrama.

Siguiendo la tendencia de contar historias paralelas que al final se unen con un elemento ("Crash", "Amores Perros", "Fuego"), "Póker" tiene entre su reparto a Manuel José Chaves, quien tiene un papel que a primera vista no se ve importante. También está Camila (Angélica Prieto), la talladora, quien en medio del juego recuerda la peor de sus desgracias.

Como todos los personajes de "Póker" viven una desgracia, el director asegura que le imprimió el toque melodramático para "aliviar un poco el filme". Esas escenas están musicalizadas con una obra (60 minutos) compuesta exclusivamente para la película e interpretada por la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia bajo la dirección de Alejandro Ramírez Rojas. Por su parte, en las tomas de suspenso se escucha la canción "King" de The Hall Effect, la cual es el tema oficial de la banda sonora.

Un tema importante que destaca Valencia es que "Póker" se sale de "los temas que generalmente trata el cine colombiano, ya que el militar o el asesino a sueldo se encuentran desde Argentina hasta Londres"."

"Póker" se convierte entonces en una nueva opción nacional para ver desde este viernes en las salas de cine, que en el último mes y medio ha proyectado "Saluda al Diablo de mi Parte", "La Vida era en Serio" y "Pequeñas Voces", está última la primera película colombiana en 3D y que sólo contó con 5.700 espectadores.

fuente:elespectador.com

Preparan nueva versión de 'Scarface'

2011-09-28T06:37:00.001-07:00

El proyecto contará con la producción de Marc Shmuger y Martin Bregman

Scarface, un clásico cinematográfico que contó con una primera obra en 1932 y una posterior en 1983, protagonizada por Al Pacino.foto.fuente:vive.in

El estudio Universal Pictures prepara una nueva versión de 'Scarface', un clásico cinematográfico que contó con una primera obra en 1932 y una posterior en 1983, protagonizada por Al Pacino, informó hoy el portal especializado Deadline.

Según el portal, Universal ha mantenido reuniones con diversos guionistas para redactar una nueva versión con los elementos básicos que tenían en común ambas cintas, aunque la compañía no considera que el proyecto sea un "remake" ni una continuación. Por los elementos básicos de ambas películas se toma la idea de que un inmigrante, a través de la violencia descarnada, logra hacerse camino en el mundo del hampa para vivir un "sueño americano" muy particular.

En el filme de 1932, realizado por Howard Hawks, el protagonista (Paul Muni) se erigía como el rey del crimen de Chicago, mientras que en la película protagonizada por Pacino, su personaje, el cubano Tony Montana, lograba hacerse con el control del narcotráfico en el Miami de la década de 1980.

El proyecto contará con la producción de Marc Shmuger y Martin Bregman, que ya ejerció este cargo en la versión de 1983, dirigida por Brian De Palma y con guión de Oliver Stone. "Cuando tratas de recrear y diseñar algo que está ahí, que es real, corres el riesgo de que el público no lo acepte si no te dejas la piel en cada detalle", comentó a Efe recientemente Bregman.

"Por eso ser fiel a la realidad es siempre clave", añadió quien trabajó en otras películas de Pacino como 'Dog Day Afternoon', 'Serpico' y 'Carlito's Way'. El 0Scarface' de De Palma regresó a las salas de EE.UU. el pasado 31 de agosto como conmemoración de su salida a la venta por primera vez en Blu-Ray. La película se estrenó el 9 de diciembre de 1983.

Hirokazu Koreeda, ganador "moral" de la Concha de Oro

2011-09-27T09:48:00.001-07:00

No pudo ser, no se llevó la Concha de Oro, aunque sí el premio al mejor guión. Tuve ocasión de hablar con el gran director japonés Hirokazu Koreeda, a quien bien podríamos considerar el vencedor moral del Festival de Cine de San Sebastián por su extraordinaria película Kiseki (Milagro)

Hirokazu Koreeda, director japonés, premiado con El mejor guión. foto.fuente:EFE

En Kiseki (Milagro) uno de los niños protagonistas hace el dibujo del volcán de su ciudad, siempre con la posibilidad de entrar en erupción, que nos recuerda que no sólo hay que salvar a la familia, sino también al mundo. Y esto ha coincidido con la tragedia del tsunami y la catástrofe nuclear de Fukuyama, que ha conmocionado a Japón y al mundo entero...

