30/9/11

Póker', una película para pensar"

Se estrena el filme nacional que combina el suspenso con altas dosis de melodrama


Un sacerdote, un militar, un asesino a sueldo y un hombre que robó el banco donde trabajaba apuestan todo lo que tienen, y lo único que les queda, en un juego de póker con la intención de ganar y así poder salvar su propia vida.

Ellos, interpretados por Juan Sebastián Aragón, Rafael Novoa, Javier Ortiz y Luis Fernando Hoyos, respectivamente, son los personajes de Póker, la primera película que Juan Sebastián Valencia presenta en la pantalla grande desde este viernes. El proyecto nació hace cuatro años, cuando Valencia finalizaba sus estudios de cine en Bogotá y se imaginó "un cuarto clandestino jugándose la vida y una talladora de la cual dependía su suerte".

Por eso, en la primera escena del filme se ve cómo el juego termina trágicamente cuando uno de los hombres dispara un arma. De allí en adelante, el director y escritor juega con los espectadores y por medio de elipsis (flashback o saltos de tiempo) presenta la historia de cada uno de los protagonistas.

"Póker es una película para pensar, si la gente se distrae un momento se puede perder alguna escena crucial", explica Valencia, quien cataloga su producto en el género thriller (suspenso y acción asociado a crímenes), aunque con altas dosis de melodrama.

Siguiendo la tendencia de contar historias paralelas que al final se unen con un elemento ("Crash", "Amores Perros", "Fuego"), "Póker" tiene entre su reparto a Manuel José Chaves, quien tiene un papel que a primera vista no se ve importante. También está Camila (Angélica Prieto), la talladora, quien en medio del juego recuerda la peor de sus desgracias.

Como todos los personajes de "Póker" viven una desgracia, el director asegura que le imprimió el toque melodramático para "aliviar un poco el filme". Esas escenas están musicalizadas con una obra (60 minutos) compuesta exclusivamente para la película e interpretada por la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia bajo la dirección de Alejandro Ramírez Rojas. Por su parte, en las tomas de suspenso se escucha la canción "King" de The Hall Effect, la cual es el tema oficial de la banda sonora.

Un tema importante que destaca Valencia es que "Póker" se sale de "los temas que generalmente trata el cine colombiano, ya que el militar o el asesino a sueldo se encuentran desde Argentina hasta Londres"."

"Póker" se convierte entonces en una nueva opción nacional para ver desde este viernes en las salas de cine, que en el último mes y medio ha proyectado "Saluda al Diablo de mi Parte", "La Vida era en Serio" y "Pequeñas Voces", está última la primera película colombiana en 3D y que sólo contó con 5.700 espectadores.

fuente:elespectador.com

28/9/11

Preparan nueva versión de 'Scarface'

El proyecto contará con la producción de Marc Shmuger y Martin Bregman

Scarface, un clásico cinematográfico que contó con una primera obra en 1932 y una posterior en 1983, protagonizada por Al Pacino.foto.fuente:vive.in

El estudio Universal Pictures prepara una nueva versión de 'Scarface', un clásico cinematográfico que contó con una primera obra en 1932 y una posterior en 1983, protagonizada por Al Pacino, informó hoy el portal especializado Deadline.

Según el portal, Universal ha mantenido reuniones con diversos guionistas para redactar una nueva versión con los elementos básicos que tenían en común ambas cintas, aunque la compañía no considera que el proyecto sea un "remake" ni una continuación. Por los elementos básicos de ambas películas se toma la idea de que un inmigrante, a través de la violencia descarnada, logra hacerse camino en el mundo del hampa para vivir un "sueño americano" muy particular.

En el filme de 1932, realizado por Howard Hawks, el protagonista (Paul Muni) se erigía como el rey del crimen de Chicago, mientras que en la película protagonizada por Pacino, su personaje, el cubano Tony Montana, lograba hacerse con el control del narcotráfico en el Miami de la década de 1980.

El proyecto contará con la producción de Marc Shmuger y Martin Bregman, que ya ejerció este cargo en la versión de 1983, dirigida por Brian De Palma y con guión de Oliver Stone. "Cuando tratas de recrear y diseñar algo que está ahí, que es real, corres el riesgo de que el público no lo acepte si no te dejas la piel en cada detalle", comentó a Efe recientemente Bregman.

"Por eso ser fiel a la realidad es siempre clave", añadió quien trabajó en otras películas de Pacino como 'Dog Day Afternoon', 'Serpico' y 'Carlito's Way'. El 0Scarface' de De Palma regresó a las salas de EE.UU. el pasado 31 de agosto como conmemoración de su salida a la venta por primera vez en Blu-Ray. La película se estrenó el 9 de diciembre de 1983.

27/9/11

Hirokazu Koreeda, ganador "moral" de la Concha de Oro

No pudo ser, no se llevó la Concha de Oro, aunque sí el premio al mejor guión. Tuve ocasión de hablar con el gran director japonés Hirokazu Koreeda, a quien bien podríamos considerar el vencedor moral del Festival de Cine de San Sebastián por su extraordinaria película Kiseki (Milagro)
Hirokazu Koreeda, director japonés, premiado con El mejor guión. foto.fuente:EFE


En Kiseki (Milagro) uno de los niños protagonistas hace el dibujo del volcán de su ciudad, siempre con la posibilidad de entrar en erupción, que nos recuerda que no sólo hay que salvar a la familia, sino también al mundo. Y esto ha coincidido con la tragedia del tsunami y la catástrofe nuclear de Fukuyama, que ha conmocionado a Japón y al mundo entero...

Pensé en esta película mucho antes de que se produjera el tsunami, de modo que no tiene una relación directa. Pero muchos espectadores japoneses lo relacionaron inmediatamente, y también las cenizas del volcán, con el problema de la radioactividad.

En el cine de Hirokazu Koreeda tiene una presencia esencial la familia, ya sea de un modo más dramático o feliz, como en este caso. ¿Por qué este interés?

La familia es un tema en el que estoy pensando siempre. Se trata de una cuestión cercana a todas las personas, y en la que surgen siempre problemas. Hay mucho sobre lo que reflexionar, y esto se refleja en mis películas. Antes de hacer Still Walking murió mi madre y esto me llevó a pensar mucho en ella, en la vida he hecho muchas cosas, y no siempre las he hecho bien, y su muerte me las evocaba. Y ahora tengo una hija, y como estoy siempre trabajando no tengo mucho tiempo para estar con ella. Entonces surge la pregunta: ¿cómo tiene que ser un padre que no puede estar mucho tiempo con sus hijos?

Por esta razón me encuentro todo el tiempo pensando en el tema de la familia. No sé si la cuestión es tanto que me guste hacer películas sobre la familia, sino que me ocupa la cabeza.

Tanto en Kiseki (Milagro) como en Still Walking y Nadie sabe está presente la familia, que es un tema que también interesa a un maestro como Yasujiro Ozu. Su retrato de tres generaciones y los niños, me hacen pensar enseguida en Ozu, en títulos como Buenos días y Yo he nacido, pero...

Me gusta mucho Buenos días. Pero pienso que no hay influencias directas de Ozu, aunque muchos periodistas me lo dicen. Ozu es un director muy especial, es difícil aprender a hacer cine como él lo hace. Sus películas están rodadas en interiores, en estudio, y ahora es muy complicado hacer algo así, tomarlo como referencia. Si tengo que citar directores que me influyen mencionaría a un tailandés [no logro captar su nombre] y al británico Ken Loach. Ellos tampoco utilizan actores profesionales. De estos directores claramente podría aprender algo.

De los japoneses, he tomado más cosas de Mikio Naruse, a quien dedicaron un ciclo aquí en San Sebastián en 1999. En Still Walking confieso que la posición de la cámara imita mucho al modo de hacer de Naruse.

¿Diría que en los últimos tiempos su cine se ha serenado, se ha hecho más maduro y clásico?

(se ríe) ¿Crees que esto no es bueno?

No, al revés, demuestra que sabe evolucionar...

Cuando rodé Nadie sabe, estaba soltero y vivía con mis padres. En el caso de Still Walking mis padres habían fallecido y me había casado. Ahora, con Kiseki (Milagro), tengo una hija, lo que hace que mire la familia de modo diferente. Esto se refleja en mis películas, que son más optimistas. Esto lo considero una buena evolución. ¡A ver que hago, cuando sea abuelo! Seguro que miraré la relación entre abuelos y nietos de un modo distinto.

