31/10/11

El cine frustrado de Gabo y Buñuel

García Márquez envió dedicada al director una sinopsis de una comedia titulada Es tan fácil que hasta los hombres pueden, pero nunca llegaron a rodarla
Acapulco, 1965: Gabriel García Márquez (con gafas, sentado), Luis Alcoriza, sentado a la izquierda, y, a su derecha, Luis Buñuel.
Luis Buñuel, a la izquierda, con Gabriel García Márquez, en una fotografía perteneciente al archivo del cineasta. fotos.fuente:elpais.com

"Para Don Luis, cordialmente...". Don Luis era Buñuel. El autor de la dedicatoria, Gabriel García Márquez. Dos genios del siglo XX. El objeto en cuestión: una sinopsis de comedia entre alegre, surrealista y ligera titulada Es tan fácil que hasta los hombres pueden. ¿El deseo del autor? Seducir al maestro para que la rodara. ¿El resultado? Papel mojado.

Pero existió. Y la copia inédita reposa en el archivo del cineasta que ahora custodia la Filmoteca Española. Javier Herrera, bibliotecario y experto en Buñuel, que ya dio cuenta de su existencia en la revista Litoral, lo ha estudiado ahora a fondo y ha llegado a una clara conclusión. "Es muy probable que intentaran hacer algo juntos", asegura. Una pena que no surgiera.

Corría el año 1962. Gabriel García Márquez no era todavía Gabriel García Márquez para el mundo. Había publicado un par de novelas, La hojarasca y El coronel no tiene quien le escriba, un puñado de cuentos y trabajaba por entonces en La mala hora. Se ganaba las gachas con encargos que iban desde el destajo periodístico a los guiones de cine. Buñuel, en cambio, ya era Buñuel. Desprendía de lejos y de cerca esa estela mítica donde se adivinaba al iconoclasta irredento. Era toda una leyenda a quien veneraban los jóvenes talentos del momento a ambas orillas del Atlántico. Vivía exiliado por entonces en México, el país más surrealista del mundo, según su amigo André Breton, donde le dejaban hacer el cine que le daba la gana.

Ambos compartían vino, dry martinis, comidas, tertulias y amigos como Carlos Fuentes o Luis Alcoriza. Este último, guionista de Buñuel durante toda la etapa mexicana, fue el nexo cinematográfico. Con él, García Márquez también trabajó a fondo.

La historia era sencilla y sin pretensiones. García Márquez se la había dedicado a Janet Riesenfeld, la esposa de Alcoriza, para quien seguramente había imaginado uno de los tres papeles femeninos protagonistas: tal vez el de Licha, "la más guapa", señala él mismo en la sinopsis.

Empieza así: "Tres chicas guapas, alegres, emprendedoras, que, a pesar de ser primas hermanas no se conocen entre sí ,llegan a la capital desde distintos lugares de provincia, ilusionadas con la noticia de que su tío solterón les ha dejado una herencia...".

Las muchachas han dejado casi todo y se han metido en préstamos pensando que iban a heredar el dorado. Pero caen del burro cuando comprueban su fortuna. Una gasolinera cochambrosa, situada, para colmo, en una calle de escaso tránsito. Según Herrera, se trataba de un proyecto muy feminista: "El propio título lo indica". El desarrollo también. Porque las chicas sacan el negocio adelante mediante todo tipo de follones, triquiñuelas y hasta escándalos públicos.

Resulta una incógnita irresoluble para el arte universal lo que hubiera salido de aquella combinación. La posteridad y sus admiradores en todo el mundo puede que hoy lamenten que no llegara a concretarse. El cineasta lo guardó en su archivo, todo un síntoma. Pero por aquel entonces andaba metido en El ángel exterminador.

Ahora, en manos de Buñuel, aquella historia disparatada propuesta por el escritor colombiano podía ser oro. Además de El ángel exterminador, don Luis vivía la promoción de otro de sus éxitos internacionales y sus coqueteos con un deseado regreso a España. Respecto a eso, el historiador de cine Román Gubern recuerda todavía cuál fue la reacción de Ricardo Muñoz Suay cuando recibió el guion de aquella película en cuestión, la que le proporcionaría parte de sus sueños: "Es una historia blanca sobre una novicia. Me parece una mierda, pero siendo de Luis, la película estará muy bien". Era Viridiana.

Quien sí lamenta que no cuajara lo de García Márquez es Carlos Fuentes. "En el caso de Buñuel, hacer una lista de lo que no hizo supone sumar más cosas de las que hizo", asegura. "Él fue una gran influencia para nosotros, sobre todo en Gabo y en mí, que íbamos a verlo constantemente".

Sin olvidar a Alcoriza, quien fue el absoluto lazo de unión. Cuando García Márquez recaló en México, el guionista y director español le ayudó mucho. Aterrizó en el país latinoamericano al estallar la guerra. Escapó al sentirse señalado por pertenecer a una familia de cómicos de la legua con fuertes convicciones republicanas. Una vez en México destacó como actor y se hizo famoso al interpretar a Jesucristo -cosa nada habitual en la época, algo cercano al sacrilegio para muchos- en María Magdalena, pecadora de Magdala y Reina de reinas: la virgen María.

Como guionista fue fundamental en la etapa mexicana de Buñuel. Javier Herrera lo resalta: "Era un gran dialoguista, conocedor del habla de los bajos fondos. Algo crucial para Buñuel, porque en México estuvo demasiado encerrado, no se llegó a adaptar y desconocía esos ambientes".

Pero allí estaba Alcoriza para dar voz y habla a las criaturas desheredadas de Los olvidados, a la cegadora neurosis del celoso en Él y a los aterrados burgueses de El ángel exterminador. "Siempre reconoció a un padre en Buñuel, un maestro en la vida y en su trabajo, pero, después, en su cine, llegó a ser mucho más radical en ciertos aspectos que su mentor", apunta Herrera.

Si Buñuel era padre, García Márquez fue hermano. Y siempre tiraba de ambos para que le alumbraran con ideas y sugerencias. Alcoriza debió alentar a fondo la idea de que colaboraran juntos. Otro rastro descubierto por Herrera ha sido la huella que los dos dejaron en otro proyecto fallido: la adaptación de La casa grande, una novela de Álvaro Cepeda Samudio, amigo de García Márquez.

En el cuaderno donde Alcoriza, cuyo archivo también está en la Filmoteca, desarrolla la historia, el cineasta anota: "Hemos pensado que la obra debe pasar por manos de Buñuel, que haga una crítica severa, pero no gratuita, sino sugiriendo soluciones o mejoras. Lo mismo sucede con Gabo, creador de ese mundo. Tiene que leerla y dar opiniones e ideas. Él mismo se ofreció de motu propio. Es más, creo que sería magnífico que en un momento oportuno, cuando las cosas empiecen a caminar solas, vaya a Barcelona 3 o 4 días para hablar largamente con él y mejorar el guion".

26/10/11

Película que cuestiona autoría de Shakespeare desata polémica en Londres

Anonymous, de Roland Emmerich, lo describe como un actor borracho y analfabeto



Tráiler de "Anonymous", película de Roland Emmerich en la que muestra a William Shakespeare como un actor borracho y analfabeto. videoclip:youtube.com.fuente:elespectador.com

La película "Anonymous", que cuestiona la autoría de William Shakespeare y lo describe como un actor borracho y analfabeto, ha desatado la polémica en el Reino Unido tras su estreno en el Festival de Cine de Londres.

La cinta, dirigida por el alemán Roland Emmerich y protagonizada por Rhys Ifans y Vanessa Redgrave, ha enfurecido a la fundación Shakespeare Birthplace, que ha decidido optar por una respuesta drástica y tachar el nombre de Shakespeare de señales de tráfico y carteles de pub en protesta por lo que considera "una manipulación de la historia y la cultura inglesa".