Pensé en esta película mucho antes de que se produjera el tsunami, de modo que no tiene una relación directa. Pero muchos espectadores japoneses lo relacionaron inmediatamente, y también las cenizas del volcán, con el problema de la radioactividad.

En el cine de Hirokazu Koreeda tiene una presencia esencial la familia, ya sea de un modo más dramático o feliz, como en este caso. ¿Por qué este interés?

La familia es un tema en el que estoy pensando siempre. Se trata de una cuestión cercana a todas las personas, y en la que surgen siempre problemas. Hay mucho sobre lo que reflexionar, y esto se refleja en mis películas. Antes de hacer Still Walking murió mi madre y esto me llevó a pensar mucho en ella, en la vida he hecho muchas cosas, y no siempre las he hecho bien, y su muerte me las evocaba. Y ahora tengo una hija, y como estoy siempre trabajando no tengo mucho tiempo para estar con ella. Entonces surge la pregunta: ¿cómo tiene que ser un padre que no puede estar mucho tiempo con sus hijos?

Por esta razón me encuentro todo el tiempo pensando en el tema de la familia. No sé si la cuestión es tanto que me guste hacer películas sobre la familia, sino que me ocupa la cabeza.

Tanto en Kiseki (Milagro) como en Still Walking y Nadie sabe está presente la familia, que es un tema que también interesa a un maestro como Yasujiro Ozu. Su retrato de tres generaciones y los niños, me hacen pensar enseguida en Ozu, en títulos como Buenos días y Yo he nacido, pero...

Me gusta mucho Buenos días. Pero pienso que no hay influencias directas de Ozu, aunque muchos periodistas me lo dicen. Ozu es un director muy especial, es difícil aprender a hacer cine como él lo hace. Sus películas están rodadas en interiores, en estudio, y ahora es muy complicado hacer algo así, tomarlo como referencia. Si tengo que citar directores que me influyen mencionaría a un tailandés [no logro captar su nombre] y al británico Ken Loach. Ellos tampoco utilizan actores profesionales. De estos directores claramente podría aprender algo.

De los japoneses, he tomado más cosas de Mikio Naruse, a quien dedicaron un ciclo aquí en San Sebastián en 1999. En Still Walking confieso que la posición de la cámara imita mucho al modo de hacer de Naruse.

¿Diría que en los últimos tiempos su cine se ha serenado, se ha hecho más maduro y clásico?

(se ríe) ¿Crees que esto no es bueno?

No, al revés, demuestra que sabe evolucionar...

Cuando rodé Nadie sabe, estaba soltero y vivía con mis padres. En el caso de Still Walking mis padres habían fallecido y me había casado. Ahora, con Kiseki (Milagro), tengo una hija, lo que hace que mire la familia de modo diferente. Esto se refleja en mis películas, que son más optimistas. Esto lo considero una buena evolución. ¡A ver que hago, cuando sea abuelo! Seguro que miraré la relación entre abuelos y nietos de un modo distinto.

Parece que le interesa mucho el trauma de estos niños, cuyos padres están divorciados. ¿Ha vivido alguna experiencia semejante?

No puedo negar que existen influencias de mi vida personal. Mis padres no estaban divorciados, pero se llevaban fatal, mi padre paraba poco en casa. Mi madre trabajaba y me mantenía a mis hermanos y a mí. Cuando era pequeño, pensaba con frecuencia en la posibilidad de que mi padre no volviera un día a casa, o que mi madre nos abandonara. No creo que esté traumatizado, pero la película puede que esté reflejando mi vivencia entonces. Aunque en la actualidad puedo contar esto desde fuera. Puedo pensar que existen padres como mi padre y lo puedo mirar con distancia, lo entiendo.

Hay un contraste en la película entre cierto tono ligero, también con la música, y los temas serios que se tratan.

He utilizado aquí la música de un modo completamente diferente a como lo he hecho en el resto de mis películas. Hasta ahora daba mucha importancia a la historia y al contenido. Antes usaba la música más bien entre escenas pero aquí, como cuento la aventura de los niños, me pareció que la música acompañaba y estimulaba el viaje de los niños. Pero no había pensado en ese contraste.

Hablando de contraste, las tres generaciones de personajes enfocan la crisis familiar de modo diferente. Los niños actúan, quieren solucionar las cosas. Los padres se muestran conformistas, pasivos. Y en el matrimonio anciano renace de algún modo la esperanza, como si hubiera un retorno a la infancia.