Parece que le interesa mucho el trauma de estos niños, cuyos padres están divorciados. ¿Ha vivido alguna experiencia semejante?

No puedo negar que existen influencias de mi vida personal. Mis padres no estaban divorciados, pero se llevaban fatal, mi padre paraba poco en casa. Mi madre trabajaba y me mantenía a mis hermanos y a mí. Cuando era pequeño, pensaba con frecuencia en la posibilidad de que mi padre no volviera un día a casa, o que mi madre nos abandonara. No creo que esté traumatizado, pero la película puede que esté reflejando mi vivencia entonces. Aunque en la actualidad puedo contar esto desde fuera. Puedo pensar que existen padres como mi padre y lo puedo mirar con distancia, lo entiendo.

Hay un contraste en la película entre cierto tono ligero, también con la música, y los temas serios que se tratan.

He utilizado aquí la música de un modo completamente diferente a como lo he hecho en el resto de mis películas. Hasta ahora daba mucha importancia a la historia y al contenido. Antes usaba la música más bien entre escenas pero aquí, como cuento la aventura de los niños, me pareció que la música acompañaba y estimulaba el viaje de los niños. Pero no había pensado en ese contraste.

Hablando de contraste, las tres generaciones de personajes enfocan la crisis familiar de modo diferente. Los niños actúan, quieren solucionar las cosas. Los padres se muestran conformistas, pasivos. Y en el matrimonio anciano renace de algún modo la esperanza, como si hubiera un retorno a la infancia.

Más que en los ancianos que acogen a los niños, es en el abuelo donde se muestra sobre todo cierta complicidad con la infancia. El matrimonio mayor recupera de algún modo, momentáneamente, a su hija. Esa chica que quiere ser actriz, que piensa irse de casa, les recuerda a la que dejó el hogar, y por un momento vuelven a tenerla con ellos. En este otro caso me interesaba más crear esta emoción que la idea del retorno a la infancia.

Su película la atraviesa un aliento poético. ¿Cómo se llega hasta ahí, se busca o se encuentra esa poesía?

Siempre pienso en dos cosas. Desde el punto de vista narrativo, tengo un ojo, y por otro lado... Por ejemplo [señala un vaso que hay sobre la mesa] un documentalista querría que ese vaso quedara muy bonito; pero a la vez yo puedo querer que ese vaso despierte amor, ternura, no sé... Entonces para mí ése es el sentido poético, hay que fijarse en la realidad con sensibilidad. Con la cámara he de filmar bien ese objeto para que se produzca ese efecto. He de lograr el equilibrio entre estos dos enfoques.

26/9/11

La versión china de "Las amistades peligrosas", censurada sin erotismo

La nueva adaptación de la novela de Choderlos de Laclos está dirigida por el surcoreano Hur Jin-ho y ambientada en el decadente Shanghái colonial de los años 30
Cecilia Cheung, Jang Dong-gun, Zhang Ziyi y el director Hur Jin-ho. fotos.fuente:abc.es


La famosa actriz Zhang Ziyi, protagonista de "Memorias de una geisha", "Tigre y dragón" y "Hero", rodará una versión en chino de "Las amistades peligrosas", la célebre novela epistolar erótica que Choderlos de Laclos escribió en el siglo XVIII y ha sido adaptada en varias ocasiones al cine. Entre las versiones más recordadas destacan la que dirigió en 1959 el cineasta francés Roger Vadim con Jeanne Moreau, el oscarizado éxito de taquilla que filmó Stephen Frears en 1988 con John Malkovich, Michelle Pfeiffer y Glenn Close y la que Milos Forman estrenó solo un año después con bastante menos fortuna.

Una escena de "Las amistades peligrosas"

En esta ocasión, el triángulo amoroso que protagoniza la historia estará ambientado no en la Francia pre-revolucionaria, sino en la alta sociedad que se entregaba a la "dolce vita" en el decadente y exótico Shanghái colonial de los años 30. Mientras los japoneses ocupan la ciudad en los prolegómenos de la Segunda Guerra Mundial, Zhang Ziyi se enamorará de un Valmont de ojos rasgados encarnado por el actor surcoreano Jang Dong-gun y sufrirá las perversas maquinaciones de una libertina rival despechada. Para dar, al menos en China, más morbo al asunto, el papel que inmortalizara Glenn Close lo interpreta ahora Cecilia Cheung, una actriz de Hong Kong conocida por aparecer en las fotos eróticas robadas al cantante Edison Chan que provocaron un gran escándalo sexual en la excolonia británica a principios de 2008.

Dirigida por el surcoreano Hur Jin-ho, esta revisión de "Las amistades peligrosas" será una superproducción de 200 millones de yuanes (23 millones de euros) que, según la productora, aspira a estar presente en el próximo año en el Festival de Cannes, pero adolecerá de la carga erótica de sus predecesoras por la censura que impera en China. "Tendremos que controlarnos y será una versión más suave que las otras", ha reconocido este lunes Zhang Ziyi en la multitudinaria presentación del inicio del rodaje celebrada en un lujoso hotel pequinés de clara influencia francesa.

"Esta versión se parecerá más a la protagonizada por John Malkovich porque mostrará el caos que se vivía en Shanghái en los años 30 y cómo las clases altas habían perdido sus valores morales entregándose al materialismo y la sexualidad", explicó el director Hun Jin-ho, quien también matizó que "al no poder ser explícito con el sexo, aumentaré la tensión psicológica entre los personajes porque lo que más me gusta de la novela es que trata sobre los deseos del ser humano".

25/9/11

'Restrepo' llega a las salas de cine colombianas

Se trata del documental que lleva el nombre del colombiano que murió en Afganistán sirviendo al Ejército de EE.UU



Desde este viernes llegó a las salas de cine del país 'Restrepo', documental que narra el día a día de los militares del ejército americano en uno de los lugares más peligrosos de Afganistán: El valle de Korengal, también conocido como el valle de la muerte.

El pelotón de 15 jóvenes bautizó a este campamento como Restrepo, en honor a su compañero, el paramédico colombiano Juan Sebastián Restrepo Pardo, quien murió allí y cuya historia dio a conocer Elespectador.com el 27 de febrero pasado.

El trabajo fue hecho por el documentalista Sebastian Junger y el fotógrafo de guerra Tim Hetherington, quienes pasaron un año junto a los militares en esta base. Cabe anotar que Hetherington falleció el 20 de abril, cuando cubría el conflicto libio y fue alcanzado por un mortero.

El documental 'Restrepo' relata la historia del segundo pelotón americano de la 173° Brigada Airborne, quien se encuentra en un puesto estratégico en Afganistán donde se produce una quinta parte de los combates que ocurren en todo el país.

La película, ganadora del Grand Jury Prize a Mejor Documental en el Festival de Cine de Sundance 2010, estuvo nominada al Oscar 2011 como Mejor Documental.

23/9/11

"Los colores de la montaña", candidata de Colombia en los Premios Oscar 2012

Se escogió por "las calidades estéticas, narrativas y en la capacidad de proyección internacional del largometraje"


fuente:elespectador.com

"Los colores de la montaña", una cinta de Carlos César Arbeláez, es la candidata de Colombia para participar por los Premios Óscar 2012, según anunció la Junta Directiva de la Academia Colombiana de Artes y Ciencias Cinematográficas.

La película, que narra "el horror colombiano" del conflicto armado interno, fue seleccionada entre los filmes estrenados comercialmente entre el 1 de octubre de 2010 y septiembre de este año.

La entidad señaló este jueves en un comunicado que "los criterios empleados por la Junta Directiva de la Academia para el proceso de elección se basaron en las calidades estéticas, narrativas y en la capacidad de proyección internacional del largometraje".

"Los colores de la montaña" relata en 94 minutos la historia de tres niños que deben recuperar un balón de fútbol que se les ha caído en un campo minado, pero, según una reseña, cuenta también las turbulentas vidas de los padres de esos niños.

Asimismo, añade, "las barbaridades de las bandas de asesinos que asedian el caserío en donde viven y los dilemas de las profesoras solitarias e idealistas que tratan de repararles los días".

Salvar el balón del campo minado, anota una sinopsis de la cinta, "se convertirá en una aventura que los obligará a crecer a la fuerza, les hará amar la vida y les permitirá entender que el país que les tocó no es un cuento de hadas".

También "que los sueños y las esperanzas, solo eso son".

En síntesis, concluye, se trata de "una historia de amistad desde la mirada más limpia, la de los niños".