La campaña de la organización del condado de Warwickshire, que promueve el estudio de su ciudadano más célebre, pretende hacer reflexionar de esa forma sobre cómo sería el mundo sin el más grande dramaturgo inglés, que escribió 37 obras de teatro y 154 poemas.

La película de época de Emmerich, director de súper producciones de Holywood como "Independence Day" y "The Day After Tomorrow", sostiene que fue Edward de Vere, barón de Oxford, y no Shakespeare es el autor de "Hamlet", "Romeo y Julieta" o "Titus Andronicus".

Según la cinta, que reconoce no estar basada en hechos probados, Shakespeare era un actor borracho y analfabeto que empezó a firmar las magistrales obras del barón de Oxford, que escribía de manera anónima para evitar la censura de la Corte, después de amenazarle con revelar su identidad.

"Esta película contradice un montón de hechos históricos, pero con ella se corre el riesgo de que gente que nunca ha cuestionado la autoría de Shakespeare pueda ser engañada", denunció Paul Edmondson, responsable de la fundación Shakespeare Birthplace.

En la campaña de protesta contra la polémica película han participado un total de diez pubs de Warwickshire, que han ocultado la palabra Shakespeare de sus letreros, incluido uno en la localidad de Welford donde se cree que el bardo tomó su último trago.

Además, miembros de la fundación han tachado el nombre de Shakespeare en todas las señales de tráfico que dan la bienvenida al condado del dramaturgo inglés mientras un memorial en su nombre ha sido tapado con una sábana en su localidad natal, Stratford-upon-Avon.

Los críticos británicos de cine no se han sentido tan ofendidos por la reversión histórica de Emmerich y, a pesar de no compartir su gusto por los excesos visuales y su falta de sutileza de unas escenas realmente violentas, reconocen el trabajo de los actores y que la cinta es muy entretenida.

22/10/11

Muchos mitos y algunas verdades sobre "Desayuno con diamantes"

La adaptación que Blake Edwards hizo de la novela de Truman Capote cumple 50 años sin haber perdido ni un ápice de su encanto. En estas cinco décadas Desayuno con diamantes se ha convertido en una película emblemática plagada de escenas míticas que poco o nada tienen que ver con la obra original

El vestido de Audrey Hepburn, un icono de la moda. fotos.fuentes:lainformacion.com,youtube.com

¿Amistad o amor?

Desayuno con diamantes es, básicamente, una película romántica. Paul se enamora de Holly a primera vista y lucha por conquistarla pese a no ser tan rico como a ella le gustaría. Sin embargo, esta romántica relación es un invento también del cine, ya que en la novela de Capote lo que les une es más un lazo de amistad. De hecho, el personaje de Paul en el libro reconoce estar enamorado de Holly pero como lo estaría de una familia de vecinos o del cartero. Una curiosa comparación la suya.

El pegadizo estribillo de Moonriver, la bonita historia de amor entre Holly y Paul, ese final apoteósicamente romántico… Son imágenes, escenas, que todo aquel que ve Desayuno con diamantes recuerda. Sin embargo, muchas de ellas fueron una invención del cine, que cogió una obra más compleja e intrincada para dar a luz a uno de los romances más tiernos que se han visto en la pantalla. En el día que se cumplen 50 años de su estreno, un repaso a esos mitos construidos por el séptimo arte que nunca existieron en la novela de Truman Capote.





Holly, ni tan dulce ni tan inocente

El personaje que dibujó Blake Edwards solo conserva un ligero parecido con el que pintó Truman Capote en su novela. En realidad, el descrito en la obra es mucho más egoísta y egocéntrico que el de la película. En esta, el rostro de Audrey Hepburn, su voz, su frágil figura y su voz contribuyen a rodearla de un halo de inocencia y fierecilla salvaje que no quiere ser domada. También contribuyó a formar esa imagen el hecho de que el guión prescindiese de algunos pasajes como la pérdida del bebé que Holly espera de José, la forma en la que ocurrió y cómo se aprovecha de su compañera de piso.




El final de Capote no es ‘made in Hollywood’

La película opta por un epílogo ‘made in Hollywood’ que no tiene nada que ver con el final elegido por Capote. Primero no hay ningún anillo y ninguna incisión hecha en Tiffany’s, En realidad, los dos protagonistas nunca van juntos a Tiffany’s en el libro. Segundo, Holly abandona su gato en uno de los barrios más pobres y peligrosos de la ciudad y en ningún momento vuelve a buscarlo. Tercero, Holly no se queda en Nueva York, sino que se marcha a América Latina en busca de un hombre rico que la mantenga. Misión que, como no, consigue llevar a cabo. La postal con la que en el libro Holly da por última vez noticias de sí llega desde Argentina donde dice tener a un “Señor” pegado a la cadera. Nada de lluvia, gatos y promesas de amor eterno.

La elegancia de Holly, nunca fue tal

En el libro no hay rastro del elegante vestido negro diseñado por Hubert de Givenchy, todo un icono de la moda y del cine, con el que Audrey Hepburn aparece en la primera escena de la película: la primera vez que el personaje de Holly Golighly se asoma en el libro lleva un fresco vestido negro, unas sandalias a juego y un collar de perlas. Además, su estilo en la obra de Truman Capote es mucho menos femenino que en la película: lleva el pelo “cortado a lo chico” con mechas de diferentes tonalidades de rubio y unas grandes gafas de sol detrás de las cuales esconde una mirada ligeramente bizca.



La oscarizada Moonriver, un icono creado por el cine

Tanto en el libro como en la película, Holly suele tocar la guitarra sentada en la escalera de incendios, pero en la obra de Capote no aparece la canción Moonriver, con su estribillo oscarizado y pegadizo, sino una extraña canción que sabe “a pinar y a paradera” y que dice “No quiero dormir, no quiero morir, sólo quiero seguir viajando por los prados del cielo”. Es esta canción la que Holly toca hasta el anochecer.





Paul, de narrador a coprotagonista

En esta escena, Paul Varjak entra en la fiesta llevando su primer libro en la mano. En realidad, en el libro, no se menciona en ningún momento el nombre y el apellido del protagonista masculino, ni es un escritor afirmado – sino que, al contrario, celebra la publicación de su primer cuento en una modesta revista universitaria – ni tampoco existe una decoradora que lo mantiene como amante. En el libro es el narrador de la historia de Holly. En la película gana en protagonismo y se convierte en el galán.



Nueva York también es un personaje

Si hay algo en lo que coinciden casi milimétricamente la novela y la película es en tener a la ciudad de Nueva York como un protagonista más de la historia. Esos paseos de los protagonistas, esos edificios, Tiffany’s… Lo que sí varía es la época retratada. En la obra de Capote los hechos transcurren en 1943, siendo durante la Segunda Guerra Mundial cuando muere Fred, el hermano de Holly. Sin embargo, la película se lleva la acción a los sesenta. Se estrenó en 1961 y en ella se hace mención a que el libro publicado por Paul fue lanzado en 1956.



21/10/11

La lista de Schindler no está completa

El héroe antinazi negoció en los sesenta con la Metro un filme sobre su vida que iban a protagonizar Romy Schneider y Richard Burton
Imagen del filme de Spielberg, en el momento que Oskar confecciona la lista. foto.fuente:abc.es

Steven Spielberg «no fue el inventor» de la película «La lista de Schindler», sino que el propio Oskar Schindler intentó que Fritz Lang rodara su historia y llegó a firmar un acuerdo con la Metro-Goldwyn-Mayer para escribir un guión con Romy Schneider y Richard Burton como protagonistas.