Más que en los ancianos que acogen a los niños, es en el abuelo donde se muestra sobre todo cierta complicidad con la infancia. El matrimonio mayor recupera de algún modo, momentáneamente, a su hija. Esa chica que quiere ser actriz, que piensa irse de casa, les recuerda a la que dejó el hogar, y por un momento vuelven a tenerla con ellos. En este otro caso me interesaba más crear esta emoción que la idea del retorno a la infancia.

Su película la atraviesa un aliento poético. ¿Cómo se llega hasta ahí, se busca o se encuentra esa poesía?

Siempre pienso en dos cosas. Desde el punto de vista narrativo, tengo un ojo, y por otro lado... Por ejemplo [señala un vaso que hay sobre la mesa] un documentalista querría que ese vaso quedara muy bonito; pero a la vez yo puedo querer que ese vaso despierte amor, ternura, no sé... Entonces para mí ése es el sentido poético, hay que fijarse en la realidad con sensibilidad. Con la cámara he de filmar bien ese objeto para que se produzca ese efecto. He de lograr el equilibrio entre estos dos enfoques.

La versión china de "Las amistades peligrosas", censurada sin erotismo

2011-09-26T04:56:00.001-07:00

La nueva adaptación de la novela de Choderlos de Laclos está dirigida por el surcoreano Hur Jin-ho y ambientada en el decadente Shanghái colonial de los años 30

Cecilia Cheung, Jang Dong-gun, Zhang Ziyi y el director Hur Jin-ho. fotos.fuente:abc.es

La famosa actriz Zhang Ziyi, protagonista de "Memorias de una geisha", "Tigre y dragón" y "Hero", rodará una versión en chino de "Las amistades peligrosas", la célebre novela epistolar erótica que Choderlos de Laclos escribió en el siglo XVIII y ha sido adaptada en varias ocasiones al cine. Entre las versiones más recordadas destacan la que dirigió en 1959 el cineasta francés Roger Vadim con Jeanne Moreau, el oscarizado éxito de taquilla que filmó Stephen Frears en 1988 con John Malkovich, Michelle Pfeiffer y Glenn Close y la que Milos Forman estrenó solo un año después con bastante menos fortuna.

Una escena de "Las amistades peligrosas"

En esta ocasión, el triángulo amoroso que protagoniza la historia estará ambientado no en la Francia pre-revolucionaria, sino en la alta sociedad que se entregaba a la "dolce vita" en el decadente y exótico Shanghái colonial de los años 30. Mientras los japoneses ocupan la ciudad en los prolegómenos de la Segunda Guerra Mundial, Zhang Ziyi se enamorará de un Valmont de ojos rasgados encarnado por el actor surcoreano Jang Dong-gun y sufrirá las perversas maquinaciones de una libertina rival despechada. Para dar, al menos en China, más morbo al asunto, el papel que inmortalizara Glenn Close lo interpreta ahora Cecilia Cheung, una actriz de Hong Kong conocida por aparecer en las fotos eróticas robadas al cantante Edison Chan que provocaron un gran escándalo sexual en la excolonia británica a principios de 2008.

Dirigida por el surcoreano Hur Jin-ho, esta revisión de "Las amistades peligrosas" será una superproducción de 200 millones de yuanes (23 millones de euros) que, según la productora, aspira a estar presente en el próximo año en el Festival de Cannes, pero adolecerá de la carga erótica de sus predecesoras por la censura que impera en China. "Tendremos que controlarnos y será una versión más suave que las otras", ha reconocido este lunes Zhang Ziyi en la multitudinaria presentación del inicio del rodaje celebrada en un lujoso hotel pequinés de clara influencia francesa.

"Esta versión se parecerá más a la protagonizada por John Malkovich porque mostrará el caos que se vivía en Shanghái en los años 30 y cómo las clases altas habían perdido sus valores morales entregándose al materialismo y la sexualidad", explicó el director Hun Jin-ho, quien también matizó que "al no poder ser explícito con el sexo, aumentaré la tensión psicológica entre los personajes porque lo que más me gusta de la novela es que trata sobre los deseos del ser humano".

'Restrepo' llega a las salas de cine colombianas

2011-09-25T16:14:00.000-07:00

Se trata del documental que lleva el nombre del colombiano que murió en Afganistán sirviendo al Ejército de EE.UU

Desde este viernes llegó a las salas de cine del país 'Restrepo', documental que narra el día a día de los militares del ejército americano en uno de los lugares más peligrosos de Afganistán: El valle de Korengal, también conocido como el valle de la muerte.