La misma película ha obtenido, entre otros reconocimientos internacionales, el Taiga de Plata del Festival Internacional de Cine Debutante Spirit of Fire, Rusia, 2011, y el Premio Kutxa-Nuevos Directores, del 58 Festival Internacional de Cine de San Sebastián de España en 2010.

También alcanzó el Premio del Público y Mención Especial del Jurado del Festival Internacional de Ronda Cine político para el siglo XXI en 2010 y el Premio Cine en Construcción 17, de Toulouse (Francia) en 2010.

La película colombiana ya ha sido exhibida en Polonia, Suiza, Estados Unidos, Francia, España, Puerto Rico, República Dominicana y Panamá.

22/9/11

La virulencia de Harrelson y la comedia argentina conviven en San Sebastián

Emparentada con últimas muestras de cine negro seco y contundente que se proyectan en la retrospectiva American Way of Death, este filme a concurso ha sido recibido con opiniones divididas, entre los que vieron un enésimo retrato del abuso de autoridad y los que disfrutaron de un ejercicio de estilo de un nervio impecable
La directora argentina Ana Katz.foto:Efe.fuente:lainformacion.com

La directora argentina Ana Katz ha presentado hoy en el Festival de San Sebastián la amable comedia "Los Marziano", protagonizada por Guillermo Francella y Arturo Puig, justo después del golpe seco de cine negro de "Rampart", recital de Woody Harrelson según un argumento del gran James Ellroy.

Las excentricidades de "Los Marziano", dos hermanos interpretados por Guillermo Francella y Arturo Puig, toman como base un fértil escenario para el último cine latinoamericano: los barrios residenciales de lujo que, desde "La zona" hasta "Las viudas de los jueves", han servido de microcosmos para el análisis sociológico.

"Me interesaba la idea de un sitio en el que se pretende controlar todo totalmente. Contener, garantizar un sosiego, pero por la simple razón de que allí viven personas nada puede ser perfecto", explica Katz, que también otorga un cameo a su pareja sentimental, el uruguayo Daniel Hendler.

Luis y Juan Marziano son dos hermanos que, como tantos otros no se hablan y, como tantos otros también, partiendo de una misma educación han descodificado la vida de manera totalmente opuesta: uno hacia la bohemia y otro hacia la responsabilidad.

"Juan en un colgado, una persona que tiene un problema neurológico pero está más interesado convertir unos viejos casetes a archivos digitales que en saber cuál es su diagnóstico", explica Francella, quien en la película deja un día de relacionar unas letras con las otras y, en consecuencia, no puede leer.

Luis, por su parte, "es el proveedor de la familia en cuanto al dinero y espera que eso se le devuelva en afecto", una fórmula que, cuando no funciona, le hace obsesionarse con unos pozos que han surgido en el campo de golf en la urbanización y que ponen en peligro la integridad física de los vecinos.

Katz, que escribió este guión precisamente con su hermano, mantiene con corrección el equilibro entre lo dramático y lo cómico, apostando por la acidez. "No quería hacer burla, sino plasmar algo que me resultara doloroso pero a la vez hiciera alguna gracia", ha explicado.

Y, de esta manera, a través de sus problemas, los hermanos se van acercando entre sí gracias a su imperfección. "He querido generar la mayor intimidad posible entre el espectador y los personajes pero sin explicaciones adjuntas sobre las emociones", ha concluido Katz.

Pocas explicaciones necesita también el policía Dave Brown, interpretado por Woody Harrelson, para desplegar su aterrador carisma en "Rampart", cinta que llega aplaudida desde el Festival de Toronto y que, dirigida por Oren Moverman, no ha sido defendida por ningún miembro del equipo en San Sebastián.

Basada en un argumento del novelista James Ellroy, autor de la resurrección del cine negro a finales de los noventa con "L.A. Confidencial", "Rampart" tiene más similitudes, en cambio, con "Terriente corrupto", de Abel Ferrara, o con su reinterpretación libre por parte de Werner Herzog.

Virulenta reflexión sobre un policía de Los Ángeles que tiñe de agresividad cada lugar por el que pasa y que, además, justifica sus actos con una peligrosísima superioridad moral, Harrelson hace de la cinta su patio de recreo y transmite con un magnetismo arrollador la neurastenia de su personaje.

Con frases como "no soy racista, odio a todo el mundo por igual", pero con una evolución hacia el desmantelamiento de su filosofía vital tan vehemente como descorazonadora, el intérprete de "El escándalo de Larry Flynt" devora la pantalla aunque también cede momentos de intensidad a los espléndidos secundarios, entre los que destacan Ned Beatty y Robin Wright.

Emparentada con últimas muestras de cine negro seco y contundente que se proyectan en la retrospectiva "American Way of Death", este filme a concurso ha sido recibido con opiniones divididas, entre los que vieron un enésimo retrato del abuso de autoridad y los que disfrutaron de un ejercicio de estilo de un nervio impecable.

Finalmente, al calor del prestigio cosechado en el cine griego tras el éxito de "Canino", de Yorgos Lanthimos, pero sin tener nada que ver con aquella cinta, se ha proyectado como cierre del tríptico a competición la tragicomedia "Adikos Kosmos", de Filippos Tsitos.

5 sitios de Internet desde donde pueden verse películas gratis

Documentales, rarezas, animaciones y hasta películas infantiles son sólo unas de las pocas cosas que se pueden encontrar en estos sitios web en donde se pueden ver películas sin necesidad de bajarlas a un computador. A continuación, 5 páginas de internet que funcionan como videotecas. Imprescindibles para un solitario domingo en la tarde
Página de la National Film Board of Canada, en donde pueden encontrarse centanares de documentales y cortometrajes de animación. foto.fuente:revistaarcadia.com

1. SnagFilms

El fuerte de esta página son los documentales. Acá podrá encontrar historias sobre madres de niños autistas en los años 50, las consecuencias del derrame de petróleo sobre el Golfo de México de la BP, o homenajes a Lovecraft y a Peter Sellers. Además, los fanáticos de Carl Sagan podrán encontrar episodios completos de la serie “Cosmos”.

http://www.snagfilms.com/

2. National Film Board of Canada

Este es el sitio web de la NFB, organización pública canadiense que produce y distribuye películas. Desde acá usted podrá ver cortos y largometrajes animados y documentales sobre variados temas. Para no perderse en esta infinita videoteca, puede buscar las películas según sus intereses. Entre las clasificaciones puede encontrar temas tan variados como sexualidad, industria alimentencia, urbanismo, historia y tecnología.


http://www.nfb.ca/

3. Cinépata

Página del escritor y director de cine chileno Alberto Fuguet en donde puede verse lo más reciente del cine latinoamericano que, lastimosamente, cuenta con escasa difusión. Entre las joyas que se pueden ver en esta página están cortos de Andrés Caicedo recuperados por Luis Ospina, el documental “Al unísono” que sigue las carreras de los músicos Javiera Mena y Guepe, y el largometraje “Velódromo” del novelista chileno. Además, la página funciona también como blog en donde pueden leerse reseñas de películas de cartelera. Definitivamente una gran opción para quienes buscan conocer lo que está sucediendo en el cine latinoamericano.


http://www.cinepata.com

4. Documentary Heaven

Uno de los sitios más populares en la web para ver documentales. Ordenados por temática (economía, drogas, educación, entre otros) esta página pone a disposición de los usuarios obras como “American Philosopher”, que se pregunta sobre el papel de los filósofos en Estados Unidos, “Waiting for Superman”, que indaga sobre el sistema educativo, y “Presunto culpable”, polémico documental mexicano que denuncia al sistema judicial de este país. Recomendado para los gomosos de los documentales.

http://documentaryheaven.com/

5. Cuevana

La reina indiscutible de los amantes del cine y de las series de televisión. Esta extraordinaria página argentina se actualiza constantemente y ofrece una variada selección de películas y series que van desde el drama hasta la comedia musical. Tiene un buscador que permite encontrar videos por título, actor o director. Entre las maravillas que se pueden ver están el documental “The Devil and Daniel Johnston”, la trilogía de “El padrino” y una selección de las mejores películas de Woody Allen, Sydney Lumet y Francis Ford Coppola.

http://www.cuevana.tv/

20/9/11

Estética y voyeurismo

Llega a las librerías una curiosidad literaria para los amantes del cine

Portada Las estrellas al desnudo. Guía del Voyeur. foto.fuente:vive.in

"Las mujeres desnudas nacieron con el cine, porque, a fin de cuentas, las imágenes ofrecían la oportunidad de alcanzar uno de los objetivos más deseados por el hombre: mirar sin ser visto. En realidad era sustituir el clásico ojo de la cerradura por una pantalla enorme donde contemplar lo que nunca hubiéramos imaginado".