Así lo ha contado hoy la heredera y albacea de Oskar Schindler, la escritora y periodista argentina Erika Rosenberg, quien ha explicado en el Colegio Alemán de Las Palmas de Gran Canaria lo que no cuenta la producción estadounidense, en la que «por no pagarle derechos» y por «el machismo de Hollywood», se omite que Emilie Schindler participó junto a su marido en la salvación de 1.200 judíos de las ejecuciones nazis.

Según la confesión que le hizo hace tres semanas Branko Lustig, el productor de «La lista de Schindler», la figura de Emilie Schindler, quien ayudó a su marido y llegó a salvar en 1945 la vida a 120 personas que viajaban en un transporte para ser ejecutados, «no era rentable» para Hollywood, «que siempre ha necesitado presentar un hombre en la pantalla».

«Hasta la última hora»

La escritora entiende que la esposa del industrial alemán «no sirviera» para los objetivos de la producción estadounidense «porque era demasiado católica, decente y buena», si bien ha garantizado que el contrato que el matrimonio Schindler firmó en 1963 con la MGM para hacer la película originaria, que debió llamarse «Hasta la última hora» y de la que percibirían el cinco por ciento de sus derechos, daba un papel relevante a Emilie.

Tanto era así, ha destacado, que la MGM escogió a una «diva» como Romy Schneider para que encarnara a Emilie Schindler y a Richard Burton para que hiciera de Oskar.

A pesar de lo avanzado que estaba el proyecto, «se cayó» en 1967 por causas que Rosenberg desconoce y sin que el matrimonio llegara a «recibir ni un centavo».

Sin embargo, en su intento por recuperar el guión que había escrito, que consideraba «un pequeño triunfo en su vida» Oskar Schindler contactó en repetidas ocasiones por carta con la persona que mediaba entre él y la MGM para tratar las cuestiones relativas a la fallida película.

Oskar Schindler murió en 1974 y el guión y los derechos del contrato se vendieron a espaldas de Emilie Schindler, su heredera universal, y fue a parar a manos de uno de los judíos de la lista, llamado Pfefferberg, que era la persona que mediaba entre Schindler y la MGM.

Los derechos, para uno de la lista

Rosenberg ha explicado que Pfefferberg vivía por entonces en Los Ángeles, donde regentaba un negocio de cuero. Un día entró en su tienda Thomas Keneally, el autor de «La lista de Schindler», al que le propuso hacer un libro con los datos del guión que poseía, algo que aceptó el escritor australiano, aunque «manipuló» algunos datos, al dar a entender que Emilie Schindler había muerto cuando se terminó de escribir la publicación.

Sin embargo, Emilie, que nunca se divorció de Oskar, fue invitada en 1993 por Steven Spielberg a asistir al rodaje de la última escena de «La lista de Schindler», pero en calidad de «sobreviviente judía que fue salvada por Oskar Schindler».

Estando en Jerusalén, adonde en un principio no quiso viajar por la indignación que le causó esta invitación, aunque finalmente acudió acompañada por Erika Rosenberg, Emilie fue reconocida en una gala previa al rodaje por «el doctor Dresner», uno de los judíos de la lista, «como la salvadora de su madre», uno de los 120 judíos que viajaban en el transporte que la esposa de Schindler «salvó de la muerte segura en 1945».

La sonrisa de Spielberg

Cuando supo quién era, Spielberg se acercó unos metros a la mesa donde se sentaba Emilie, le sonrío y se dio media vuelta, ha aseverado hoy Rosenberg.

De vuelta de su viaje a Israel, y dados sus problemas económicos, Emilie decidió reclamar sus derechos a Spielberg y a la Universal al enterarse del éxito de «La lista de Schindler».

Ayudada por una consultoría de Estados Unidos, que puso a su disposición gratuitamente a sus abogados, inició un proceso en 1996, al que los demandados respondieron en 1999 alegando, con pruebas, que la película arrojaba unas pérdidas de 13 millones de dólares y que Emilie no tenía derecho a ninguna ganancia porque se había divorciado de Oskar, cosa que no era verdad.

Ante ello, la esposa decidió no seguir con el juicio porque le hubiera costado 100.000 dólares que no tenía y el 5 de octubre de 2001 murió con la última voluntad de ser enterrada en Alemania, según consta en su testamento, del que Erika Rosenberg es albacea.

Hace tres semanas, la albacea de los Schindler coincidió en un evento literario celebrado en Braunau am Inn (Austria), donde nació Hitler, con Branko Lustig, el productor de «La lista de Schindler», quien le confesó que habían filmado la escena de cómo Emilia salvó a las 120 personas que viajaban en el transporte, «pero que la habían sacado porque no era rentable»

20/10/11

La secuela de "El Código Da Vinci" tiene nuevo director

Mark Romanek es el elegido para sustituir a Ron Howard al frente de El símbolo perdido
Audrey Tatou y Tom Hanks protagonizaron El Código Da Vinci. foto.fuente:abc.es

Mark Romanek es el elegido para sustituir a Ron Howard al frente de la franquicia que lleva al cine las aventuras del profesor Robert Langdon en las novelas escritas por Dan Brown. «El símbolo perdido» continúa con el universo de «El Código Da Vinci» y «Ángeles y Demionios», dos películas que en su día dirigió Ron Howard.

Las intenciones de Sony -propietaria de los derechos cinematógraficos- eran que Howard repitera en la tercera película, pero recientemente el cineasta anunció que renunciaba a dirigir el proyecto y que sus labores se limitarían a las de productor. Poco ha tardado la productora en mover ficha y ha puesto sus ojos en Mark Romanek («Nunca me abandones»), según informa «Deadline», que también apunta que el acuerdo no se ha cerrado todavía. Con quien sí espera contar Sony de nuevo es con Tom Hanks, que ha encarnado al profesor Langdon en las dos películas anteriores.

Publicada seis años después del último libro de Brown, «El Símbolo Perdido» vuelve tras los pasos del profesor de Harvard Robert Langdon. En esta ocasión, el protagonista se sumerge en el mundo secreto de los masones y sus rituales a lo largo de doce horas en un thriller de 600 páginas ambientado en Washington.

Dan Brown, guionista

La adaptación de las dos anteriores obras de Brown recaudaron 1.240 millones de dólares en la taquilla mundial para Sony. Pero ésta será la primera vez que Dan Brown escribirá los guiones. Akiva Goldsman adaptó «El Código Da Vinci» y coescribió «Ángeles y Demonios» con David Koepp.

Al parecer, el primer boceto del libreto de «El Símbolo Perdido» ya fue encargado a Steven Knight, guionista nominado al Oscar por «Promesas del Este». Tomando este trabajo como base, Dan Brown será quien reescriba el guión y dé las pinceladas a la versión definitiva.

19/10/11

El fabuloso mundo de Amélie

¿Supongo bien si supongo que todos ustedes han visto la peli El fabuloso mundo de Amélie, que estuvo a punto de alzarse con el Oscar al mejor filme extranjero del año 2001?

El fabuloso mundo de Amélie. película francesa de Jean-Pierre Jeunet.foto:internet.fuente:elespectador.com

Pero si fuese así que algunos de ustedes no la conocieran, pues no importa. Porque de lo que quiero hablarles no es de la película sino de un epifenómeno relacionado con ella.

Lo de epifenómeno, por favor, no debe despistarles. No soy un filósofo, para quienes los epifenómenos son fenómenos secundarios o adicionales, ni tampoco soy médico, quienes entienden como epifenómenos ciertos síntomas secundarios o accesorios. Sencillamente soy un periodista que a veces se enamora de algunas palabras. Epifenómeno, en mi caso, es una de ellas.

Y ocurre que el fenómeno secundario o adicional derivado de la película El fabuloso mundo de Amélie es que todos los que, después de verla, viajamos a París, no pudimos ni quisimos resistir la tentación de visitar los lugares donde transcurre su acción.