El pelotón de 15 jóvenes bautizó a este campamento como Restrepo, en honor a su compañero, el paramédico colombiano Juan Sebastián Restrepo Pardo, quien murió allí y cuya historia dio a conocer Elespectador.com el 27 de febrero pasado.

El trabajo fue hecho por el documentalista Sebastian Junger y el fotógrafo de guerra Tim Hetherington, quienes pasaron un año junto a los militares en esta base. Cabe anotar que Hetherington falleció el 20 de abril, cuando cubría el conflicto libio y fue alcanzado por un mortero.

El documental 'Restrepo' relata la historia del segundo pelotón americano de la 173° Brigada Airborne, quien se encuentra en un puesto estratégico en Afganistán donde se produce una quinta parte de los combates que ocurren en todo el país.

La película, ganadora del Grand Jury Prize a Mejor Documental en el Festival de Cine de Sundance 2010, estuvo nominada al Oscar 2011 como Mejor Documental.

"Los colores de la montaña", candidata de Colombia en los Premios Oscar 2012

2011-09-23T05:20:00.001-07:00

Se escogió por "las calidades estéticas, narrativas y en la capacidad de proyección internacional del largometraje"

fuente:elespectador.com

"Los colores de la montaña", una cinta de Carlos César Arbeláez, es la candidata de Colombia para participar por los Premios Óscar 2012, según anunció la Junta Directiva de la Academia Colombiana de Artes y Ciencias Cinematográficas.

La película, que narra "el horror colombiano" del conflicto armado interno, fue seleccionada entre los filmes estrenados comercialmente entre el 1 de octubre de 2010 y septiembre de este año.

La entidad señaló este jueves en un comunicado que "los criterios empleados por la Junta Directiva de la Academia para el proceso de elección se basaron en las calidades estéticas, narrativas y en la capacidad de proyección internacional del largometraje".

"Los colores de la montaña" relata en 94 minutos la historia de tres niños que deben recuperar un balón de fútbol que se les ha caído en un campo minado, pero, según una reseña, cuenta también las turbulentas vidas de los padres de esos niños.

Asimismo, añade, "las barbaridades de las bandas de asesinos que asedian el caserío en donde viven y los dilemas de las profesoras solitarias e idealistas que tratan de repararles los días".

Salvar el balón del campo minado, anota una sinopsis de la cinta, "se convertirá en una aventura que los obligará a crecer a la fuerza, les hará amar la vida y les permitirá entender que el país que les tocó no es un cuento de hadas".

También "que los sueños y las esperanzas, solo eso son".

En síntesis, concluye, se trata de "una historia de amistad desde la mirada más limpia, la de los niños".

La misma película ha obtenido, entre otros reconocimientos internacionales, el Taiga de Plata del Festival Internacional de Cine Debutante Spirit of Fire, Rusia, 2011, y el Premio Kutxa-Nuevos Directores, del 58 Festival Internacional de Cine de San Sebastián de España en 2010.

También alcanzó el Premio del Público y Mención Especial del Jurado del Festival Internacional de Ronda Cine político para el siglo XXI en 2010 y el Premio Cine en Construcción 17, de Toulouse (Francia) en 2010.

La película colombiana ya ha sido exhibida en Polonia, Suiza, Estados Unidos, Francia, España, Puerto Rico, República Dominicana y Panamá.

La virulencia de Harrelson y la comedia argentina conviven en San Sebastián

2011-09-22T12:36:00.001-07:00

Emparentada con últimas muestras de cine negro seco y contundente que se proyectan en la retrospectiva American Way of Death, este filme a concurso ha sido recibido con opiniones divididas, entre los que vieron un enésimo retrato del abuso de autoridad y los que disfrutaron de un ejercicio de estilo de un nervio impecable

La directora argentina Ana Katz.foto:Efe.fuente:lainformacion.com

La directora argentina Ana Katz ha presentado hoy en el Festival de San Sebastián la amable comedia "Los Marziano", protagonizada por Guillermo Francella y Arturo Puig, justo después del golpe seco de cine negro de "Rampart", recital de Woody Harrelson según un argumento del gran James Ellroy.