Con estas palabras introducen Luis Miguel Carmona y Tom Peeping su libro 'Las estrellas al desnudo. Guía del voyeur'. El resultado de una larga investigación que recopila 1.350 fotografías de desnudos cinematográficos femeninos.

En la primera parte del libro, el lector podrá encontrar en orden alfabético una reseña de las actrices más emblemáticas de la pantalla grande, una breve biografía y la lista completa de las películas en la que se han desnudado especificando las partes del cuerpo que aparecen al descubierto. También están en la lista aquellas que nunca se han quitado la ropa, pero que representan un símbolo sexual en el imaginario colectivo.

Luego de esta primera parte informativa, los lectores podrán liberar todo su espíritu voyeurista y dejarse seducir por las 696 fotografías más sensuales, de más de 400 actrices, entre las cuales encontrarán iconos del cine que van desde Brigitte Bardot a Angelina Jolie, pasando por Sylvia Kristel, Kim Basinger, Demi Moore, Maria Conchita Alonso o Mia Farrow.

Como si esto fuera poco, para complacer al lector, el libro presenta en su tercera parte, fotograma tras fotograma, escenas como La de Jane Fonda en 'Barbarella' o el cruce de piernas de Sharon Stone en 'Bajos instintos' que son las que, según los autores, "uno se llevaría a una isla desierta".

Este exhaustivo catálogo de actrices resulta muy interesante tanto para los simples mirones, como para los cinéfilos más serios que podrán ver cómo ha evolucionado la estética del desnudo en el cine a través de los años y como esta varía según los países.

'Las estrellas al desnudo'
Luis M. Garmona/ Tom Peeping
T&B Editores
382 páginas
$ 89.900

19/9/11

La librería de viajes de "Notting Hill", salvada del cierre por los pelos

Los propietarios del local que inspiró la película de1999 con Hugh Grant y Julia Roberts bajaron la persiana el fin de semana pasado, pero ha aparecido un comprador interesado
Un fotograma de la película "Notting Hill".foto.fuente:abc.es

En esta librería de viajes se enamoraba una encantadora Julia Roberts de su simpático y atractivo propietario, Hugh Grant, en la famosa película «Notting Hill» (1999). El local fue en realidad reconstruido en la vecina Portobello Road para rodar las escenas, un pequeño fraude cinematográfico que suele frustrar a muchos visitantes, pero que nunca ha impedido que la librería figure entre los destinos más populares de este barrio.

Notting Hill se consolidó en los 50 y 60 como el lugar de residencia de parte de la población caribeña de la capital. El espíritu de Jamaica atrajo a su vez a «beatniks», bohemios y rockeros para dar al barrio un aire alternativo en los 70. Pero, ya en los 80, la transformación del mercado inmobiliario disparó los precios en esta zona, caracterizada por viviendas de mayores dimensiones que en otras zonas del centro de Londres. Y el barrio se convirtió en una apartada orilla para las clases pudientes, simbolizada por el llamado «clan de Notting Hill» de principios de los 2000, un grupo de cachorros del conservadurismo británico como David Cameron o George Osborne, hoy primer ministro y ministro de Finanzas del gobierno de Su Majestad respectivamente.

La crisis económica amenazaba ahora con echar el cierre a la librería más ilustre del barrio. The Travel Bookshop declaró pérdidas después de impuestos de más de 20.000 euros en el último ejercicio, y tenía deudas pagaderas en doce meses de más de 47 millones de euros, según datos recabados por «The Daily Telegraph». Su propietario en los últimos 25 años, Simon Gaul, anunció el pasado 22 de agosto que iniciaba dos semanas de rebajas por liquidación total. Ninguno de sus hijos quería heredar el negocio, fundado en 1979. Una campaña liderada por Olivia Cole, poetisa y editora de 30 años, intentó aglutinar a escritores y personajes de la cultura para salvar la librería. «Triste noticia, salvemos The Travel Bookshop», escribió en su cuenta de twitter el actor estadounidense Alec Baldwin (@AlecBaldwin), que hace de novio de Julia Roberts en la película. Sin mucho éxito. El pasado fin de semana bajaron las persianas de la pintoresca librería. Una baja cultural más en esta crisis que arrasa con casi todo.

«A menudo escuchabas, "esta no es la de verdad», explicaba a «The Guardian» Saara Marchadour, gerente de la librería en los últimos dos años: «Cerrarla sería desperdiciar un personal muy talentoso y 30 años de historia; espero que un nuevo propietario pueda reabrirla», decía recientemente. Y ese alguien ha aparecido. Tras dos semanas de rebajas, discurridas en un clima de abatimiento en el que muchos vecinos se han acercado por primera vez a la librería, ha trascendido que la cadena de librerías «The Book Warehouse» está dispuesta a comprarla. «Será un nuevo capítulo», afirmaban ayer fuentes de la empresa al vespertino «The Evening Standard».

Un consuelo a medias para los amantes de las librerías con alma, como era la famosa librería de viajes, frente a la experiencia más comercial que cultural que ofrecen los locales de «The Book Warehouse», espacios homogéneos orientados a los «best-sellers» y los grandes libros de exposición para la mesa de café. Al igual que en España, la revolución digital unida al periodo de crisis que atraviesa Europa está castigando duramente a las librerías independientes, que en marzo de 2010 hicieron duelo por el cierre de otro de sus establecimientos más señeros, The Kilburn Bookshop, en Paddington.

17/9/11

140 Caracteres Film Festival

Cortometrajes inspirados en tuits- Concurso-

Festival de Cine 140 Caracteres
Foto: Redes Sociales fuente: eltiempo.com

La iniciativa busca unificar la generación de contenido en red con video en diferentes formatos.

Las redes sociales además de ser un nuevo canal de interacción y de publicación de contenidos, también pueden convertirse en una fuente de inspiración para los cineastas. Esta es la apuesta de 140 Caracteres Film Festival, que abrió desde el pasado 14 de septiembre inscripciones para su primera edición.

Con esta iniciativa, que tiene como escenario la red de microblogging Twitter, se busca promover e incentivar los nuevos talentos, así como unificar los contenidos generados en la red con el cine, el video, la animación y los equipos móviles.

El festival está inspirado a su vez en el blog Proverbios de la Era Digital http://proverbiosdelaeradigital.blogspot.com, donde los participantes pueden escoger un tuit que los inspire a desarrollar un cortometraje de no más de 140 segundos de duración, según publica el sitio web http://festival140caracteres.com

¿Quiénes, con qué temáticas y en qué categorías se puede participar?

Hay tres categorías para hacer parte de esta "película": profesionales, estudiantes y aficionados de toda Iberoamérica. Los organizadores del Festival son conscientes de la amplia diversidad de contenidos que pueden circular en la tuitósfera, por esa razón no hay temáticas definidas y todas las personas pueden participar bajo una sola categoría.

Premios

- Oro, plata y bronce en cada categoría.
- Un gran premio que se elegirá entre los mejores de cada categoría.
- Premio Grand Prix que se elegirá entre todos los ganadores, sin importar formato o categoría.

El jurado designado tiene la facultad de considerar una categoría o formato desierto o unir algunos cuando el número de inscripciones lo amerite.

Especificaciones técnicas para participar

Los participantes pueden concursar bajo los siguientes formatos: Cine, video, dispositivos móviles, animación y experimental. Una vez el participante tenga listo su cortometraje, debe subirlo al sitio que el festival pondrá a disposición de los participantes en los próximos días.

Es de libre elección por parte de los participantes subir un video adicional con el 'Making off' de su trabajo. Todos los trabajos, con excepción de aquellos producidos en equipos móviles que no trabajen con alta definición, deben ser subidos en HD o Full HD.