Tomamos el metro hasta la estación Blanche, entre Pigalle y Clichy, y salimos justo frente a la entrada a la rue Lepic, que es de las se empinan hasta la colina de Montmartre; y una vez caminando por la calle Lepic descubrimos a la izquierda la Brassería de los dos Molinos, donde Amélie se desempeña como camarera, y un poco más arriba, en la acera opuesta, la carnicería donde se expende carne equina, con su muestra que es la cabeza de un caballo a la cual le falta la oreja derecha, y algo más arriba, luego de torcer a la derecha y seguir subiendo a la izquierda por una callecita de cuyo nombre no logro acordarme, la suntuosa tienda de hortalizas, frutas y legumbres que ocupa toda una esquina y es uno de los lugares clave de la película, a escasos metros de la place de Tertre, donde los turistas se arremolinan alrededor de los pintores callejeros, y algunos hasta se dejan caricaturizar por ellos e incluso les pagan de buena gana por la caricatura, una subespecie de masoquismo a la que nunca fui proclive.

Cuatro veces he estado en París desde que vi El fabuloso mundo de Amélie, y de las cuatro he peregrinado tres a ese mundo. La última fue el 10.1.2008, con Rocio Arias Hofman y Andrés Hoyos, y así quedó reflejado en mi diario: «Pasamos a dejarle correo de El Malpensante a Jean-Claude Carrière, que está ausente de París, y de su casa estamos a un tiro de piedra de la Place Blanche, así pues una ocasión que ni pintiparada para hacer el recorrido de la película La fabulosa vida de Amélie. Y allá vamos, rue Lepic arriba, a la brasería Los Dos Molinos, donde entramos a tomar café para descubrir lo que debe saber todo turista desprevenido: que el café de esa brasería no es de la mejor calidad (para decirlo caritativamente), y que además el espacio interior del local ya no es el de la peli, se descangayó al desaparecer el mostrador y los estantes del Tabac. Sic transit!»

De todos modos, e incluyendo la inevitable cuota de desilusiones, es así como uno va juntando escenarios del imaginario universal.

En mi caso es un museo íntimo, muy personal, en el que figuran el apartamento secreto junto a la Westerkerk, en Amsterdam, donde se escondiera la familia de Anna Frank y ella escribió su diario; y la fábrica de tabacos de Sevilla, que vio los afanes laborales de Carmen y las horas perdidas estudiando abogacía por quien les habla, pues desde los años 50 la fábrica se convirtió en Universidad Hispalense. En ese museo íntimo y muy personal se cuenta también uno de los barrios más peligrosos de São Paulo, donde se desarrolla la excepcional novela Cero, del brasileño Ignacio de Loyola Brandão: menos mal que iba en su compañía, que es algo así como recorrer el infierno de la mano amiga y protectora de Virgilio. Y en ese museo íntimo y muy personal, pongo un quinto ejemplo, figura también mi recorrido por las calles de Dublín el 16 de junio de 1979, cuando se cumplían 75 años del día en que transcurre la acción del Ulises de Joyce, en una época en que la municipalidad de la capital irlandesa aún no lo había descubierto y prostituido como tour turístico.

En fin, y para terminar, atesoro también la visita de otros lugares absolutamente inolvidables pero cuya relación haría estallar las costuras de este post. Sin embargo no quiero cerrarlo sin decirles cuánta vida necesitaría todavía para visitar algunos escenarios que me faltan: el zaquizamí de Raskolkinov en Crimen y castigo; la isla de Juan Fernández, donde se fraguó la epopeya de Robinson Crusoe; las calles de Nueva Orleans montado en un tranvía llamado Deseo; el sanatorio de Davos donde Hans Castorp le propina a Clawdia Chauchat, en La montaña mágica de Thomas Mann, la declaración de amor más bella de la historia de la literatura; y para equilibrar la balanza con otro quinto ejemplo, les confieso que algún año quisiera pasar el Día de los Difuntos nada menos que en Comala, y a lo mejor hasta matizando un mezcalito con Pedro Páramo.

Sea como fuere, me consuelo pensando que al menos ya he recorrido, a cambio, muchas veces, la extensión más inhóspita y más hospitalaria: La Mancha de mi señor Don Quijote. Vale.

12/10/11

Javier Bardem encarnará a villano en próxima película de James Bond

El actor español confirmó su participación en el filme que se estrenará en 2012
''Estoy muy entusiasmado porque mis padres me llevaban a ver las películas y las vi todas, así que interpretar al villano va a ser divertido'', dijo el actor.
foto: AFP.fuente:emol.com

El actor español Javier Bardem ínterpretará al villano de la próxima película de la saga de James Bond, que se estrenará en el 2012.

Bardem confirmó los rumores de este papel en el programa "Nightline" de la cadena estadounidense ABC News.

"Estoy muy entusiasmado porque mis padres me llevaban a ver las películas y las vi todas, así que interpretar al villano va a ser divertido", dijo Bardem. "Me eligieron para interpretar a este hombre, pero no puedo dar muchos detalles", añadió.

Bardem, casado con la actriz española Penélope Cruz, ganó el Oscar a mejor actor secundario con un papel antagónico en la cinta de los hermanos Coen "Sin lugar para los débiles".

La próxima película sobre al agente secreto 007, que se llama por el momento "Bond 23", se estrenará en noviembre del 2012.

11/10/11

Noventa latigazos y cárcel: el precio de ser actriz en Irán

Marzieh Vafamehr ha sido condenada por su papel en Mi Teherán a subasta
Imagen del filme Mi Teherán a subasta, con Marzieh Vafamehr.foto.fuente:elpais.com

"La película tiene una directora y un productor. ¿Por qué no los castigan a ellos? ¿Por qué solo retienen a mi esposa?". Esta queja salía de la boca del director de cine iraní Nasser Tagh-vai tras conocer la detención de su mujer, la actriz Marzieh Vafamehr. Tres meses más tarde su pregunta sigue sin respuesta, pero el castigo de su esposa ya ha sido dictaminado por el juez: 90 latigazos y un año de prisión. El crimen: actuar en Teherane man haray (Mi Teherán a subasta), de Granaz Moussavi, una película que explora los límites de la libertad de expresión en Irán. Su abogado apelará la sentencia.

Vafamehr es la única condenada por el largometraje, que narra las dificultades de una artista teatral iraní que se ve obligada a vivir en la clandestinidad para poder expresar su obra. La actriz aparece en varias ocasiones con la cabeza afeitada y sin pañuelo islámico en la película, que tiene de fondo la opresión cultural que sufre la sociedad iraní y algunos tabúes como el consumo de drogas. El filme, de 60 minutos, fue producido hace cuatro años por Granaz Moussavi, una ciudadana iraní residente en Australia como parte de sus tesis doctoral. En ella participaron estudiantes y actores, con el permiso del Ministerio de Cultura y Orientación Islámica. A pesar de estar prohibida su proyección en el país, ganó numerosos premios internacionales y llegó a presentarse en el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de 2010, al igual que en el certamen de Toronto en 2009.

Según las declaraciones del marido de la actriz a la web opositora Kalemeh.com, el filme, que se rodó en el verano del 2008 en Teherán "sin dificultades", llegó a Irán por vías desconocidas, lo que desencadenó varios arrestos que comenzaron en julio de este año. Según Taghvai, "antes se vendía a 12.000 riales [algo más de un dólar] y ahora, debido al proceso, a 70.000 riales [unos seis dólares]". Se desconoce a ciencia cierta por qué los demás participantes de la película han sido liberados y Vafamehr continúa en prisión. Sin embargo, una cosa está clara: la presión sobre los artistas, en especial sobre las mujeres cineastas o actrices, ha aumentado en los últimos meses en Irán y varias de ellas han sido detenidas, procesadas y condenadas a diversas penas.