Las excentricidades de "Los Marziano", dos hermanos interpretados por Guillermo Francella y Arturo Puig, toman como base un fértil escenario para el último cine latinoamericano: los barrios residenciales de lujo que, desde "La zona" hasta "Las viudas de los jueves", han servido de microcosmos para el análisis sociológico.

"Me interesaba la idea de un sitio en el que se pretende controlar todo totalmente. Contener, garantizar un sosiego, pero por la simple razón de que allí viven personas nada puede ser perfecto", explica Katz, que también otorga un cameo a su pareja sentimental, el uruguayo Daniel Hendler.

Luis y Juan Marziano son dos hermanos que, como tantos otros no se hablan y, como tantos otros también, partiendo de una misma educación han descodificado la vida de manera totalmente opuesta: uno hacia la bohemia y otro hacia la responsabilidad.

"Juan en un colgado, una persona que tiene un problema neurológico pero está más interesado convertir unos viejos casetes a archivos digitales que en saber cuál es su diagnóstico", explica Francella, quien en la película deja un día de relacionar unas letras con las otras y, en consecuencia, no puede leer.

Luis, por su parte, "es el proveedor de la familia en cuanto al dinero y espera que eso se le devuelva en afecto", una fórmula que, cuando no funciona, le hace obsesionarse con unos pozos que han surgido en el campo de golf en la urbanización y que ponen en peligro la integridad física de los vecinos.

Katz, que escribió este guión precisamente con su hermano, mantiene con corrección el equilibro entre lo dramático y lo cómico, apostando por la acidez. "No quería hacer burla, sino plasmar algo que me resultara doloroso pero a la vez hiciera alguna gracia", ha explicado.

Y, de esta manera, a través de sus problemas, los hermanos se van acercando entre sí gracias a su imperfección. "He querido generar la mayor intimidad posible entre el espectador y los personajes pero sin explicaciones adjuntas sobre las emociones", ha concluido Katz.

Pocas explicaciones necesita también el policía Dave Brown, interpretado por Woody Harrelson, para desplegar su aterrador carisma en "Rampart", cinta que llega aplaudida desde el Festival de Toronto y que, dirigida por Oren Moverman, no ha sido defendida por ningún miembro del equipo en San Sebastián.

Basada en un argumento del novelista James Ellroy, autor de la resurrección del cine negro a finales de los noventa con "L.A. Confidencial", "Rampart" tiene más similitudes, en cambio, con "Terriente corrupto", de Abel Ferrara, o con su reinterpretación libre por parte de Werner Herzog.

Virulenta reflexión sobre un policía de Los Ángeles que tiñe de agresividad cada lugar por el que pasa y que, además, justifica sus actos con una peligrosísima superioridad moral, Harrelson hace de la cinta su patio de recreo y transmite con un magnetismo arrollador la neurastenia de su personaje.

Con frases como "no soy racista, odio a todo el mundo por igual", pero con una evolución hacia el desmantelamiento de su filosofía vital tan vehemente como descorazonadora, el intérprete de "El escándalo de Larry Flynt" devora la pantalla aunque también cede momentos de intensidad a los espléndidos secundarios, entre los que destacan Ned Beatty y Robin Wright.

Emparentada con últimas muestras de cine negro seco y contundente que se proyectan en la retrospectiva "American Way of Death", este filme a concurso ha sido recibido con opiniones divididas, entre los que vieron un enésimo retrato del abuso de autoridad y los que disfrutaron de un ejercicio de estilo de un nervio impecable.

Finalmente, al calor del prestigio cosechado en el cine griego tras el éxito de "Canino", de Yorgos Lanthimos, pero sin tener nada que ver con aquella cinta, se ha proyectado como cierre del tríptico a competición la tragicomedia "Adikos Kosmos", de Filippos Tsitos.