Para mayor información sobre especificaciones del Festival, ingrese a la página web http://festival140caracteres.com

Cine negro y caza de brujas

Se publica por vez primera en castellano La ley del silencio, la novela que inspiró la mítica película dirigida por Elia Kazan y protagonizada por Marlon Brando
Marlon Brando, a la derecha, en una secuencia de La ley del silencio de Elia Kazan. foto.fuente:laoponioncoruna.es

La ley del silencio (1954), que Acantilado publica ahora por vez primera en castellano, es un caso peculiar, aunque no único, de película que se estrena antes de que la novela se hubiese editado (1955). La doble condición de guionista y escritor de Budd Schulberg explica este fenómeno puesto que, tal y como el propio autor explica en el prólogo de esta edición española, dedicó años a empaparse del ambiente en los muelles de Nueva York y así elaborar con más detalle la historia a la hora de pasarla al papel.
Cuando Elia Kazan rodó La ley del silencio ya no era precisamente un hombre muy querido en los ambientes de Hollywood. Considerado, hasta el propio inicio del macarthysmo, como una persona de ideología más bien izquierdista y progresista, su testimonio delator de directores, actores, actrices, guionistas, escritores, periodistas, intelectuales... a los que denunció públicamente -no se sabe si por miedo o por convicciones personales- por sus, presuntas o no, filiaciones y/o simpatías hacia el Partido Comunista, provocó una satanización de su figura que ha perdurado en el tiempo y que ni siquiera se olvidó cuando, ya anciano, le concedieron un Oscar honorífico.

En 1954, curiosamente un par de años antes del fallecimiento del senador McCarthy, artífice de aquella oprobiosa caza de brujas, Kazan contactó con un amigo y colega suyo, el escritor y guionista Budd Schulberg, y éste le contó que estaba escribiendo una curiosa historia: la de un tipo que delataba a los gánsteres y mafiosos que mandaban sobre el sindicato de estibadores del puerto de Nueva York. Al leer el texto de Schulberg, el cineasta debió encontrar la luz para justiticar su comportamiento durante el período más maldito de la historia del cine americano: se trataba de dar a entender al gran público que aquellos mafiosos eran los "demoníacos" comunistas a los que había denunciado o, por lo menos, sus jefes. Hubo, por supuesto, quienes le creyeron, y hubo quienes no, sin embargo La ley del silencio está considerada, aún a día de hoy, una obra maestra del género del cine negro americano: en eso, hasta quienes más odiaron a Elia Kazan se ponen de acuerdo.

La ley del silencio (1954), que Acantilado publica ahora por vez primera en castellano, es un caso peculiar, aunque no único, de película que se estrena antes de que la novela se hubiese editado (1955). La doble condición de guionista y escritor de Budd Schulberg explica este fenómeno puesto que, tal y como el propio autor explica en el prólogo de esta edición española, "aunque La ley del silencio ya forma parte de la tradición popular del cine, el origen de esta novela es menos conocido". "No fue en absoluto una novelización. Había dedicado, no uno o dos meses, sino años de mi vida a absorber todo lo posible de la ribera portuaria de Nueva York, haciéndome un habitual de los bares del lado oeste de Manhattan y de Jersey, donde chantajistas e insurretos tanto irlandeses como italianos tenían sus cuarteles generales y sus segundos hogares". Rodada en tan solo 35 días y con un exiguo presupuesto de 800 mil dólares cedidos por el productor Sam Spiegel, el filme obtendría, no obstante, la friolera de ocho Oscar, entre ellos el de mejor película, guión (para Schulberg), director (para Kazan) y actor (un excepcional Marlon Brando).

Quienes hayan visto la película pero no así leído la novela comprobarán que el paso de la pantalla al papel permitió a Schulberg desarrollar con mucho más detalle la complejidad del mundo de los muelles de Nueva York: "La película -leemos en el prólogo- se centraba en Terry Malloy (Marlon Brando), un matón a medias feroz atrapado entre la mafia del puerto y el angustioso despuntar de la conciencia. Elia Kazan y Marlon Brando habían tratado el personaje con brillantez y sensibilidad, y yo había escrito los diálogos cuidadosamente, con los oídos puestos en mis vagabundeos por la ribera, pero la restrictiva mecánica del dijo él-dijo ella no me había permitido explorar la mente del personaje" (...). "En la novela encontré la oportunidad de poner a Terry Malloy en el foco adecuado. Solo era preciso contar la historia desde otro punto de vista y con un final distinto en mente. Esto demandaba un final por completo diferente, a la vez que un desarrollo más pleno de algunos personajes que en la película habían sido figuras secundarias".

16/9/11

Clive Owen muestra sus miedos antes de convertirse en Ernest Hemingway

El actor protagoniza Intruders, la película de terror que abre el certamen
El actor inglés Clive Owen saluda en San Sebastián.foto.fuente:elmundos.es

Primera estrella en aparecer por el Festival de San Sebastián, Clive Owen ya ha paseado por la ciudad y ha roto corazones, pero sobre todo ha destacado por dejar al desnudo su fragilidad en "Intruders", de Juan Carlos Fresnadillo, justo antes de meterse de lleno en su próximo personaje: Ernest Hemingway.

No sabe si después de San Sebastián visitará Pamplona para rematar un recorrido que le ha llevado, según explica, "desde los lugares favoritos de Hemingway en Cuba a París" y que le hace hablar con entusiasmo de su investigación sobre el autor de "Por quién doblan las campanas", en cuya vida está efectuando "toda una inmersión" y cuya obra está leyendo de cabo a rabo.

Precisamente, "Hemingway and Gellhorn", como se llama este proyecto televisivo, analizará la relación del escritor con la musa para aquél célebre libro ambientado en España y le reunirá con la actriz Nicole Kidman y el director Philip Kauffman.

Y no en España pero sí con un español -y con algunas palabras en castellano- ha rodado "Intruders", que abre este viernes el Festival de San Sebastián y que supone el tercer asalto al "thriller" de Juan Carlos Fresnadillo, quien explora en Owen el otro lado de la masculinidad apabullante de Hemingway o el macho alfa que le lanzó al estrellato y a las puertas del Oscar en "Closer".

Owen desnuda ahora en "Intruders" -que se estrenará en España el 7 de octubre y que ha sido proyectada ya en el Festival de Toronto- la fragilidad generada por el miedo en el papel de un padre sobreprotector, llamado con guiño cinéfilo John Farrow, que acaba transmitiendo a su hija Mia todos sus terrores.

"Cuando tenemos hijos, el peor miedo viene de tu afán por querer protegerlos. Tratas de educar a tus hijos de la mejor manera posible, pero luego no somos perfectos, así que cuando les damos todo lo que tenemos quizá les estemos dando algo que no es tan bueno", explica el actor.

Amigo y habitual del cine sincopado de Guy Ritchie y ya curtido en un director de habla hispana como el mexicano Alfonso Cuarón en "Hijo de los hombres", desvela a propósito de "Intruders" su faceta más clásica.

"Me gusta volver a los viejos y escalofriantes cuentos de hadas, que nos enfrentaban a miedos infantiles que hay que superar de una manera sana y enriquecedora", explica el intérprete, quien se dejó atrapar para "Intruders" por la capacidad de Fresnadillo para "saltar del cine de género a un desenlace con un gran gancho emocional", resume.

Ese Owen más emotivo y vulnerable responde a su voluntad de ampliar registros. Desmentidos los rumores que le apuntaban como candidato perfecto para ser un nuevo James Bond y rechazando la descripción de "suave virilidad" que le ha acompañado, le gusta recordar el amplio viaje interpretativo que realizó con "Closer".

Tras interpretar en el West End de Londres a uno de los protagonistas, Mike Nichols le ofreció protagonizar la película -en la que se unió a Jude Law, Julia Roberts y Natalie Portman- pero interpretando al antagonista.

"Fue una de las mejores experiencias de mi carrera. Tuve que adoptar una perspectiva totalmente distinta pero a la vez muy familiar, porque conocía al personaje desde el otro lado. Quiero que en mi carrera nunca decaiga el esfuerzo por alcanzar un amplio registro interpretativo", concluye.

14/9/11

Comienza el Festival de Cine Francés, que llegará 16 ciudades del país

Para esta oportunidad, los organizadores del Décimo Festival de Cine Francés decidieron poner toda la carne en el asador. Su presupuesto, aunque reducido, aumentó un 40% y permite lograr un impacto mayor
Juliette Binoche, actriz francesa que se le hará un homenaje especial.foto.fuente:larepublica.com.co

El agregado audiovisual de la Embajada de Francia para los países andinos, Antoine Sebire, explicó que aunque el costo del evento que comenzará mañana y se extenderá hasta finales de octubre apenas supera los 30.000 euros, es bastante lo que se logra construir con esta cifra.
Inicialmente, su presencia se extenderá a 16 ciudades del país a las cuales, "prácticamente no había llegado el cine francés", como Neiva, Barrancabermeja y Valledupar y en las demás, se podrá diversificar el portafolio de películas disponibles para el público. Como es usual dentro de este festival, se rendirá un homenaje a una de las figuras más importantes de su cinematografía.