Según Kalemeh.com, el abogado de Vafamehr ya ha interpuesto un recurso contra la sentencia. Mientras tanto, la actriz acumula meses en la prisión de Garchak, en Baramin, en la provincia de Teherán, un antiguo gallinero que, según su marido, no reúne las condiciones mínimas de habitabilidad.

Mientras tanto, el Gobierno sigue deteniendo cineastas. Cuando aún colea en el mundo cinematográfico la indignación por la condena a seis años de cárcel y la prohibición de hacer cine a los directores Jafar Panahi y Mohammad Rasoulof, en septiembre otros seis cineastas independientes fueron detenidos tras ser acusados de dar información "negativa para Irán" al servicio en farsí de la BBC. Dos de ellos, Nasser Saffarian y Mosen Shahrnazdar, fueron liberados el sábado.

El Páramo, película colombiana, participará en los premios Goya

El filme participará en la categoría de mejor largometraje iberoamericano en el evento realizado por la Academia de Cine de España



Con una de las mejores aperturas en taquilla para el Cine Colombiano reciente, la película El Páramo llegó al público nacional desde el pasado viernes 07 de septiembre. La importante cifra de 45.000 espectadores que logró en tan solo tres días de estreno, habla de la fuerza con la que entra este filme en la cartelera y basta ver los comentarios de los espectadores en las redes sociales, para percibir el buen boca a boca que suscita desde ya El Páramo dentro del público colombiano. Pero el éxito no termina allí, este mismo fin de semana, se dio a conocer que será la producción que representará a Colombia en los Goya.

Este fin de semana, en pleno estreno de la película en las salas de cine en toda Colombia, la Academia Colombiana de Artes y Ciencias Cinematográficas, bajo la dirección del cineasta Lisandro Duque, dio a conocer la elección del filme El Páramo como la película que representará a Colombia en los Premios Goya 2012 de la Academia de Cine Español, optando por una de las nominaciones para Mejor Película Iberoamericana.

Para Federico Durán, su productor "El respaldo de la Academia Colombiana a El Páramo es una importante oportunidad para que esta película logre tener una divulgación mucho más amplia dentro del mercado español, uno de los más importantes para todos los que creímos en ella, si se tiene en cuenta que esta es una co producción con España y que cada día necesitamos mejores respuestas de nuestro cine en los mercados del mundo. Rhayuela Cine apuesta por un cine de alta calidad, pero que al mismo tiempo se conecte el público, no se quede en minorías y sea motor de una industria en crecimiento, como la nuestra. Por ello creo que esta noticia es un gran espaldarazo a esa apuesta".

Hasta el momento los logros internacionales de El Páramo, hablan de la buena recepción y la conexión que esta película puede llegar a tener con los públicos de otros países. Recordemos que el filme cuenta con la distribución internacional de Wild Bunch; uno de los productores de El amor en los tiempos del cólera, ya compró los derechos de remake para Hollywood; fue estrenada en Austin Texas en el Fantastic Fest y actualmente se encuentra en la selección oficial del Festival de Cine Fantástico de Sitges, España, que concluye el próximo 14 de octubre.

El Páramo es una coproducción con Argentina y España, que cuenta en el país ibérico con el respaldo de la importante compañía Alta Films, una de empresas líderes en la producción y dinamización del mercado cinematográfico español.

10/10/11

Proyectada la película rescatada de Hitchcock

EL PAÍS ofrece en exclusiva un fragmento de The white shadow, cinta proyectada por primera vez en el festival de cine mudo de Pordenone (Italia).- En la película, ahora restaurada, el cineasta debutó con 24 años como asistente de dirección y escritor










The white shadow, en la que el cineasta debutó, con 24 años, como asistente de dirección, escritor, editor y en el diseño de producción. video.fuente:elpais.com

Dos mellizas británicas, idénticas por fuera y opuestas por dentro: Nancy, sin alma y malvada; Georgina, devota y buena. Un estadounidense alto, fanfarrón, un poco bobo y bastante ingenuo encuentra a la primera en la nave que la lleva de vuelta a Inglaterra tras un periodo de estudios en París. Él se enamora, pero ella -incapaz de sentir amor- juega con él enviando a la hermana a sus citas. Nancy es tan mala y rebelde (siempre vestida con pantalones y el pelo corto a lo chico) que empuja al padre al alcoholismo y a la locura; huye de casa, provoca la muerte de la madre, cuyo corazón no aguanta tanto dolor.

Georgina se queda sola y decide buscarla: Nancy está en Londres, con poca ropa y rodeada de hombres se exhibe en el club El gato que ríe. En este punto, The White Shadow se interrumpe. Un verdadero dramón, mudo y en blanco y negro, mutilado posegunda parte de la historia. Lo que queda, tres rollos de película de nitrato (43 minutos), son el valioso testimonio del primer paso que Alfred Hitchocock dio en el mundo del cine. Rodada en Inglaterra en el verano de 1923, fue firmada por el director Graham Cutts. Sin embargo, en la práctica, su autor fue el joven Hitch (nació en 1899), que acababa de ser fichado por la productora Gainsborough Pictures, donde se ocupaba de todo: guion, bocetos, títulos, escenografías, montaje y ayuda a la dirección.

The white shadow puede considerarse su primera obra. Por eso, este verano causó tanta ilusión la noticia de que aquella cinta que se consideraba perdida estaba escondida -al menos en parte- dentro de tres viejas latas propiedad de un coleccionista neozelandés, Jack Murtagh. Revelada y restaurada gracias al esfuerzo conjunto del New Zeland Film Archive, la estadounidense National Film Preservation Foundation y la Academy Film Archive de Los Ángeles, la película, con su blanco y negro desgranado, a veces rosado, a veces embebido de azul tenue, fue proyectada por primera vez la semana pasada en el prestigioso festival de cine mudo en Pordenone, cerca de Venecia.

El festival, dirigido por David Robinson, historiador del cine de renombre internacional y uno de los máximos expertos en Chaplin, sirvió en bandeja a los cinéfilos y a los estudiosos esta joya rescatada del polvo del tiempo. Un documento conmovedor y precioso de los primeros pasos del director de Vértigo, Rebeca o Los pájaros, que revela en ciernes muchos de los temas que más tarde centrarán su producción. Sobre todo la obsesión por una feminidad siempre lacerada, dividida, difícil y nunca apaciguada. Una mujer que es un ángel por un lado y un demonio por el otro. Pero el amor suele vencer. El amor puede solucionar el conflicto. Esta primera vez, como muchas otras en las películas de Hitchcock. El guion nos cuenta cómo acaba la melodramática vida de las dos mellizas: Georgina y el estadounidense entablan una apasionada relación de amor (él sigue pensando que ella sea su hermana Nancy, aquella chica que encontró en la nave desde París), pero ella cae enferma y para ahorrarle un buen golpe a su enamorado, pide a su melliza que la sustituya. En cambio, le dona su sombra blanca, es decir su espíritu de ángel. Georgina muere en el hospital de París; Nancy, malvada redimida gracias al sacrificio generoso de la hermana, goza de la felicidad en Inglaterra con su hombre

8/10/11

El estudio Sony pretende llevar la vida de Steve Jobs al cine según Deadline

Sony Pictures ha realizado una cuantiosa oferta para hacerse con los derechos cinematográficos de una biografía autorizada sobre Steve Jobs, escrita por Walter Isaacson, exdirector de la revista Time, informó hoy la publicación especializada Deadline
En la imagen, Steve Jobs. 1955-2011. foto.fuente:lainformacion.com

Según el portal, el estudio ha presentado una oferta que oscila entre el millón y los tres millones de dólares para un proyecto que contaría con la producción de Mark Gordon ("Saving Private Ryan", 1998), cuya agencia de representación, ICM, es la misma que la de Isaacson.