5 sitios de Internet desde donde pueden verse películas gratis

2011-09-22T11:36:00.000-07:00

Documentales, rarezas, animaciones y hasta películas infantiles son sólo unas de las pocas cosas que se pueden encontrar en estos sitios web en donde se pueden ver películas sin necesidad de bajarlas a un computador. A continuación, 5 páginas de internet que funcionan como videotecas. Imprescindibles para un solitario domingo en la tarde

Página de la National Film Board of Canada, en donde pueden encontrarse centanares de documentales y cortometrajes de animación. foto.fuente:revistaarcadia.com

1. SnagFilms

El fuerte de esta página son los documentales. Acá podrá encontrar historias sobre madres de niños autistas en los años 50, las consecuencias del derrame de petróleo sobre el Golfo de México de la BP, o homenajes a Lovecraft y a Peter Sellers. Además, los fanáticos de Carl Sagan podrán encontrar episodios completos de la serie “Cosmos”.

http://www.snagfilms.com/

2. National Film Board of Canada

Este es el sitio web de la NFB, organización pública canadiense que produce y distribuye películas. Desde acá usted podrá ver cortos y largometrajes animados y documentales sobre variados temas. Para no perderse en esta infinita videoteca, puede buscar las películas según sus intereses. Entre las clasificaciones puede encontrar temas tan variados como sexualidad, industria alimentencia, urbanismo, historia y tecnología.

http://www.nfb.ca/

3. Cinépata

Página del escritor y director de cine chileno Alberto Fuguet en donde puede verse lo más reciente del cine latinoamericano que, lastimosamente, cuenta con escasa difusión. Entre las joyas que se pueden ver en esta página están cortos de Andrés Caicedo recuperados por Luis Ospina, el documental “Al unísono” que sigue las carreras de los músicos Javiera Mena y Guepe, y el largometraje “Velódromo” del novelista chileno. Además, la página funciona también como blog en donde pueden leerse reseñas de películas de cartelera. Definitivamente una gran opción para quienes buscan conocer lo que está sucediendo en el cine latinoamericano.

http://www.cinepata.com

4. Documentary Heaven

Uno de los sitios más populares en la web para ver documentales. Ordenados por temática (economía, drogas, educación, entre otros) esta página pone a disposición de los usuarios obras como “American Philosopher”, que se pregunta sobre el papel de los filósofos en Estados Unidos, “Waiting for Superman”, que indaga sobre el sistema educativo, y “Presunto culpable”, polémico documental mexicano que denuncia al sistema judicial de este país. Recomendado para los gomosos de los documentales.

http://documentaryheaven.com/

5. Cuevana

La reina indiscutible de los amantes del cine y de las series de televisión. Esta extraordinaria página argentina se actualiza constantemente y ofrece una variada selección de películas y series que van desde el drama hasta la comedia musical. Tiene un buscador que permite encontrar videos por título, actor o director. Entre las maravillas que se pueden ver están el documental “The Devil and Daniel Johnston”, la trilogía de “El padrino” y una selección de las mejores películas de Woody Allen, Sydney Lumet y Francis Ford Coppola.

http://www.cuevana.tv/

Estética y voyeurismo

2011-09-20T04:45:00.000-07:00

Llega a las librerías una curiosidad literaria para los amantes del cine

Portada Las estrellas al desnudo. Guía del Voyeur. foto.fuente:vive.in

"Las mujeres desnudas nacieron con el cine, porque, a fin de cuentas, las imágenes ofrecían la oportunidad de alcanzar uno de los objetivos más deseados por el hombre: mirar sin ser visto. En realidad era sustituir el clásico ojo de la cerradura por una pantalla enorme donde contemplar lo que nunca hubiéramos imaginado".

Con estas palabras introducen Luis Miguel Carmona y Tom Peeping su libro 'Las estrellas al desnudo. Guía del voyeur'. El resultado de una larga investigación que recopila 1.350 fotografías de desnudos cinematográficos femeninos.

En la primera parte del libro, el lector podrá encontrar en orden alfabético una reseña de las actrices más emblemáticas de la pantalla grande, una breve biografía y la lista completa de las películas en la que se han desnudado especificando las partes del cuerpo que aparecen al descubierto. También están en la lista aquellas que nunca se han quitado la ropa, pero que representan un símbolo sexual en el imaginario colectivo.

Luego de esta primera parte informativa, los lectores podrán liberar todo su espíritu voyeurista y dejarse seducir por las 696 fotografías más sensuales, de más de 400 actrices, entre las cuales encontrarán iconos del cine que van desde Brigitte Bardot a Angelina Jolie, pasando por Sylvia Kristel, Kim Basinger, Demi Moore, Maria Conchita Alonso o Mia Farrow.

Como si esto fuera poco, para complacer al lector, el libro presenta en su tercera parte, fotograma tras fotograma, escenas como La de Jane Fonda en 'Barbarella' o el cruce de piernas de Sharon Stone en 'Bajos instintos' que son las que, según los autores, "uno se llevaría a una isla desierta".