Homenaje

Este año el tributo será para Juliette Binoche, con una selección de cintas en las que ha participado esta ganadora del Oscar.
La artista cumplió 27 años de labores actorales profesionales, que es hija de un director de teatro y escultor, lo que explica su temprana entrada a este mundo, de modo que su primera aparición en el cine se produjo a los 20 años en la película `Les Nanas` (1984).
Binoche mantiene una alta recordación en el país por su protagonismo en la famosa trilogía de los colores (Azul, Rojo y Blanco), bajo la dirección de Kristof Kieslovski, y más adelante por su rol en `El paciente inglés`, actuación que le valió el ganar un premio Óscar.


En familia
Según información divulgada por Colprensa, el recorrido comenzará en Bogotá, mañana 14 de septiembre, en el Teatro Municipal Jorge Eliécer Gaitán con el cine-concierto Georges Méliès, a través del cual se conmemorarán los 150 años de su nacimiento y donde Marie-Hélène Lehérisse, bisnieta de esta leyenda del cine mundial, hará la presentación como se efectuaba a comienzos del siglo XX, acompañada de su tataranieto Lawrence Lehérissey en el piano.


Georges Méliès fue uno de los pioneros de la cinematografía en el mundo, y en Francia, su país natal, se encuentran celebrando los 150 años de su natalicio con actividades programadas hasta el próximo 8 de diciembre, día exacto de su nacimiento. Director de teatro y actor, desde pequeño Méliès se mostró como genial dibujante, para luego pasar por el mundo del ilusionismo. Esta trayectoria le brindó elementos claves en sus ganas de dar el paso al naciente mundo del cine.


Cahiers du cinéma
Las películas que se proyectarán durante el festival están divididas en varias categorías, en donde sobresalen las de largometrajes inéditos en Colombia, coproducciones franco colombianas,y otras como `Fête de l`animation` y el ciclo `Paris au présent`.


Además, habrá una selección de filmes de los 60 años de la revista Cahiers du cinéma, escogidos en colaboración con ellos, los cuales se centran en las películas francesas, una por década, que han sido apoyadas por los Cahiers. Además, un crítico de esta publicación, Nicolas Azalbert, estará en el país para presentar estas películas.


Durante los diez años que se ha realizado, el Festival de Cine Francés se ha convertido en el más taquillero de los eventos cinematográficos internacionales que se realizan en el país. Además, este evento facilita la proyección de obras que de otras manera se mantendrían inéditas.

Este festival es organizado por la Agregaduría Audiovisual de la Embajada de Francia en Colombia, contando con socios estratégicos como la red de la Alianza Francesa, Institut Français, Unifrance, Cine Colombia, Babilla Cine, Cineplex e Idartes.


En el programa también hay cine colombiano
Los asistentes, según los organizadores, podrán apreciar una forma interesante y agradable para entrar de lleno en la Francia de ayer y en la de hoy, compartir el destino conmovedor de una cofradía de monjes franceses en un monasterio argelino o las andanzas de un orangután, en el Jardin des Plantes de París. Además, dentro del acercamiento entre el cine francés y el nacional, podrán ver `La sociedad del semáforo`.

La opinión
Antoine Sebire
Agregado audiovisual-embaja da de Francia

"El aumento del 40% en el presupuesto para este año nos permitirá llegar a ciudades nuevas como Barrancabermeja, Neiva y Valledupar".

Los libros y las películas del 11-S

Grandes nombres de la literatura mundial, de Roth a Franzen o Beigbeder, sitúan los atentados como trasfondo de sus novelas | Franzen describe en su nuevo libro un país en el que todo se ha venido abajo | Updike fue criticado por su libro del 11-S, al que Hamid se acerca con gran tacto

Un afiche promocional de una de las tantas películas que inspiro el 11-S. foto.fuente:lavanguardia.com

La literatura ha sido sacudida de lleno por la onda expansiva del 11-S. Muchas novelas, especialmente las de los grandes nombres de la narrativa norteamericana, se han ocupado del tema en los últimos diez años. Además de los que han abordado el suceso desde el punto de vista del thriller, poniendo el énfasis en la acción terrorista y la espectacularidad de los hechos, muchas otras obras ahondan en un tema eterno: la sensación de indefensión y vulnerabilidad humana ante los horrores del mundo. ¿Quiénes somos y por qué nos sucede esto?

"Libertad" (Llibertat), de Jonathan Franzen (Western Springs, 1959), que Salamandra y Columna publicarán el día 20 de este mes, describe un país en el que todo se ha venido abajo en los últimos diez años: las torres gemelas, sí, pero también la familia, la pareja, el amor, la moral o la política. Los protagonistas son los Berglunds, una familia de clase media cuyas peripecias son reconstruidas con un realismo casi decimonónico y la aspiración –tan seductoramente antigua- de reflejar todo un país en una novela: su puritanismo, sus costumbres sexuales, sus inseguridades, sus pasiones ocultas, sus conflictos culturales, el movimiento animalista, las cuestiones llamadas de género, el armamentismo, el ejercicio irresponsable de la libertad.... Y con el 11-S omnipresente, sobre todo sus consecuencias: los atropellos políticos, militares, diplomáticos e incluso ecológicos que ha acarreado.

Paul Auster (Newark, 1947) vio desaparecer a las Torres Gemelas desde su terraza en lo que siempre ha llamado "el día más largo de mi vida". Y aquella visión ha tenido reflejo en dos libros suyos. Por un lado, "Un hombre en la oscuridad" (Un home a les fosques) (Anagrama / Edicions 62), del 2008, donde imaginaba unos Estados Unidos en los que no han llegado a suceder los atentados del 11 de septiembre del 2001, aunque, a cambio, todo el país sufre una sangrante guerra civil entre derecha e izquierda. Y, por otro lado, en el final de "Brooklyn Follies" (2005, Anagrama/Edicions 62) aparecen los atentados del 2001, no casualmente pues este libro, según explicó él mismo en Barcelona, "fue escrito para rendir homenaje a una forma de vida rota abruptamente en 2001 y a la necesidad de reconocer la felicidad en lo cotidiano".

Otro de los grandes, Philip Roth (Newark, 1933), en "Sale el espectro" (L'espectre se'n va) (Mondadori/La Magrana, 2007), hacía que su alter ego, Zuckerman, aquejado de cáncer de próstata, abandonara su retiro de años en el campo y regresara a vivir a Nueva York, tras el 11-S, junto a una pareja que también había abandonado la ciudad. La vuelta a la gran manzana supone regresar a los estímulos más vitales, y la obra contiene un análisis de la política norteamericana de las últimas décadas. En "Elegía" (Elegia) (2006, Mondadori/La Magrana), una novela sobre el envejecimiento y la muerte, su protagonista también sufre el miedo post 11-S.

Ha sido un amigo de Roth, Don DeLillo (Nueva York, 1936), el que acaso haya excelido más en reflejar el 11-S. Su novela "El hombre del salto" (L'home del salt) (Seix Barral/Edicions 62), del 2007, se centra en el vagabundeo de un superviviente traumatizado, un abogado de 39 años obligado a redibujar su vida. La novela empieza la mañana del 11 de septiembre de 2001, e indaga también en lo que les sucede a otros varios personajes a partir de entonces. Como dice el propio DeLillo, desde el 11-S "hay algo vacío en el cielo".

Por "Terrorista" (Terrorista) (Tusquets/Bromera) le cayeron chuzos de punta al fallecido John Updike (1932-2009), quien narraba lo que le sucede a Ahmad, un estudiante que decide consagrase a la yihad. Le criticaron que se pusiera demasiado en la piel de los islamistas, ya que el autor se interesaba por cómo un ser humano llega a matar de ese modo y por las reacciones de las víctimas al dolor. Ya se había ocupado antes del tema en un relato, "Varieties of Religious Experience" (2002) que la revista "The New Yorker" rechazó por considerarlo demasiado atrevido. Quien hizo una matizada –y más discreta– aproximación a alguien que puede entender al terrorista fue Mohsin Hamid en la sensacional "El fundamentalista reticente" (Tusquets). También recibió bronca el autor de la novela "The Good Life" (2006), Jay McInerney, nada menos que de Norman Mailer, quien le recriminó que un acontecimiento de tal magnitud requería un tiempo de espera de por lo menos diez años.