Sony Pictures ha adaptado con éxito a la gran pantalla otros libros en los últimos años, como demuestran las cintas "The Social Network" y "Moneyball".

Estaba previsto que el libro de Isaacson saliera a la venta en EEUU el 21 de noviembre a través de la editorial Simon & Schuster, aunque finalmente la fecha se ha adelantado al 24 de octubre, según un portavoz de la compañía.

Se trata de una obra de 448 páginas basada en 40 entrevistas con el cofundador de Apple y unas 100 conversaciones con amigos, familiares, compañeros de trabajo y competidores.

Según la publicación, Jobs colaboró en todos los aspectos con el autor del libro, aunque hacia mediados del mes de agosto aún no lo había leído.

En un avance del libro se puede leer esta cita de Jobs: "He hecho muchas cosas de las que no me siento orgulloso, como dejar a mi novia embarazada a los 23 años y cómo me comporté entonces, pero no hay ningún cadáver en el armario que no pueda salir a la luz".

Hasta ahora sólo se ha hecho un filme sobre la figura icónica del empresario, llamado "Pirates Of Silicon Valley", en el que el actor Noah Wyle dio vida a Jobs.

El gurú tecnológico, que desató una revolución en el consumo electrónico con productos como el iPod, el Iphone o el iPad, falleció esta semana a los 56 años.

Era uno de los empresarios más acaudalados de Silicon Valley, con un patrimonio que, según los cálculos de la revista Forbes, alcanza los 5.100 millones de dólares.

Biografía de Steve Jobs se transforma en la nueva obsesión de Hollywood

 El libro autorizado por el propio fundador de Apple fue escrito por Walter Isaacson y estará en librerías en noviembre
El libro de Walter Isaacson estará disponible próximamente en las librerías de EE.UU. y en Hollywood ya empieza la disputa por obtener los derechos.foto:Simon.fuente:emol.com

Han pasado apenas horas desde que se supo la noticia de la muerte de Steve Jobs, uno de los genios tecnológicos más venerados de las últimas décadas, y desde ya su interesante historia ha abierto los ojos de la industria del cine estadounidense.

Pese a su invaluable aporte al desarrollo de nuevas tecnologías a través de Apple y otras iniciativas, la figura de Jobs ha estado escasamente reflejada en el cine e incluso la televisión.

La producción más conocida es el telefilm "Pirates Of Silicon Valley" (1999), donde era interpretado por Noah Wyle, y en el que se narraba su amistad inicial con Bill Gates (Anthony Michael Hall), las posteriores disputas que los llevaron por caminos apartados y cómo, desde un garage, comenzó a construir un verdadero imperio.

De acuerdo al sitio "Deadline", la principal biografía escrita sobre Jobs se ha transformado en un "objeto de deseo" para los estudios de Hollywood, que observan en la historia del emprendedor todos los elementos de una buena película, pasando por su infancia como niño adoptado, su truncada aventura universitaria, sus primeros proyectos que lo llevaron a ser considerado un genio, y la batalla contra el cáncer que lo deterioró en los últimos años de su vida.

La biografía titulada simplemente "Steve Jobs" fue escrita por Walter Isaacson, quien también es autor de textos sobre Albert Einstein y Benjamin Franklin. Su fecha de lanzamiento estaba programada para el 21 de noviembre y por ahora no se han dado a conocer planes de modificar la fecha.

El libro de 448 páginas está basado en cerca de 40 entrevistas con Jobs, quien autorizó la biografía, además de otro centenar de conversaciones con amigos, familiares, colegas y "competidores".
Steve Jobs. 1955. 2011.Visionario informático y empresario estadounidense.Biografía. Apple. Pixar. Disney. EE.UU. Cupertino.California.noticia.


7/10/11

'El páramo', una experiencia visceral

Desde hoy en cartelera nacional

Esta película colombiana es el primer proyecto de Jaime Osorio, una apuesta por explorar el género del horror con el trasfondo de la guerra
"Quería que la película fuera una experiencia visceral para el espectador, que lo cambiara en algo, que no saliera de la sala como entró". Jaime Osorio, director ( En foto con martillo). foto:Carlos Medina.fuente:elespectador.com

La vista se aparta, las manos se aferran y el pulso se acelera. Esos son, al menos, los efectos físicos al enfrentarse a las imágenes de El páramo, donde se reconfirma que la humanidad es lo mejor y lo peor que le ha pasado a la especie.

La angustia de la guerra está marcada en las caras de cada uno de los soldados que conforman el comando de alta montaña que llega a una base desolada en un páramo. El único sobreviviente del lugar les cambiará el rumbo físico y mental.

La paleta cromática de grises, negros y verdes, las respiraciones sofocadas por la altura y el miedo, el claroscuro constante, las actuaciones comprometidas de caras que refrescan la pantalla, la cuidada arquitectura de las tomas, los planos cerrados y la música que acompaña el compás del suspenso son los ingredientes que forman el cuadro de horror de El páramo. Aunque se exagere el recurso de la música incidental y haya ciertas escenas predecibles, la película logra su cometido. Es justamente lo que no se ve, es lo invisible lo que logra mantener la tensión. El enemigo real no será el peligro exterior, sino los vericuetos mentales: la locura como el arma más letal.

Jaime Osorio, quien se ha formado en el mundo de la publicidad, se subió a 4.600 metros de altura para realizar su primer largometraje.

En su opinión, ¿cuál es el gran acierto de la película?
La película genera un impacto en el espectador lo que hace que la experiencia de verla sea activa. Creo que son pocas las películas que logran eso y agradezco mucho cuando salgo del cine sintiéndome diferente de como entré.

¿Cuál ha sido su relación con las películas en el género del horror?
Realmente mis referencias en este género son más literarias que cinematográficas, como las obras de Maupassant o Henry James, o hasta Lovecraft, que son quienes realmente me han influenciado. En cuanto al cine tendría que nombrar algunos clásicos como El resplandor, El exorcista y El bebé de Rosemary.

Cada vez más, el conflicto colombiano es tratado como trasfondo y no como asunto directo.
Es natural y necesario que el cine refleje la sociedad, así que el conflicto debe estar presente en nuestra pantalla directa o indirectamente. El cine no debería ser una evasión de la realidad, sino una inmersión en ella. No mostramos lo que queremos ver, sino justamente lo que no queremos reconocer.

¿Cuáles fueron las reacciones más destacadas de su estreno en el Fantastic Fest, el festival de género más grande en EE.UU.? ¿Qué lo sorprendió?
La gente con la que hablé y las críticas que leí entendieron perfectamente el fondo y se conectaron emocionalmente con la película. La gente la acogió muy cálidamente y los aplausos y los comentarios me llenaron de satisfacción. El Fantastic Fest, a diferencia de los demás festivales, no gira en torno a un jurado sino a la audiencia y a la manera como se relaciona con las películas. El haber presentado por primera vez El páramo, frente a una audiencia acostumbrada a ver lo mejor del cine de género de todo el mundo, y que haya sido acogida de una manera tan calurosa, es una gran recompensa, después de todo el trabajo que significó la realización de la película.

¿Cómo fue el manejo de los actores? ¿Qué les implicó antes de filmar?
Decidí no darles el guión para que no se preocuparan por el texto sino por encontrar la verdad en sus actuaciones. Ensayamos todas las escenas durante meses, antes de empezar a filmar, para descubrir las verdaderas relaciones entre los personajes y las acciones. Durante el rodaje partíamos de lo alcanzado en estos ensayos y a partir de improvisaciones ahondábamos cada vez más y más en esa búsqueda de nuestra veracidad.