Este exhaustivo catálogo de actrices resulta muy interesante tanto para los simples mirones, como para los cinéfilos más serios que podrán ver cómo ha evolucionado la estética del desnudo en el cine a través de los años y como esta varía según los países.

'Las estrellas al desnudo'
Luis M. Garmona/ Tom Peeping
T&B Editores
382 páginas
$ 89.900

La librería de viajes de "Notting Hill", salvada del cierre por los pelos

2011-09-19T02:03:00.000-07:00

Los propietarios del local que inspiró la película de1999 con Hugh Grant y Julia Roberts bajaron la persiana el fin de semana pasado, pero ha aparecido un comprador interesado

Un fotograma de la película "Notting Hill".foto.fuente:abc.es

En agosto, los propietarios de "The Travel Bookshop", una de las estrellas del barrio londinense de Notting Hill y destino favorito de muchos turistas culturetas de visita en la capital británica, anunciaron su cierre después de 32 años en el negocio

En esta librería de viajes se enamoraba una encantadora Julia Roberts de su simpático y atractivo propietario, Hugh Grant, en la famosa película «Notting Hill» (1999). El local fue en realidad reconstruido en la vecina Portobello Road para rodar las escenas, un pequeño fraude cinematográfico que suele frustrar a muchos visitantes, pero que nunca ha impedido que la librería figure entre los destinos más populares de este barrio.

Notting Hill se consolidó en los 50 y 60 como el lugar de residencia de parte de la población caribeña de la capital. El espíritu de Jamaica atrajo a su vez a «beatniks», bohemios y rockeros para dar al barrio un aire alternativo en los 70. Pero, ya en los 80, la transformación del mercado inmobiliario disparó los precios en esta zona, caracterizada por viviendas de mayores dimensiones que en otras zonas del centro de Londres. Y el barrio se convirtió en una apartada orilla para las clases pudientes, simbolizada por el llamado «clan de Notting Hill» de principios de los 2000, un grupo de cachorros del conservadurismo británico como David Cameron o George Osborne, hoy primer ministro y ministro de Finanzas del gobierno de Su Majestad respectivamente.

La crisis económica amenazaba ahora con echar el cierre a la librería más ilustre del barrio. The Travel Bookshop declaró pérdidas después de impuestos de más de 20.000 euros en el último ejercicio, y tenía deudas pagaderas en doce meses de más de 47 millones de euros, según datos recabados por «The Daily Telegraph». Su propietario en los últimos 25 años, Simon Gaul, anunció el pasado 22 de agosto que iniciaba dos semanas de rebajas por liquidación total. Ninguno de sus hijos quería heredar el negocio, fundado en 1979. Una campaña liderada por Olivia Cole, poetisa y editora de 30 años, intentó aglutinar a escritores y personajes de la cultura para salvar la librería. «Triste noticia, salvemos The Travel Bookshop», escribió en su cuenta de twitter el actor estadounidense Alec Baldwin (@AlecBaldwin), que hace de novio de Julia Roberts en la película. Sin mucho éxito. El pasado fin de semana bajaron las persianas de la pintoresca librería. Una baja cultural más en esta crisis que arrasa con casi todo.

«A menudo escuchabas, "esta no es la de verdad», explicaba a «The Guardian» Saara Marchadour, gerente de la librería en los últimos dos años: «Cerrarla sería desperdiciar un personal muy talentoso y 30 años de historia; espero que un nuevo propietario pueda reabrirla», decía recientemente. Y ese alguien ha aparecido. Tras dos semanas de rebajas, discurridas en un clima de abatimiento en el que muchos vecinos se han acercado por primera vez a la librería, ha trascendido que la cadena de librerías «The Book Warehouse» está dispuesta a comprarla. «Será un nuevo capítulo», afirmaban ayer fuentes de la empresa al vespertino «The Evening Standard».

Un consuelo a medias para los amantes de las librerías con alma, como era la famosa librería de viajes, frente a la experiencia más comercial que cultural que ofrecen los locales de «The Book Warehouse», espacios homogéneos orientados a los «best-sellers» y los grandes libros de exposición para la mesa de café. Al igual que en España, la revolución digital unida al periodo de crisis que atraviesa Europa está castigando duramente a las librerías independientes, que en marzo de 2010 hicieron duelo por el cierre de otro de sus establecimientos más señeros, The Kilburn Bookshop, en Paddington.