El rey del terror, Stephen King (Portland, 1947), en "La torre oscura VI: Canción de Susannah" (Plaza y Janés), del 2004, hace una referencia al ataque cuando los personajes juegan a una maquinita en el World Trade Center y se preguntan qué sucedería si las torres sufrieran un colapso. Y también en un cuento de "Después del anochecer" (Plaza y Janés), del 2008, titulado "Las cosas que dejaron atrás", centrado en el sentimiento de culpa de un funcionario de una de las Torres, que por capricho no fue ese día a trabajar y por ello se salvó de una muerte segura. En "Mundo espejo" (2003, Minotauro), uno de los maestros de la ciencia ficción, William Gibson, cuenta con un protagonista que es un consultor de marketing cuyo padre desapareció en Manhattan la mañana del 11-S.

"El canal del sufrimiento" es un cuento escrito en el 2004 por David Foster Wallace (1963-2008), incluido en "Extinción" (Mondadori), sobre un escritor de la revista "Style", cuya sede se encuentra en el World Trade Center, que intenta finalizar un artículo antes de la hora de cierre, el 10 de septiembre.

En "Un trastorno propio de este país" (Un mal propi del país) (Tusquets/Empuríes), Ken Kalfus (Nueva York, 1954) utiliza el humor negro, pues una pareja en instancias de divorcio asiste a los hechos en la esperanza de que el otro haya muerto en los atentados, ya sea en el rascacielos o en uno de los aviones... lo que no sucede.

En "Al pie de la escalera" (A peu d'escala) (Seix Barral/Edicions 62), Lorrie Moore (Glens Falls, 1954) describe la vida de Tassie, una veinteañera criada en el campo que llega a Nueva York para estudiar en la universidad mientras el país se prepara para atacar Iraq. Haciendo de canguro, descubrirá un secreto.

En "Los hijos del emperador (RBA, 2006), Claire Messud (Greenwich, 1966) recorre las vidas de tres amigos neoyorquinos antes y después del 11-S. En "Tan fuerte, tan cerca" (Lumen, 2005), Jonathan Safran Foer (Washington, 1977) sigue a un narrador de 9 años, Oskar Schell, cuyo padre se encontraba en los pisos superiores del World Trade Center cuando los aviones impactaron sobre él. Oskar emprende una investigación para luchar sontra su tormento y para encontrar lo que cree que es el secreto más iluminador de su padre.

Las aportaciones también vienen de otros países. El irlandés Joseph O'Neill triunfó en el 2008 con "Netherland: el club de criquet de Nueva York", sobre un hombre de negocios holandés que vive en Nueva York y resulta traumatizado por el 11-S. "Sábado", del inglés Ian McEwan (Aldershot, 1948), se ambienta en Londres pero justamente después del 11-S y muestra cómo este atentado ha cambiado el mundo. "Windows on the World" (2003, Anagrama/Empúries), del francés Frédéric Beigbeder (Neuilly-sur-Seine, 1965), se ambienta en un restaurante situado en lo alto de una de las torres el 11-S. Cuenta la historia de Carthew Yorston y sus dos hijos mientras intentan escapar para sobrevivir al ataque. Cada capítulo del libro es un minuto. Y el británico Martin Amis (Oxford, 1949) no pudo resistir realizar una aportación desde la no ficción, con "El segundo avión" (Anagrama), miscelánea de artículos y ensayos donde se desliza el cuento "Los últimos días de Mohamed Atta".

Un nuevo cine de miedo

13/9/11

El Festival de Toronto se da una pausa para contemplar el nuevo cine argentino

"Supongo que cuando uno vive en una ciudad que tiene un movimiento cultural como Buenos Aires, quieras o no eres permeable a esas influencias", afirmo Sorin.
En la imagen, el realizador argentino Carlos Sorín. foto.fuente:lainformacion.com

El Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) realizó hoy un breve descanso en su agitado ritmo de estrenos mundiales y el desfile de estrellas de Hollywood para prestar atención al nuevo cine argentino de directores como Carlos Sorin, Pablo Trapero o Santiago Mitre.

Uno de los programas del Festival Internacional de Cine de Toronto es el llamado City to City, iniciado hace tres años y en el que tienen cabida filmes que se sitúan en alguna de las grandes urbes del mundo.

En 2009, el TIFF inició el ciclo de City to City con la capital israelí, Tel Aviv, y un año después le tocó el turno a la ciudad turca Estambul.

Al anunciar la selección de Buenos Aires, la programadora de City to City, Kate Lawrie Van de Ven, señaló que "el cine argentino ha estado inspirando al público internacional desde finales de 1990 pero con este programa, queríamos considerar hasta qué punto este éxito es un fenómeno urbano más que simplemente una cuestión de cine nacional".

Van de Ven explicó a Efe que "la selección de Buenos Aires para el festival de 2011 fue un resultado combinado de una gran cantidad de búsqueda e investigación desde hace más de un año junto con discusiones con la programadora de películas de España y Latinoamérica, Diana Sánchez".

"Al final, descubrimos más filmes de lo que habíamos anticipado", añadió Van de Ven.

"Nuestro objetivo final es mostrar trabajos que introducen a nuestro público a un variedad de voces cinematográficas dinámicas que emergen de Buenos Aires así como a filmes selectos que están entrelazados con su contexto urbano específico", añadió Van de Ven.

El TIFF ha programado 10 películas argentinas:

"Caprichosos de San Telmo" de Alison Murray, "El gato se desvanece" de Carlos Sorin, "Mundo Grúa" de Pablo Trapero, "Tierra de los padres" de Nicolás Prividera, "Invasión" de Hugo Santiago, "Un mundo misterioso" de Rodrigo Moreno, "Pompeya" de Tamae Garateguy, "Las piedras" de Román Cárdenas, "El estudiante" de Santiago Mitre y "Vaquero" de Juan Minujín.

Durante una rueda de prensa celebrada hoy con varios de los directores argentinos que se han desplazado al TIFF, Santiago Mitre declaró que para él fue "un gran estímulo" iniciarse en el cine cuando habían aparecido las primeras películas del "nuevo cine argentino", filmes como "Mundo grúa" de Pablo Trapero.

"Cuando era adolescente vi la película de Pablo y se empezaron a hacer una serie de películas que eran muy novedosas en el contexto del cine argentino. Y siento que mi aprendizaje como cineasta fue muy en paralelo a todo ese nuevo cine argentino", continuó.

"Sobre todo había una concepción de producción, que en mi película también se sigue, de salir a filmar a la calle y de registrar la ciudad y registrar con mucho realismo el movimiento de la ciudad", terminó diciendo el joven realizador argentino.

Por su parte, Carlos Sorin declaró que aunque la diversidad es la principal característica del cine argentino actual, todos los realizadores están influidos por el dinamismo de Buenos Aires.

"Supongo que cuando uno vive en una ciudad que tiene un movimiento cultural como Buenos Aires, quieras o no eres permeable a esas influencias", afirmo Sorin.

"Nosotros hacemos un cine que está adscrito a la realidad que vivimos. No es un cine fantástico, no es un cine de Hollywood. Y compartamos o no lugares comunes, todos nosotros estamos influenciados por una misma realidad", continuó el director de "El gato se desvanece".

"El cine argentino tiene una característica muy notable que tiene que ver con la historia de Buenos Aires, que es una ciudad absolutamente cosmopolita. Y para mi esa característica del cine argentino es la diversidad de miradas. Somos todos distintos. Eso es nuestro fuerte y quizás también nuestra debilidad pero eso es Buenos Aires", terminó señalando.

11/9/11

León de Oro a un indigerible Fausto

El director Aleksander Sokurov obtiene el triunfo en un festival de gran nivel - La favorita, Shame, logra los premios al mejor actor y el de la crítica

El director Aleksander Sokurov obtiene el triunfo con un indigerible Fausto, según el crítico de estas notas, en un festival de gran nivel.foto:Alessandro Bianchi.fuente:elpais.com


Ha sido la mejor Mostra que yo recuerdo en demasiados y lamentables años, una programación que te despejaba las legañas al madrugar y no convertía en un oficio deprimente esa cosa tan rara de ser crítico de cine, al acudir con ilusión a películas firmadas por directores cuya obra siempre te ha ofrecido garantías, o al menos expectación, gente en posesión del lenguaje que precisan sus historias, autores que jamás han recurrido a ese recurso utilizado por tanto falsario o irremediable impotente de hacer sus películas de espaldas a algo tan real llamado público, ese público en el que conviven listos y simples, acomodaticios y exigentes, sofisticados y convencionales. Pero todos esos directores tienen claro algo tan obvio como que el cine necesita espectadores, no se refugian en las subvenciones estatales o culturales exigiendo al poder que financie un presunto arte que solo es apreciable en sus cuentas corrientes, en la admiración absoluta de su familia y allegados y en el consenso de una crítica ilegible e inentendible que revela a unos lectores tan exiguos como profundos las excelencias de esas patéticas masturbaciones mentales.