No es una película para todos. ¿Qué tipo de público esperan captar?
Esta película puede ser entendida y disfrutada en diferentes niveles, así que no creo que esté dirigida a un público en particular. Puede que la gente aparte la vista de algunas escenas, pero se conecte sensiblemente con otras, o con el fondo de la historia.

¿Qué le trae la publicidad a su manera de hacer cine?
Es una buena escuela, porque enfrenta a los directores a diferentes tipos de géneros, locaciones, tonos, y maneras de filmar. El Páramo, sin embargo, es un ejercicio de puesta en escena basado en la dramaturgia, lo cual está en la esquina opuesta de la publicidad.

6/10/11

El spot más famoso de Apple, rodado por Ridley Scott



El 22 de enero de 1984, justo en el momento de mayor audiencia de Estados Unidos (en el descanso de la Super Bowl), se emitió este anuncio, quizá el más famoso de la historia de Apple. Fue dirigido por Ridley Scott, que había rodado dos años antes Blade Runner, y criticaba frontalmente el pensamiento único, representado entonces por IBM

Sólo se emitió en televisión aquel día, pero desde entonces es un icono publicitario. El 22 de enero de 1984, Apple sorprendía a medio mundo con la emisión de un anuncio muy especial por tres razones.

1-. La primera, el producto que se estaba vendiendo. La compañía de la manzana mordida declaraba la guerra a la gran dominadora del mercado informático en aquella época: IBM. Para ello, se valía de otro símbolo: 1984, la novela de George Orwell sobre un mundo dominado por el pensamiento único y el control de las masas (de ella salió la figura del Gran Hermano que todo lo ve).

Tomando como referencia los mensajes de la obra literaria, el spot parte de la premisa de retar al poder establecido. El mensaje final lo dice todo: "El 24 de enero, Apple Computer presentará Macintosh. Y comprobarás por qué 1984 no será como 1984".

2-. La segunda fue el momento elegido: en Estados Unidos, el desacanso de la Super Bowl (la final de la liga profesional de fútbol americano) supone el acontecimiento publicitario del año, cuando las empresas se guardan sus mejores anuncios. En aquella época, y en aquel momento, un spot tan agresivo supuso toda una revolución.

3-. Y, en tercer lugar, la producción del anuncio. Para su dirección se confió en Ridley Scott, uno de los realizadores del momento y, desde luego, el más apropiado para recrear una atmósfera opresiva, futurista y ucrónica, ya que en 1982 había filmado Blade Runner, y, poco antes, Alien, el octavo pasajero.
fuentes:you tube.com.lainformacion.com

El mundo del cine llora la muerte de Steve Jobs

"Steve vivió el sueño californiano cada día de su vida, cambió el mundo y nos inspiró a todos. Gracias Steve", dijo el actor y ex gobernador de California, Arnold Schwarzenegger
Steve Jobs se paseó por la alfombra roja de los Oscar cuando Up, de Pixar, fue nominada y terminó ganando el premio. foto:Reuters.fuente:emol.com

Actores y directores de Hollywood lamentaron hoy la muerte del fundador de Appel, Steve Jobs, que falleció a los 56 años.

Jobs era además cofundador de los estudios de animación Pixar y el mayor accionista de Disney.

"Steve vivió el sueño californiano cada día de su vida, cambió el mundo y nos inspiró a todos. Gracias Steve", dijo el actor y ex gobernador de California Arnold Schwarzenegger.

"Triste por Steve Jobs. Es comparable a Henry Ford, Carnegie y Edison", dijo por su parte el actor Alec Baldwin.

"El mundo perdió hoy a un verdadero visionario. Piensa diferente", apuntó mientras el actor Kevin Spacey.

También a la desaparición de Jobs se refirió el director Michael Moore poco antes de la manifestación de indignados estadounidenses de la pasada noche en Nueva York.

"Mientras la noticia de la muerte de Steve Jobs circula, todos somos conscientes de que sus creaciones hacen posibles movimientos como este", dijo el cineasta en referencia al papel de la tecnología en los movimientos ciudadanos.

5/10/11

"El Páramo", entre el horror y el thriller sicológico

El director asegura que la película "trata de los traumas que existen en Colombia, uno de los países más terroríficos del mundo"



"El Páramo", de Jaime Osorio Márquez, que participó en el reciente festival de cine de Biarritz (Francia),se estrena este viernes en Colombia como un modo de llamar la atención sobre "los traumas en uno de los países más terroríficos del mundo", según su director.

Este primer largometraje de Osorio llega al país luego de haber participado en el Fantastic Fest de Austin (Texas, Estados Unidos) y en el festival de Biarritz. La próxima semana, estará presente en el festival de Sitges (España).

El filme "se inscribe entre el horror y el thriller sicológico y trata de los traumas que existen en Colombia, que es uno de los países más terroríficos del mundo", dijo Osorio, de 36 años, al presentar la película en Bogotá.

"El Páramo" muestra el conflicto que opone a la guerilla de las Farc y el Ejército desde hace casi medio siglo, a través de la experiencia de nueve militares que descubren una masacre en una base militar.

Cuando intentan encontrar al autor de la masacre, los militares se hunden en un terror con elementos del más allá que los llevan a la muerte.

"Quería crear un terror que vaya al alma de los espectadores para que el tema les interpele más personalmente", explicó el director, quien con esta película ganó un premio del estatal Fondo para el Desarrollo Cinematográfico de Colombia en 2009.

La película costó 1,4 millones de dólares, fue rodada en una verdadera base militar a 4.300 metros de altura frente al Nevado del Ruiz (Andes colombianos) y los actores tuvieron entrenamientos con el Ejército.

Juan Pablo Barragán, quien hace el papel del soldado Ponce, comentó que esas jornadas de entrenamiento le sirvieron para "descubrir desde el interior la tristeza de los soldados y la desgracia de mi país y así construir mi personaje".

A partir de ahora, la película será distribuida en Argentina, Francia, España, Gran Bretaña, Japón, Canadá, Tailandia, Turquía, y Taiwán.

Sobre lo diverso de esos públicos, el productor Federico Durán consideró que "no hay que saber mucho del conflicto armado colombiano para entender la película".

"Pienso que va a llevar a muchas personas a tratar de entender lo que está pasando en Colombia", aseguró.

4/10/11

Libros arruinados por películas: las peores adaptaciones

"No es tan buena como el libro", parece se una queja corriente en estos días, y es algo que también escuchamos cuando se estrenó la cinta protagonizada por Anne Hathaway, basada en la exitosa novela de David Nicholls.

"Siempre el mismo día" (One Day) no consiguió la misma popularidad que la novela en la cual se basó. Sin embargo, no es tan mala como las siguientes cintas "quemadoras" de libros
fotos.fuente:msn.entretenimiento


Ya sea por el extraño acento inglés de Hathaway o por la falta de profundidad emocional, la película ha cosechado las mismas críticas que se le realizan a los directores que pretenden adaptar un bestseller.

Sin embargo, siempre puede ser peor... ¿A quién se le ocurre darle a Nicolas Cage el rol de un soldado griego? ¿O mostrar a Demi Moore como una sufrida mujer del 1600? ¡¿Julia Roberts como "Campanita"?! Te mostramos algunas de las peores adaptaciones de libros en la historia del cine...

Te amaré por siempre

La novela debut de Audrey Niffenegger narraba una sofisticada y atrapante historia que hacía derramar lágrimas a los lectores. La película, en cambio, resultó ser una simple adaptación "chic flick" con dos protagonistas sin química: Rachel McAdams y Eric Bana. Además, meterse con la complicada cronología del libro fue otro error garrafal.

Guía del viajero intergaláctico


Realmente queríamos que ésta fuera brillante, darle vida a la hilarante novela de sci-fi de Douglas Adams a través de un radioteatro o bien una serie de TV. Pero no fue posible. Ni siquiere a una narración del poderoso Stephen Fry logró hacer de esta una película graciosa o interesante. ¿Y por qué tantas historias paralelas que no están en el libro?