Si hiciéramos una lista de las películas que han desdeñado el palmarés de los festivales (todavía recuerdo con estupor que en el festival de San Sebastián despreciaron Muerte entre las flores y Promesas del Este) un cinéfilo medianamente sensato, no un falsario que escribe al dictado de lo que se supone que mola en la mercadería cultural, creería que esos selectos jurados se habían comido un tripi chungo o que el excesivo alcohol había enloquecido sus neuronas, al constatar su amor hacia un cine invisible e inaudible. Aronofsky, ese director, antiguamente insoportable, que ha descubierto en sus últimas y sobrevaloradas películas que gracias al redimido Mickey Rourke y la siempre admirable Natalie Portman podía vender adornadas y presuntamente inquietantes burras ciegas, ha concedido el León de Oro a la insufrible Fausto, una prescindible adaptación del complejo mito que describió Goethe a cargo del temible director ruso Aleksander Sokurov. Lo hace con imágenes, pensamientos, diálogos y personajes dormitivos. Sokurov, que es un esteta muy original, comienza la historia del hombre que vendió su alma al diablo con el minucioso plano del pene y los testículos de un cadáver al que morosamente le van sacando las tripas y otros órganos en descomposición. Qué rompedor ese arranque, qué naturalismo tan necesario para explicar lo que va a ocurrir en el convulsionado cerebro de un médico que constata las miserias de la naturaleza humana y se plantea los dilemas y el precio para lo que quiere conseguir en la tierra. El desarrollo de esa indagación moral es plúmbeo. Se supone que las supuestas obras de arte están amortizadas aunque el gran público no tenga la oportunidad de juzgarlas ya que los fenicios distribuidores siempre están pendientes de esas cosas tan miserables de la oferta y la demanda. Y descubres que lo que la sublime inteligencia y el gusto exquisito de los jurados ha bendecido no se estrena comercialmente, o si lo hace durante una injusta y trágica semana, provoca una estupefacción notable aunque los críticos la hayan colocado en el número uno de su sonrojante hit parade.

El premio al mejor director le ha caído al señor chino que firmaba esa película sorpresa de la que tuvimos que salir echando hostias porque en la proyección de la mañana los subtítulos eran un desastre surrealista y en la proyección de la noche se quemó el proyector. En lo que vi hasta ese momento había planos de cinco minutos con el hierático rostro de un fulano planeando su venganza. Seguro que al final todo tenía sentido, pero mi irresponsabilidad no lo puede constatar.

El camaleónico actor Michael Fassbender es tan bueno que no logro identificarle de una película a otra. Es una forma privilegiada de ser muchos hombres a la vez, tan respetable para mis gustos como esos Cary Grant, John Wayne, Humphrey Bogart y Robert Mitchum que siempre parecía que se interpretaban a sí mismos. El premio a la mejor actriz, concedido a la china Deannie Yip, me acerca al desolador universo de una residencia de ancianos. Me conmueve. No puedo ser objetivo ya que el alzhéimer y la demencia senil de mis seres más amados protagonizan desde hace tiempo mi realidad y mis pesadillas. Terraferma va de pescadores bondadosos y en crisis de supervivencia que ofrecen refugio a los desgraciados de las pateras. Vale.

El premio al mejor guion, concedido a la película griega Alpis, confirma el amor del jurado hacia las tramas retorcidas. Aquí cuentan la historia de unos vividores místicos que reemplazan ilusoriamente a los difuntos para que en un juego macabro los familiares se convenzan a sí mismos de que sus seres más cercanos siguen vivos y oficiando sus rituales. El mayor problema es que hasta que pasa una hora no te enteras de nada. Vale. El paisaje de Yorkshire está muy bien captado en la fotografía de la nueva e inútil adaptación que ha hecho Andrea Arnold de la torrencial y conmovedora novela Cumbres borrascosas. Vale.

La sección oficial de esta Mostra ha tenido la mejor programación que yo recuerdo en un festival de cine durante los últimos años. Los premios han sido mayoritariamente delirantes, o tal vez muy consecuentes con los gustos de su viscoso director Marco Müller, alguien tan mezquino como para enviarme en los últimos años al hotel más extremo del Lido, o para negar este año la invitación ancestral que este festival hacía durante determinados días al periódico al que represento, al tiempo que respetaba esa hospitalidad con el resto de los diarios españoles. Encontraría normal que ante mis repetidas críticas a su asqueroso mandato enviara a unos sicarios para que me lanzaran a la laguna o que me reprochara personalmente mis acervos juicios sobre su devastador mandato. Pero ese melifluo animador cultural, con laboriosa apariencia de astronauta chino, tan progresista y políglota él, ha intentado cerrarme mi irreverente boquita con la metodología del facherío prepotente. Como no creo en el infierno, tampoco puedo deseárselo a un gestor que convirtió un festival estimulante en el paraíso del cine más atroz. Y la vida sigue, Marco Müller. La gente como usted siempre encuentra sabroso trabajo en todos los acontecimientos académicos, representan a la conciencia escéptica y comprometida en el corrompido Occidente. Sería espantoso tener que optar entre la derecha, representada por el intolerable Berlusconi, o la izquierda que usted ha pretendido apadrinar en las impresentables ediciones en las que ha sido el responsable de la Mostra. Si a un niño o a un adolescente medianamente receptivo le contaran que el cine es la mayoría de las películas que usted ha exhibido durante estos años, jamás podría enamorarse de él. Lo consideraría una tortura a evitar con uñas, pensamiento, sensibilidad y dientes.

10/9/11

Portugal lleva el documental sobre Saramago a los Oscar

José y Pilar de Miguel Gonçalves Mendes, competiría en la categoría de mejor filme extranjero


Muestra que Saramago no se rindió ante la muerte.foto.fuente:elespectador.com

Portugal decidió presentar como candidato al Oscar al mejor filme extranjero el documental "José y Pilar", sobre la vida del nobel luso José Saramago, realizado en coproducción con España y Brasil.

La candidatura, anunciada por el Instituto Cinematográfico y Audiovisual luso, fue acogida con gran alegría por la viuda del escritor, Pilar del Río, y el director del filme, Miguel Gonçalves Mendes.

Pilar del Río se mostró muy contenta por la decisión de la academia lusa y destacó la singularidad de un film en el que el principal actor es Saramago, fallecido el 18 de junio del año pasado a los 87 años.

La viuda del nobel portugués recordó que la cinta ha tenido una gran acogida de público en los muchos países donde se ha exhibido, entre ellos Brasil, México, España, Portugal y, ahora, Italia, y va a ser presentada en octubre en Estados Unidos y Canadá.

Por su parte el director de "José y Pilar", Gonçalves Mendes, dijo que le "enorgullece muchísimo" que se haya tomado esa decisión.

Portugal estará representado en los Oscar por un documental que retrata a "un hombre absolutamente extraordinario de una escala universal", manifestó.

En la producción de la cinta, filmada entre 2006 y 2009, participaron la productora "El Deseo" -del realizador español Pedro Almodovar- y el director brasileño Fernando Meirelles.

El filme estuvo medio año en las carteleras portuguesas y recibió varias nominaciones a los premios cinematográficos brasileños.

Ésta es la primera vez que la academia cinematográfica portuguesa escoge un documental para representar al país en los Oscar y su director resaltó que se trata de una obra que ha llegado a las pantallas en coproducción de tres países.

Para su director, de 32 años y autor de otros dos documentales, la cinta retrata, a través de la vida de Saramago y su esposa y traductora Pilar del Río, "la belleza de las cosas banales y de los pequeños detalles".

"Trasciende el documental puro y a muchos les parece una historia sobre personas", afirma su realizador.

Pilar del Río recordó los inicios del proyecto: "un filme de bajo presupuesto, con un realizador que tenía 28 años cuando empezó a rodar y que se lo trabajó el solo".

La nominación portuguesa de "José y Pilar" se produce ahora por decisión de la academia lusa en un año además de grandes filmes nacionales en Portugal, resaltó.