La mandolina de Capitán Corelli


La atrapante historia de Louis de Berniere acerca de un romance en tiempos de guerra en una isla griega era uno de esos libros que definitivamente tenías que leer. No así esta película. La inexistente química entre Nicolas Cage y Penélope Cruz, junto con una extrañísima gama de acentos, lo único que queda para ver es una increíble seríe de paisajes y a John Hurt como lo mejor de una película malísima.

Hook


Robin Williams es uno de esos actores que, o bien hacen películas brillantes (Retratos de una obsesión) o, lamentablemente y con mayor frecuencia, películas como ésta. Lo que más llama la atención es que esta terrible adaptación de Peter Pan fue una creación de Spielberg, quien no suele ser conocido por arruinar cintas. Para colmo de males, esta versión de 1991 cuenta con Julia Roberts como Campanita, lo cual es inadmisible.

Un buen año


Solo debes ver esta cinta para comprobar lo mala que es. Eso, claro está, siempre y cuando tengas ganas de escuchar a Russell Crowe hablando en un terrible acento inglés, en un burdo
intento por imitar el humor de Hugh Grant. Ya sabemos, él y el director Ridley Scott son amigos, pero esta desastroza adaptación de la comedia donde un hombre de ciudad hereda unos viñedos es algo que nunca jamás debieron haber tocado. Marion Cotillard interpreta a una bella francesa con la benévola tarea de ponerle algo de "picante" a esta cinta. Terrible.

Eragon


Basada en la exitosa novela de Christopher Paolini, esta historia fantástica sobre un pequeño campesino que conoce un dragón fue denostada tanto por la crítica como por el público. Muchos la compararon con "El Señor de los Anillos" y con "La Guerra de las Galaxias", pero no hay ni un punto en común. Por más fuego que eche el dragón y por más acción entre llamas, ni John Malkovich hubiese podido salvar esta cinta. Una prueba de ello: el protagonista, Ed Speleer, acaba de actuar en una película donde hizo de "estudiante", según los créditos. ¿Hace falta decir algo más?

La letra escarlata


Pongan a Demi Moore en un vestido de época y las alarmas comenzarán a sonar. Agregenle una escena erótica en una bañera y un final feliz y de seguro lograrán una nominación para los Premios Razzie. Esta adaptación de la clásica novela de 1850 fue más "histérica" que "histórica" y resultó un hito en el cine: logró siete nominaciones a los Razzies.

La máquina del tiempo


Aún si amas las películas de viajes en el tiempo y a Guy Pearce (nos cae bien) no habrá forma en que te guste esta película. Comienza bastante bien pero luego se transforma en una futurística cinta clase B protagonizada por la cantante irlandesa Samantha Mumba (por algún extraño motivo). Y lo peor de todo, es que es una adaptación hecha por el nieto de HG Wells, Simon Wells - oops.

El Código Da Vinci


Si quieres recordar el verdadero significado de aburrimiento, inserta esta película en el reproductor de DVD. Ni siquiera la extraordinaria belleza de Audrey Tautou pudo levantar esta terrible adaptación de la exitosa novela de Dan Brown acerca de secretos religiosos. Encima, la actuación de Tom Hanks no aporta absolutamente nada interesante a la cinta. ¿Dónde quedó el joven gracioso de "Quisiera ser grande"?

Marley y yo


El libro "Marley y yo" era una buena lectura, inteligente, bien escrita por el periodista del New York Times John Grogan. La película, en cambio, apeló a escenas "graciosas" donde el perro era el protagonista y se transformó en otro hito en la lista de películas "no tan buenas" donde participó Jeniffer Aniston. Es cierto, mucha gente fue a verla, para eso existe el marketing.

3/10/11

La vida de Tintín, contada por Spielberg y Jackson, verá la luz en Roma

La película en 3D que narra las aventuras del reportero Tintín y que ha conseguido unir a los directores Steven Spielberg y Peter Jackson será estrenada en la próxima edición del Festival Internacional de Cine de Roma, que se celebrará del 27 de octubre al 4 de noviembre
Steven Spielberg y Peter Jackson se unen en una película en 3D sobre Tintín. foto.fuente:revistaarcadia.com

En un comunicado divulgado hoy, la organización del certamen confirma el estreno de "Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio", que ha sido rodada íntegramente con la técnica "motion capture (captura de movimiento)", presente en algunas escenas de la obra de James Cameron "Avatar".

El filme dirigido por Spielberg y producido por Jackson, que está inspirado en el personaje de cómic creado por el belga Hergè, participará en la sección paralela "Alicia en la ciudad" del Festival Internacional de Cine en Roma, que contará con la presencia de su actor protagonista, el inglés Jamie Bell, conocido por su papel como niño bailarín en "Billy Elliot".

El cineasta estadounidense, director de obras como "Indiana Jones y el arca perdida" o "Jurassic Park", reconoce que descubrió al personaje de Tintín en 1981 y que desde el primer momento supo que sus aventuras serían el argumento de "un film fantástico".

"Trabajando en 'Las aventuras de Tintín' sabía que, para honrar el mejor trabajo de Hergè y ser lo más fiel posible a sus dibujos y a la tonalidad cromática que los caracteriza era necesario usar la técnica del 'motion capture', con el fin de captar el movimiento de los actores creando una mezcla entre un personaje real y un dibujo animado", confiesa Spielberg.

Esta técnica, que está revolucionando el cine en 3D, utiliza imágenes generadas por ordenador en 3D para crear personajes iguales a los originales a partir de la actuación de intérpretes reales.

Por su parte Jackson, el director neozelandés de películas como "El Señor de los Anillos" y "King Kong", afirma que es fan de Tintín desde que cumplió los ocho años y que su participación en esta película junto a Spielberg le ha permitido "cumplir un sueño que tenía desde niño".

"Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio" sigue el rastro a Tintin y su perro Milú, envueltos en una gran aventura para desvelar el secreto de un navío llamado Unicornio.

La película será la primera de una serie de historias sobre el personaje de cómic, que tendrá al menos una secuela dirigida por Jackson.

El reparto del film, además de a Bell, incluye a actores como Daniel Craig, Andy Serkis, Simon Pegg, Nick Frost, Gad Elmaleh, Toby Jones y Mackenzie Crook.

2/10/11

El Festival de San Sebastián condena el arresto de seis cineastas iraníes

El Festival de San Sebastián denunció y condenó hoy el arresto de seis cineastas iraníes en su país, entre ellos la productora y distribuidora Katayoon Shahabi, que tiene "una larga vinculación profesional y afectiva" con el certamen donostiarra
foto:internet.fuente:revistaarcadia.com

El Zinemaldia informó de que los cineastas son, además de Shahabi, Mujtaba Mirtamaseb, Hadi Afarideh, Naser Safarian, Shahnam Bazdar y Mohsen Shahrnazdar, a los que se acusa de "espionaje".

Precisó que los detenidos, a los que expresó su "apoyo moral", han sido acusados de "colaboracionismo con la cadena BBC", prohibida en Irán, y de mostrar en sus películas "una imagen negativa del país".

"El Festival de San Sebastián quiere manifestar su condena y repulsa por este nuevo atentado a la libertad de expresión del gobierno iraní, y su persecución de los cineastas que están luchando por reflejar la realidad de su país", destacó el Zinemaldia en su nota.

Explicó que tres películas producidas por Shahabi han competido en diferentes secciones del Festival en años anteriores: "Mooshaak e Kaghazi", en Zabaltegi-Nuevos Realizadores en 1997; "Don", en la Sección Oficial en 1998, y "10+4", en Zabaltegi-Nuevos Realizadores en 2007.